El Museo del One Hit Wonder

Daniel Powter - Bad Day

2012-01-21T22:09:00.001-03:00

Qué tal estimados/as, soy DJ Empire en este Museo. Siguiendo con la tiendita del 2000, les dejo con un cantante que tuvo sólo este hit en Estados Unidos, desde su país vecino del norte, el de habla inglesa y francesa. Es uno de tantos que trataron de emular el éxito de cantantes como James Blunt, pero que no dio más resultado que este sencillo. Y ojo, no es DJ Empire quien tuvo un mal día cuando escribió esto. Es el canadiense Daniel Powter con su single Bad Day.

Daniel Richard Powter nació en Vernon, British Columbia, Canadá, un 25 de Febrero de 1971. Cuando pequeño solía tocar el violín, pero tras el bullying que le hacían unos niños, terminando con el instrumento destruido, se cambió al piano. Ése no sería el único problema con que Daniel tenía que lidiar. La dislexia le complicó mientras estudiaba Música en la universidad, razón por la que terminó dejando la institución, para luego desarrollar una carrera musical, aprendiendo canciones de oído y grabando las melodías que creaba. Su debut discográfico fue en 2000, con el disco I'm Your Betty, el cual se publicó en una pequeña tirada. Dos singles de este álbum, More Than I y Negative Fashion, salieron en el show de TV Higher Ground.

Cinco años después del disco debut, Daniel Powter lanza su álbum homónimo, del cual salió como primer single Bad Day. Warner Bros. Records presentó el single para producción comercial, y al poco tiempo fue elegido por Coca-Cola para una campaña publicitaria en Europa. La canción alcanzó alta rotación radial en el Viejo Continente, y se convirtió en un hit para los rankings. En EE.UU., Bad Day sonó en la quinta temporada del programa American Idol, y Daniel Powter cantó en vivo la canción para la final de esa temporada, lo que ayudó a que se convirtiera en un hit por este lado del Atlántico. En ese mismo 2005, el canadiense tocó en el escenario de Berlín para el evento Live 8, una serie de conciertos en nueve países para recaudar fondos que ayuden a las naciones africanas afectadas por la pobreza. Y en Canadá, Powter ganó el Premio a Mejor Artista Nuevo en los Juno Awards de 2006, además de ser nominado a los BRIT Awards de ese año y a los Grammy de 2007.

Los siguientes singles del disco, Jimmy Gets High, Free Loop (One Night Stand) y Lie To Me, se lanzaron en diferentes partes del mundo, pero ninguno consiguió el éxito de Bad Day. Se lanzó el tema Love You Lately como nuevo single en EE.UU., precediendo un re-lanzamiento del disco homónimo de Powter, pero esta reedición se canceló. Tras esto, en 2008 Powter lanzó su tercer álbum, Under the Radar, el mismo año en que se embarcó en el Wolfbaggin' Tour junto a Alphabeat y Lil' Chris. Powter también tocó piano en unos tracks lo que iba a ser el disco solista de John Wozniak, Leaving Wonderland... in a Fit of Rage, pero se terminó lanzando como el cuarto disco de Marcy Playground, la banda de Wozniak (ya comentados en este Museo con Sex and Candy). Sin embargo, Daniel fue acreditado por su colaboración en un tema de ese álbum, Gin and Money.

En Diciembre de 2009, Daniel Powter fue nombrado el One Hit Wonder de la Década por Billboard, mismo medio que la nombró la Mejor Canción de 2006, como "uno de los mejores descubrimientos del año". Según describe la revista, un One Hit Wonder es un artista cuyo segundo single no llegó al Top 25 de los charts, y para esta distinción sólo consideraron artistas que lanzaron sus hits entre 2000 y 2007. Y lo más reciente de este canadiense es Best of Me, una compilación de 2010 lanzada bajo etiqueta Warner.

Bad Day es una canción escrita por Daniel Powter para su segundo álbum de 2005, y se lanzó como single en formatos CD Single y Descarga Digital. Con el éxito de este single, Powter se convirtió en el primer canadiense en alcanzar el #1 del Billboard Hot 100 desde Bryan Adams en 1995 (con Have You Ever Really Loved a Woman?). Este #1 también se dio en dos rankings de Billboard, el Adult Contemporary y el Hot Adult Top 40 Tracks. en las ventas, Bad Day obtuvo certificación de Disco de Platino en Australia y Triple Platino en los EE.UU. En el mundo, el hit de Daniel Powter alcanzó el #2 del UK Singles Chart, #1 en Irlanda, #3 en Australia y #7 en su natal Canadá.

El dato adicional de DJ Empire: El video de Bad Day está filmado en pantalla dividida, contando la historia de dos solteros (Jason Adelman y Samaire Armstrong) en su día a día, y fue filmado en Los Angeles, en el área de la Línea Roja del Metro. Tras esta reseña, DJ Empire les deja con los links a este pop de piano protagonizado por este joven canadiense. Con ustedes, Daniel Powter...

Daniel Powter - Bad Day (Lyrics)

Daniel Powter - Bad Day (Video)

Y bien, ha sido el recuerdo desde la tiendita del 2000, traído por DJ Empire, desde Canadá a este Museo. La próxima semana, DJ Candidato irá a One Hit Wonderlandia para buscar otro artista que se quedó en el camino tras el éxito de un single. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Eddie Murphy - Party All The Time

2012-01-15T22:00:00.000-03:00

Bienvenidos todos a una nueva edición de El Museo del One Hit Wonder, lugar de encuentro de los melómanos curiosos que buscan historias acerca de esas canciones que fueron el único éxito de un artista. Soy DJ Candidato y, en mi primera incursión del 2012 como parte de este sitio, traigo una sorpresa que quizás muchos no esperaban o no tenían en sus candidatos. El es conocido por otras aptitudes artísticas, pero también se hizo un espacio para el canto. Con Ustedes, el actor Eddie Murphy y su canción Party All The Time.

Edward Regan Murphy nació el 3 de Abril de 1961 en el barrio neoyorquino de Brooklyn. Con su padre muerto y su madre gravemente enferma, Eddie y su hermano permanecieron en un orfanato por un año, tiempo en el cual Eddie desarrolló un especial sentido del humor. Cuando aún no cumplía 20 años, Murphy comenzó a escribir sus propios monólogos de comedia stand-up basado en un referente afro-americano como Richard Pryor. En 1980, su talento llamó la atención del programa de variedades Saturday Night Live donde permaneció por cuatro temporadas y, hasta el día de hoy, es recordado como uno de los más notables comediantes que ha pasado por el show y que, además, fue su trampolín a la fama.

Aunque en el cine comenzó su carrera en 1982 con la película 48 Hrs. y obtuvo un Golden Globe como Mejor Nueva Estrella, su consagración llegó dos años más tarde con el film Beverly Hills Cop (conocida también como Un Detective Suelto en Beverly Hills). Ya era comediante y actor de éxito en la taquilla...fue cuando también quiso dar un impulso a su talento musical, el cual surgió al mismo tiempo que su entrada al celuloide. Su disco debut, llamado Eddie Murphy, data de 1982 con CBS Records e incluyó la canción Boogie in Your Butt; además, hizo coros en la canción de The Bus Boys titulada The Boys Are Back in Town (parte del film 48 Hrs.).

Luego de un segundo disco (Comedian, 1983) que no tuvo singles destacados aunque fue medianamente considerado en los charts, 1985 fue un año exclusivamente musical para Eddie Murphy antes de filmar la segunda parte de Beverly Hills Cop. Se asoció con Rick James (sí, el de Super Freak y también productor de otras "one hit wonders" como Mary Jane Girls) y éste le produjo la canción Party All The Time como parte del disco How Could It Be, de 1985 y que fue el primer disco netamente musical de Murphy, donde incluyó un dueto con Crystal Blake.

Tras ello, pasaron cuatro años para que Eddie Murphy lanzara nuevo material con el nombre de So Happy (1989), que sería su último trabajo con CBS Records e incluiría un éxito en menor escala bajo el nombre de Put Your Mouth On Me. En 1993 y ya con Motown Records, registró su última producción discográfica hasta la fecha y que se llamó Love´s Alright...que ni siquiera se salvó de tener un pobre registro en los charts aunque tenía al mismísimo Michael Jackson como colaborador en la canción Whatzupwitu. Tras ello, sólo fueron dos compilaciones mezclando comedia y música, lanzadas a finales de los 90´s.

De todos modos, Murphy (quien ha visto resurgir su carrera actoral en los últimos años tras algunos problemas...aunque no con el brillo de los 80´s) no ha dejado de aprovechar ocasiones para sacar provecho a sus dotes vocales. Especialmente, destaca en la saga animada Shrek donde, poniendo la voz al personaje de Donkey (Burro), hizo sus propias versiones tanto del tema de The Monkees I´m a Believer como de la canción de Ricky Martin Livin´ La Vida Loca (ésta, a dúo con Antonio Banderas, quien pone la voz al Gato con Botas). Además, fue muy elogiado por su papel de James "Thunder" Early en la película de 2006 Dreamgirls, ganando un Globo de Oro y un SAG Award además de ser nominado a un Oscar (todo, como Mejor Actor de Reparto).

Party All The Time fue el primer sencillo y el quinto track del tercer disco de Eddie Murphy llamado How Could It Be (CBS Records, 1985). La canción fue escrita por el propio Murphy junto a Rick James, quien también las ofició de productor y aportó con parte de los coros. Llegó a ocupar el 2° lugar del Billboard Hot 100 aunque, a finales de 1985, finalizó en el 7° puesto (también alcanzó la 3° plaza en Nueva Zelandia y un discreto 87° puesto en el Reino Unido). Junto con aparecer en el 80° lugar de Los 100 Más Grandiosos One Hit Wonders de los 80´s de Vh1, aunque la misma publicación junto con Blender y AOL Radio también la ha puesto en nóminas dentro de las Peores Canciones de la Historia.

Ha sido usada y versionada por artistas diversos como DJ Sharam, quien usó un sampler para su tema PATT (Party All The Time); Aubrey O´Day hizo un cover en 2009 y, hace unas semanas, la banda de metal finlandesa Children of Bodom anunció que incluirían su propia versión de esta canción en su próximo disco, Relentless, Reckless Forever. Pero vamos con el inocente intento de alguien que creyó que, por ser un actor en alza, podría también triunfar en el canto...con Ustedes, las letras y el video de la canción protagonista de esta semana.

Eddie Murphy - Party All The Time (Lyrics)

Eddie Murphy - Party All The Time (Video)

Es todo lo que les tenemos que entregar por esta ocasión en El Museo del One Hit Wonder, el lugar que sirve de refugio contra el olvido de esos cantantes que sólo tuvieron una bola mágica que los llevó a los oídos de millones y a la consiguiente fama. Para la próxima ocasión, es DJ Empire quien tomará el relevo y traerá para todos nosotros otra canción con su particular crónica que lo hace merecedor de estar en este lugar. Como siempre, soy DJ Candidato y les invito a que sigan llevando la música dentro de Ustedes. ¡Hasta una pronta ocasión!

Macy Gray - I Try

2012-01-08T13:11:00.000-03:00

Qué tal, estimados, soy DJ Empire dando la bienvenida a la temporada 2012 en el Museo. Empezamos con una cantante que hizo conocida una canción de toque sentimental, cuya voz rasposa la hizo distinguible entre las intérpretes de raza negra. Y esto significó un revival del soul por ese entonces, en 1999, casi llegando a la tiendita de los 2000's. En las cercanías del cuarto aniversario de nuestro Museo (es este Miércoles 11), DJ Empire presenta a la estadounidense Macy Gray y su hit I Try.

Macy Gray nació como Natalie Renee McIntyre en Canton, Ohio, EE.UU., un 6 de Septiembre de 1967. Sus padres son Laura McIntyre, una profesora de matemáticas, y Otis Jones; pero después Laura se casó con Richard McIntyre, quien sería el modelo paterno para Natalie y sus hermanos Nathon y Nehlia. En Ohio, Natalie trabajó brevemente a los 12 años, antes de ser despedida por atrasos. Decidió iniciar una carrera musical, después de haber sido expulsada del Western Reserve Academy en Houston, donde Natalie estudió desde los 14. Pero el éxito llegó sorpresivamente para esta cantante. Mientras estudiaba en la University of Southern California, había una grabación fichada para otra cantante. Pero esta vocalista no fue a la sesión y nuestra artista de la semana aceptó grabar con su voz estas canciones. Mientras Natalie trabajaba de cajera en Beverly Hills, conoció al letrista y productor Joe Solo, con quien grabó un demo y pudo lanzarse al circuito de cafés de jazz en Los Angeles, California. Y a pesar de no gustarle su propia voz, la artista, desde ahora Macy Gray, captó la atención de Atlantic Records, con quienes formó contrato.

El contrato con Atlantic no se pudo concretar, debido a la partida de Tom Carolan, el responsable de A&R (Artistas y Repertorio), quien había fichado a Macy Gray. Tras su expulsión del sello, la cantante ficha con Epic Records y comienza a trabajar en su disco debut. Finalmente esta producción sale en 1999, bajo el nombre On How Life Is. Su primer single, Do Something, no pudo rankear en los charts. La situación cambió con el segundo sencillo, I Try, que se convirtió en uno de los singles más vendedores de 1999. Junto con dos sencillos más, Still y Why Didn't You Call Me, On How Life Is obtuvo las categorías de Triple Platino en EE.UU. y Canadá, y Cuádruple Platino en el Reino Unido. En 2001 Macy Gray colaboró con Fatboy Slim y The Black Eyed Peas, además de actuar por primera vez en la película Día de Entrenamiento. Pero ese año pasó una vergüenza pública: En el partido de exhibición del Pro Football Hall of Fame, Gray olvidó la letra del Himno Nacional de los Estados Unidos, ganándose un monumental abucheo.

Para la siguiente década, en 2001, Macy Gray lanzó su segundo álbum, The Id, que cuenta con las colaboraciones de John Frusciante y Erykah Badu para el single Sweet Baby. El disco alcanzó el #11 en el Billboard 200 y el #1 en el UK Albums Chart, pero el éxito en Estados Unidos fue menor en comparación a su predecesor. Una posible teoría es que The Id fue lanzado una semana antes de los atentados del 11-S. Tras esto, Gray colaboró con Santana, con el italiano Zucchero y apareció en el disco Red Hot & Riot, un álbum de la Red Hot Organization en tributo al cantautor nigeriano Fela Kuti (con la canción Water Get no Enemy). Y en 2003 Gray lanzó su tercer disco, The Trouble of Being Myself, que no tuvo buenas ventas. Tras esto, lanzó una compilación, The Very Best of Macy Gray (2004), y un disco en vivo, Live in Las Vegas (2005).

El 2007 empezó muy mal para Macy Gray. Fue expulsada del escenario tras cometer profanación en un concierto en Barbados. Si bien eso era parte del show, a cantante no fue advertida de que tal acto estaba contra la ley en ese país. Pidió disculpas públicas para evitar el arresto. De vuelta a la música, Gray lanzó su cuarto disco de estudio, Big. El álbum, que incluyó colaboraciones de Natalie Cole, Fergie, Justin Timberlake y will.i.am (quien fue co-productor ejecutivo junto a Gray), recibió muy buenas críticas y fue considerado su mejor trabajo hasta la fecha. Y tres años más tarde, 2010, Gray lanzó su quinto álbum de estudio, The Sellout, cuyo single Beauty in the World sonó en la secuencia final de Hello Goodbye, último capítulo de la serie Ugly Betty (remake de ABC para Yo Soy Betty, la Fea).

Además de los discos de estudio, Macy Gray ha colaborado en más de diez soundtracks, como Una Pareja Explosiva 2 (con The World is Yours, junto a Slick Rick), 8 Mile (con Time of My Life) y Confessions of a Shopaholic (con Don't Forget Me). Fuera de la música, Gray estuvo casada con el productor Tracy Hinds desde 1996 hasta 1998, con quien tuvo a sus tres hijos, Aanisah, Tahmel y Happy. En 2005 abrió The Macy Gray Music Academy, y apoyó la campaña presidencial de Barack Obama. Y en la televisión, apareció en Celebrity Poker Showdown (donde finalizó tercera) y en la temporada 9 de Dancing with the Stars (segunda eliminada). ¿Noticias de un nuevo disco? No hay nada confirmado, pero se presume que Macy Gray volvería con un sexto álbum de estudio para 2012.

I Try es una canción co-escrita por Macy Gray junto a Jeremy Ruzumna, Jinsoo Lim y David Wilder; producida por Andrew Slater y lanzada en formatos CD Single, 12" Maxi Single y Descarga Digital. La canción ganó el Premio Grammy a Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina en 2001, y Mejor Artista Nueva en los MTV Video Music Awards de 2000. Y apareció en algunas película y series de TV, por mencionar una, Picture Perfect (1997, con Jennifer Aniston en el protagónico). Las ubicaciones de I Try en los charts Billboard: #5 en el Hot 100, #1 en el Mainstream Top 40 (Pop Songs), y #21 en el Bubbling Under R&B/Hip-Hop Singles y en el Hot Adult Contemporary Tracks. Fuera de EE.UU., el hit de Macy Gray rankeó #6 en el UK Singles Chart, y #1 en Irlanda, Australia y Nueva Zelanda.

Dos datos adicionales de DJ Empire: 1. Macy Gray sufre de desorden bipolar, y 2. En 2008 volvió a cantar el Himno Nacional de los Estados Unidos (y esta vez bien), mientras izaban la Bandera de Israel en el Consulado de este país en Los Angeles. Pero lo mejor que esta afroamericana dejó para la posteridad es este hit que demuestra una triste verdad en su letra: hay despedidas que a mucha gente le duele y no puede seguir adelante, en este caso sentimentales (no es mi caso, aclaro). DJ Empire presenta el soul de Macy Gray en estos links, letras y video, ahora mismo.

Macy Gray - I Try (Lyrics)

Macy Gray - I Try (Video)

Y es así como DJ Empire ha partido la temporada 2012, y a la vez recordamos los cuatro años desde que se lanzó esta tienda virtual, nuestro Museo. La próxima semana, DJ Candidato traerá para ustedes una segunda maravilla de un éxito para este año. Hasta el próximo One Hit Wonder.

The Church - Under the Milky Way

2011-12-31T11:30:00.002-03:00

En las últimas horas del 2011, DJ Candidato les saluda afectuosamente y les da la bienvenida a la última entrega de esta Temporada en El Museo del One Hit Wonder, el lugar donde esas canciones que le dieron el único pasaporte a la fama a un artista o un grupo de artistas tienen su espacio. El año había que cerrarlo a la altura con una canción bastante icónica aunque, tal vez, algunos arrugarán el ceño al verla por razones que ya se detallarán; desde el otro lado del Mundo, traemos a los australianos The Church con su canción Under The Milky Way.

La historia se remonta a comienzos de los 70´s en la ciudad australiana de Canberra, cuando el bajista Steve Kilbey (nacido el 13 de Septiembre de 1954) tocaba en una banda de covers llamada Baby Grand; años después, pasó al grupo Precious Little (que iba por el lado del glam rock) y allí conoció al guitarrista Peter Koppes (nacido el 21 de Noviembre de 1955)...fue el antecedente para que, en Marzo de 1980, ambos convocasen al baterista Nick Ward y formaran un power trío que se llamó Limosine. La formación duró poco ya que, en Abril del mismo año, se suma el guitarrista Marty Willson-Piper (nacido el 7 de Mayo de 1958) y pasaron a llamarse The Church.

Sus primeros discos (como el debut Of Skins and Heart, de 1981) generaron interés en Australia y, en parte, en Nueva Zelandia, un mercado discográfico muy ligado al de Australia. La presión y las decisiones inconsultas por parte de las discográficas EMI y Parlophone hicieron que la proyección a mercados más grandes como el Reino Unido y Estados Unidos se viese postergada; luego de publicar un disco por año entre 1981 y 1983 (con Richard Ploog en reemplazo de Nick Ward al mando de la batería), se tomaron tres años para su siguiente placa de larga duración, llamada Heyday (1986), que sería su último trabajo con EMI/Parlophone y que ya incorporaba sonidos de cuerdas y de instrumentos de viento.

Fue allí cuando decidieron jugársela: ficharon por cuatro discos con Arista Records en Estados Unidos mientras que Mushroom Records y Festival Records se encargarían de la distribución en Australia. Partieron a Los Angeles, California a grabar lo que sería su disco más conocido: Starfish, de 1988...aunque la adaptación a la vida en Estados Unidos no fue fácil para ninguno de los integrantes de The Church. Pero pese a lo anterior, cuajaron un buen disco que tuvo en Under The Milky Way a su punta de lanza con elementos poco usuales: sutiles guitarras eléctricas, un sonido más bien progresivo y la inconfundible voz de barítono de Kilbey.

De ese mismo Starfish es la canción Reptile, que tiene algunos cambios de ritmo y un notable uso de la guitarra que, sin duda, se toma el protagonismo más allá de la voz de Kilbey y, aunque marcó pobremente en los charts, es una canción que hasta el día de hoy sigue sonando en las radios chilenas. El álbum Starfish logró ser el único de la carrera de The Church que obtuvo Disco de Oro en los Estados Unidos y es la producción más vendida de la banda en Estados Unidos y Australia.

Otra vez, los problemas con las discográficas hicieron nata ya que Arista los presionaba a sacar un nuevo disco, el cual salió en 1990 bajo el título Gold Afternoon Fix y que tuvo un sonido más íntimo que su antecesor, algo que no gustó mucho a los fans y menos a la disquera, que había invertido mucho dinero en la promoción del disco. Fueron los comienzos de los 90´s años inestables para el grupo pese a lo que muchos consideran su clímax artístico con Priest=Aura (1992): otra vez hubo cambio de baterista (entró Jay Dee Daugherty) y, en 1992, las disputas entre los guitarristas terminaron con la salida de Peter Koppes. Al año siguiente, Tim Powles pasó a tomar el control de la batería.

El último disco que tuvo cierta figuración en los charts fue Sometime Anywhere, de 1994. Casi sucede que The Church pasa a la historia ante un proyecto paralelo a mediados de los 90´s llamado The Refo:mation, que contó con el regreso de Peter Koppes...de ahí, volver a The Church era el siguiente paso aunque se mantenían ciertas diferencias entre sus integrantes. Pero como en Australia son considerados ídolos, siguieron adelante y lanzaron dos discos acústicos con títulos en castellano: El Momento Descuidado (2005) y El Momento Siguiente (2007). Con tres décadas de carrera e inducidos al Salón de la Fama del Rock en Australia, su último disco oficial (vigésimo de su carrera) es el Untitled #23, de 2009 (tras él, salieron los EP´s Operetta y Deadman´s Hand).

Under The Milky Way fue el primer sencillo y segundo track del quinto disco de The Church llamado Starfish (Arista/Mushroom, 1988). Steve Kilbey escribió la canción junto a su entonces pareja, Karin Jansson; el tema fue producido por la formación de The Church en esos años (Kilbey, Koppes, Willson-Piper y Ploog). Alcanzó como máximo el 24° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y fue la única canción del grupo que tuvo figuración en ránkings de países como el Reino Unido y Canadá. En 2008, los lectores de The Weekend Australian Magazine escogieron a Under The Milky Way como la mejor canción de los últimos 20 años en aquel país.

Artistas como Rick Springfield y The Killers han versionado esta canción que, además, tuvo su revival gracias al haber sido incluida en la banda de sonido de la película Donnie Darko (2001). Pero el momento de gloria de Under The Milky Way llegó en el 2006 cuando, en el marco de la inauguración de los Commonwealth Games en Melbourne, The Church interpretó la canción acompañado de la Orquesta Sinfónica de Melbourne (como se ve en este video). Ahora, les dejaré tanto con las letras como con el video oficial de Under The Milky Way, de The Church...

The Church - Under The Milky Way (Lyrics)

The Church - Under The Milky Way (Video)

Al momento de concluir esta reseña y este año, queremos junto con DJ Empire agradecerles por el apoyo, por los comentarios y por esas lecturas que quizás han sido silenciosas pero que, de alguna manera, quizás hayan despejado en Ustedes alguna duda acerca de estos artistas que tuvieron un notable fulgor y luego desaparecieron del radar. Es por ello que, el 2012, esperamos continuar con esta labor digna de melómanos...y, como no podía ser menos, DJ Empire abrirá los fuegos de El Museo del One Hit Wonder el próximo año con otra canción digna de exhibición y con su particular historia. Por mi parte, me despido invitándoles a seguir pasando por este lugar y a realizar aportes que consideren necesarios. Soy DJ Candidato y, el próximo año, recuerden seguir llevando la música dentro de Ustedes. ¡Hasta luego!

Crazy Town - Butterfly

2011-12-24T23:55:00.000-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire en otra edición del Museo. Sigo con la tiendita del 2000 para mi último post del 2011 y penúltimo de la temporada. Si hace diez años sonaba esa frase "come my lady, come-come my lady" en las radios, tan pegadiza como un chicle en la suela del zapato, es que la siguiente canción logró hacerse notar como hit. Es el grupo estadounidense Crazy Town con su hit Butterfly.

Estamos en 1995, Los Angeles, California. Todo esto empezó de unas colaboraciones entre Bret Mazur y Seth Binzer, conocidos por sus respectivos alias Epic y Shifty Shellshock. Sólo cuatro años después, 1999, Mazur y Binzer comienzan a lanzar material bajo el nombre de Crazy Town (también abreviado como CxT). Este grupo además lo conformaban Charles Lopez (a.k.a. Rust Epique), James Bradley Jr., Doug Miller, Adam Goldstein (a.k.a. DJ AM, ya mencionado en el post de +44) y Antonio Lorenzo Valli (a.k.a. Trouble). A comienzos de 1999 graban su primer álbum y éste sale al mercado en Noviembre de ese año, bajo el nombre The Gift of Game. Este lanzamiento se ayudó con un tour como banda soporte de los Red Hot Chili Peppers. Sin embargo, el guitarrista Rust Epique deja el grupo mientras estaban en la mezcla del álbum, siendo sustituido por Kraig Tyler (a.k.a. Squirrel o SQRL).

Del disco The Gift of Game se lanzaron dos singles, Toxic y Darkside, pero no pudieron rankear en las listas. En 2000 Crazy Town iba a ser fichado para tocar en el Ozzfest, sin embargo, tuvieron que desertar debido al comportamiento de Seth Binzer, quien fue arrestado tras lanzar una silla desde una ventana mientras estaba ebrio. En ese entonces, DJ AM dejó la banda. El tercer single que lanzó Crazy Town fue Butterfly, y logró ser un hit. Tras esto, volvió DJ AM al grupo. El éxito de Butterfly fue rotundo y significativo en las ventas del álbum: antes del lanzamiento del single, el disco vendió 100 mil copias; tras el #1 de Butterfly, The Gift of Game subió a más de 1.5 millones de copias vendidas. Finalmente Crazy Town logró tocar en el Ozzfest en 2001, aunque DJ AM se ausentó nuevamente. La presentación tuvo críticas variadas, especialmente del público del Ozzfest que los rotuló como "The Butterfly Boys" debido al éxito de la canción. Finalizando la promoción de The Gift of Game, se lanzó un cuarto single, Revolving Door, que tuvo muy poco éxito.

En 2002, Crazy Town lanza su segundo álbum, Darkhorse, producido por Howard Benson. La influencia del productor se tradujo en un sonido más rockero que en el debut. Antes de la grabación del disco, hubo un cambio de baterista: sale James Bradley Jr. y entra Kyle Hollinger. De este segundo álbum salieron dos singles: Drowning (que apenas pudo rankear en Austria, Alemania, el Reino Unido y listas secundarias de USA) y Hurt You So Bad (que no apareció en ninguna lista). El disco no pudo tener el mismo éxito de The Gift of Game y Crazy Town termina separándose en 2003. Una de las razones del quiebre es la presión de su disquera por lograr el mismo éxito de Butterfly.

Tras la separación de Crazy Town, sus integrantes toman diversos rumbos musicales. Bret Mazur formó The Pharmacy, una compañía de producción discográfica. Charles "Rust Epique" Lopez formó una banda que ahora es conocida con el nombre pre)Thing. Pero poco después de lanzar con ellos el álbum 22nd Century Lifestyle, Rust Epique (quien ya había dejado Crazy Town) falleció a los 36 años en Marzo 9 de 2004, a causa de un ataque cardíaco. Por otro lado, Seth Binzer colaboró como cantante en el single Starry Eyed Surprise del DJ Paul Oakenfold. Kraig Tyler se unió a Eric Powell para formar un proyecto paralelo, 16 Volt. Recién en 2007, Crazy Town anunció que están trabajando en un tercer disco de estudio, con los integrantes que tenían por ese entonces. El álbum, que tentativamente se llamaría Crazy Town is Back, no se ha lanzado hasta la fecha. En 2009, tocan juntos por primera vez en cinco años, en Les Deux, Hollywood, California. Ese mismo año, Agosto 28 de 2009, fallece a los 36 años Adam "DJ AM" Goldstein (quien había dejado Crazy Town por ese entonces), tras una sobredosis accidental.

Lo más reciente de Crazy Town es una canción llamada My Place, que subieron a YouTube el pasado 1 de Octubre de 2011. Por ahora, la formación consta de Epic Mazur, Shifty Shellshock (Seth Binzer), Squirrel Tyler, Kyle Hollinger, Doug Miller (a.k.a. Faydoedeelay) y Trouble Valli.

Butterfly es una canción escrita por Epic Mazur y Shifty Shellshock, sobre un sample del tema Pretty Little Ditty de Red Hot Chili Peppers (del disco Mother's Milk, 1989); y lanzada en formato CD Single. Las ubicaciones Billboard para Butterfly: #1 en el Hot 100 y en el Alternative Songs, y #21 en el Hot Mainstream Rock Tracks. Alcanzó además el #3 en el UK Singles Chart, #1 en Austria, Dinamarca, Alemania, Noruega y Suiza; y #3 en Canadá. Y la misma Billboard hizo en 2009 un ranking de los One Hit Wonders de los 2000's, en el cual Butterfly quedó en el #3.

El dato adicional de DJ Empire: Si bien Butterfly apareció en el trailer de la película Herbie a Toda Marcha (Herbie Fully Loaded, 2005), donde Lindsay Lohan conduce un Volkswagen Beetle en unas carreras de NASCAR, no salió en el mismo film ni en su soundtrack. Pero eso no quitó que el hit de Crazy Town se difundiera en las radios, aunque sólo nos quedara pegado en la memoria su famoso coro. DJ Empire trae los links a este pegadizo tema del rap-rock de los 2000's, haciendo volar mariposas con Crazy Town...

Crazy Town - Butterfly (Lyrics)

Crazy Town - Butterfly (Video)

Y bien, gente, DJ Empire se retira por este 2011, y nos vemos en el primer post del 2012. La próxima semana, DJ Candidato se encargará de cerrar el año con otra maravilla de un éxito, para el goce de quienes buscan este tipo de canciones. Hasta el próximo One Hit Wonder.

The Sugarhill Gang - Rapper´s Delight

2011-12-18T21:25:00.000-03:00

Sean todos bienvenidos a una edición muy especial de El Museo del One Hit Wonder, un modesto sitio web mantenido con mucho afecto donde queremos rescatar del olvido y poner en su merecido lugar de distinción a esos artistas que tuvieron el tiempo justo y el lugar exacto para traernos a todos esa única canción que los puso en la posteridad. Y en esta ocasión especial, cuando celebramos 200 publicaciones a lo largo de casi cuatro años de trayectoria, DJ Candidato trae ante Ustedes a unos pioneros en su género y, por qué no decirlo, en el mundo de los "one hit wonders". Desde la Costa Este de Estados Unidos, se presentan The Sugarhill Gang con su canción Rapper´s Delight.

Finales de los 70´s, Englewood, New Jersey. La productora Sylvia Robinson y su marido, Joe Robinson, fundaron Sugar Hill Records y juntaron a tres cultores del hasta entonces subterráneo arte musical del hip hop: Wonder Mike (Michael Anthony Wright, nacido el 30 de Abril de 1957), Big Bank Hank (Henry Jackson, nacido en 1956) y Master Gee...el trío fue bautizado como The Sugarhill Gang y, para su primer sencillo, tomaron un trozo de un tema de la banda Positive Force y, además, samplearon el tema del grupo Chic llamado Good Times. Así fue como nació el tema Rapper´s Delight.

Sin embargo, los problemas no estuvieron ausentes...las primeras versiones surgieron desde un estilo libre cuando, en Septiembre de 1979 y durante una presentación de Chic teloneando a The Clash en New York, comenzaron a interpretar Good Times y, en un momento, los que serían The Sugarhill Gang junto al rapero Fab Five Freddy empezaron a improvisar. Fue la génesis de esa melodía pero, como la mayoría de los raperos se negaban a grabar en disqueras, la productora Sylvia Robinson tuvo que lidiar mucho para conseguir unos músicos de sesión que ayudasen con el bajo (Chip Shearin) y la guitarra (Brian Morgan).

De todos modos, el 9 de Noviembre de 1979 se lanzó el sencillo Rapper´s Delight como adelanto del disco debut del grupo (llamado Sugarhill Gang) casi tres meses después; como la base era algo conocida y las letras de los integrantes del trío eran bastante contagiosas y prendieron, la canción fue trascendiendo las fronteras del hip hop y logró el mérito de ser la primera canción de su género en meterse dentro del Top 40 de la revista Billboard...lo que se llama ser pioneros. Pero la fama también trae problemas y dificultades en lo legal, ya que aparecieron dos integrantes de Chic para demandar a The Sugarhill Gang por violación de propiedad intelectual.

Después de tensas negociaciones y amenazas, el asunto se arregló de modo extrajudicial con un acuerdo en el cual el integrante de Chic Nile Rodgers se quedó con una buena parte de las ganancias futuras derivadas de Rapper´s Delight y, hace un par de años, el mismo Rodgers confesó que la canción era una de sus favoritas de todos los tiempos. Otra polémica no menor fue la que involucró a Big Bank Hank, cuyos versos habrían sido escritos por otro pionero del hip hop como es Grandmaster Caz pero, como jamás fue acreditado, Caz no recibió dinero alguno por su creación (algo que él ha sabido asimilar con el paso del tiempo).

En la primera mitad de los 80´s, The Sugarhill Gang lanzó dos discos más como 8th Wonder (de 1982) y Livin´in the Fast Lane (de 1984), los cuales incluyeron hits menores pero no llegaron al impacto de Rapper´s Delight. Oficialmente, la banda no se separó en esos años y lanzó algunos singles como Work, Work the Body (1985) y una remezcla de Rapper´s Delight que tuvo figuración menor en algunos ránkings. Recién en 1999 lanzaron su cuarto (y, hasta el momento) último disco de estudio llamado Jump on It! que era, básicamente, hip hop para niños; en adelante, han sido los compilados los que han dictado la pauta, siendo el más reciente el del 2010 llamado Rhythm & Rhymes: The Definitive Collection; además, colaboraron con Bob Sinclair el 2009 para Lala Song y, tras una separación de tres años (2007-2010), han vuelto a girar en circuitos más reducidos.

Rapper´s Delight fue el primer sencillo y el último corte del disco debut de The Sugarhill Gang llamado Sugarhill Gang (Sugarhill Records, 1980). Los créditos de la composición van para The Sugarhill Gang junto con Nile Rodgers y Bernard Edwards (de Chic) además de Sylvia Robinson, quien también hizo las veces de productora. Llegó a un "modesto" lugar 36° en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos pero fue Número Uno en Canadá y Top 10 en países como Austria, Alemania, Holanda, Noruega, Suecia, Suiza y el Reino Unido. La gracia es que su versión de estudio duraba casi 15 minutos, pero se hizo una versión radial de casi 5 minutos que la hizo audible a muchos.

La canción ha aparecido en películas como The Wedding Singer y en series de TV como Scrubs y One Tree Hill; además, una variedad de artistas la han utilizado en forma de cover o sampler como Beastie Boys, Jamiroquai, Ol´ Dirty Bastard, el italiano Jovanotti y el brasileño Gabriel O Pensador, quien usó el clásico beat de Rapper´s Delight para su canción 2345meia78, conocida en Chile allá por el año 1997. En rigor, el clip de esta canción es una presentación en un programa de TV de 1980...pero se ve ensalzado por la presencia de un cuerpo de baile. Para ustedes, la letra y el video de una canción que ya es leyenda...

The Sugarhill Gang - Rapper´s Delight (Lyrics)

The Sugarhill Gang - Rapper´s Delight (Video)

Y así es como, con un clásico que vale su peso en oro y que a muchos permitió descubrir y valorar el género del hip hop que supo ganarse su espacio hasta el día de hoy, celebramos las 200 ediciones que El Museo del One Hit Wonder tiene a su haber. Yo, DJ Candidato, he formado parte de una parte de este camino...pero la fundadora (y quien tiene la mayor parte del mérito) es DJ Empire quien, en una próxima edición, irá a superar la barrera de los 200 escritos con una nueva columna que seguirá acrecentando el material a exhibir en El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y, junto con agradecerles que sigan acá acompañándonos, les invito a llevar la música dentro de Ustedes. ¡Hasta una próxima vez!

The Calling - Wherever You Will Go

2011-12-10T23:55:00.000-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire en el Museo. Sigo con la década 2000's, esos diez años tan fértiles en One Hit Wonders, que hasta ahora se siguen confirmando o desmintiendo. Uno de esos viene de Estados Unidos, un país donde surgen cientos de bandas tras el éxito de otros precursores de un estilo. Y si bien esta banda pasó colada en su momento, hasta ahora se les puede seguir escuchando con este single del Post-Grunge. Con ustedes, el grupo The Calling y su hit Wherever You Will Go.

Los Angeles, California, 1996. Los amigos Alex Band (voz) y Aaron Kamin (guitarra) decidieron formar un grupo, en el momento que Aaron estaba saliendo con la hermana de Alex. Comenzaron a improvisar y escribir canciones, y salieron de gira bajo el nombre Generation Gap, con un baterista que tenía el doble de edad de ambos. En ese entonces tenían un saxofonista y desarrollaban un estilo a lo Dave Matthews Band. Tras esto, Alex y Aaron cambiaron el nombre a Next Door, y captaron la atención del ejecutivo musical Ron Fair, quien es vecino de Alex en Camino Palmero. El grupo se enfocó en componer más canciones, grabarlas en demos y enviárselas a Fair, quien, impresionado por este material, les consiguió un contrato discográfico con RCA. Por ese entonces, la banda se cambió el nombre al definitivo The Calling, y su sonido se emparentaba con otras bandas de rock-pop más radial como Matchbox Twenty, Third Eye Blind y Fastball, destacando la voz de barítono de Alex Band.

A pesar del contrato con RCA, The Calling encontró un pero: no tenían una banda estable, si bien habían construido una base de fans tras un buen tiempo de giras. Fair trabajó intensamente con Alex y Aaron para lo que sería el primer disco de The Calling, junto a músicos de sesión. Mientras la banda se desarrollaba, se unieron Sean Woolstenhulme (ex-Lifehouse, guitarra), Billy Mohler (bajo) y Nate Wood (batería) en 2001. Con esta formación re-graban algunas de las canciones que ya tenían. El disco se lanzó en 2001 bajo el nombre Camino Palmero, y se convirtió en un éxito gracias al single Wherever You Will Go. El álbum vendió más de 5 millones de copias en todo el mundo y la RIAA lo certificó con Disco de Oro en EE.UU.

En Junio de 2002, Sean Woolstenhulme deja The Calling, y su puesto lo toma Dino Meneghin. Cuatro meses más tarde, Billy Mohler y Nate Wood abandonan el grupo. En Noviembre de 2003, los ex-integrantes Wood y Mohler demandan a Alex Band, Aaron Kamin y al manager por mal manejo, fraudes y apropiación de una parte del dinero que les correspondía a los demandantes. Wood y Mohler alegaron que se les había prometido compartir con el grupo las regalías que obtuvieron de las giras y el merchandising en 2001-2002. En su defensa, Band y Kamin argumentaron que Wood y Mohler, si bien estaban contratados como músicos, no tenían derecho a regalías.

En 2004, la banda volvió con un nuevo disco, Two, llamado así en alusión al estrecho compañerismo entre Band y Kamin, lo cual corrobora que son los únicos integrantes estables de The Calling. Se hicieron acompañar de una banda formada por músicos sólo para las giras, con la cual hicieron conciertos por casi todo 2004. Sin embargo, Two tuvo ventas muy pobres comparado con su predecesor. En 2005, tras intensas giras, la banda se toma un receso indefinido hasta ahora, debido a que Alex y Aaron iban en direcciones distintas. Pese a esto, desde 2008 Alex ha tocado muy a lo lejos con otros músicos, siendo erróneamente llamados The Calling.

Wherever You Will Go es una canción incluida en el disco Camino Palmero de 2001, escrita por Alex Band y Aaron Kamin y producida por Marc Tanner. Ha aparecido en varias películas y series. Por mencionar una: Love Actually (2003), donde se ve la silueta de Colin Frissell (Kris Marshall) en la ventana junto a tres chicas (una de ellas es Elisha Cuthbert) en la cama, tras conocerlas en un bar. Las ubicaciones Billboard fueron: #5 en el Hot 100, #14 en el Modern Rock Tracks, #37 en el Mainstream Rock Tracks y #1 en el Hot Adult Top 40 Tracks. Además consiguió el #1 en Italia y Nueva Zelanda, y el #3 en el Reino Unido. Y la misma Billboard hizo el ranking de las Canciones de Pop Adulto de la Década, donde Wherever You Will Go quedó en el #1.

Una cosa: Si ven este video, probablemente la impresión al ver a Alex Band sea distinta de cómo se lo habían imaginado al escuchar su voz. A quien les escribe, DJ Empire, le pasó esto, que escuchó esta voz de barítono y no la puede asociar bien con la cara del cantante. En fin, un poco de Post-Grunge de la primera década de los 2000's para refrescar el Museo. DJ Empire trae los links a letras y video para este hit de The Calling...

The Calling - Wherever You Will Go (Lyrics)

The Calling - Wherever You Will Go (Video)

Y bien, éste es el post número 199. La próxima semana, DJ Candidato abre el post número 200, donde les tendrá algún artista estelar que tuvo ese único hit para la posteridad. DJ Empire vuelve en dos semanas con otra novedad para esta gran biblioteca musical. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Oran "Juice" Jones - The Rain

2011-12-04T22:40:00.001-03:00

Saludos a todos y bienvenidos, una vez más, a El Museo del One Hit Wonder; el lugar donde las canciones que fueron la tabla de salvación o el único paso a la fama de uno o varios artistas tienen su espacio en exhibición permanente. Soy DJ Candidato y, esta semana, pese a que por este lado del Mundo estamos acercándonos al Verano, el título de la canción habla de una condición climática diametralmente opuesta...pero ese no es el tema principal de la melodía. Desde los terrenos de la música afro-americana, presentamos a Oran "Juice" Jones con el tema The Rain.

Oran Jones nació en el año 1959 en Houston, Texas (Estados Unidos), pero se crió mayormente en el barrio de Harlem en la ciudad de New York. En sus primeros años estaba bastante alejado de estar involucrado en el mundo de la música: graduado a los 22 años de la Academia Naval de Estados Unidos, fue el segundo afro-americano en la historia en ocupar el puesto de Comandante de Brigada. Tras ello, siguió sirviendo en en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos como Oficial de Infantería hasta su retiro voluntario en el año 1986.

Tras ello, el famoso sello de hip-hop Def Jam creó una subsidiaria llamada OBR Records que buscaba artistas más orientados al sonido del Rhythm & Blues; Jones fue el primer fichado en esa casa discográfica y, el mismo año 1986, apareció con su disco titulado Juice el cual tuvo un éxito regular en los charts...pero una de las canciones incluidas allí, The Rain, fue un suceso tal que no tardó mucho en trepar en los ránkings y obtener el Disco de Oro como single. ¿La temática? Un hombre encontraba a su novia con otro, engañándola bajo la lluvia...pero distinto a otras canciones de desamor, esta vez la confronta.

El éxito impulsó a OBR Records a grabar, en 1987, un nuevo disco de Jones titulado GTO: Gangsters Takin´ Over y que incluía un dueto con su compañera de sello Alyson Williams titulado How to Love Again; sin embargo, no fue un suceso comercial, en parte, por un asunto personal que afectaba a Oran...su madre padecía una enfermedad terminal y se vio en la disyuntiva de seguir con su carrera musical o estar al lado de su progenitora. Siguió intentándolo al grabar en 1989 su tercera placa, llamada To Be Inmortal...pero no repuntó en las ventas y decidió dejar su carrera musical para estar al lado de su madre.

Oran "Juice" Jones (a quien no pocos llaman "Orange Juice" Jones) optó por la vida familiar y crío a sus hijos, al mismo tiempo que les aportaba con sus conocimientos musicales; así fue como Oran II (también conocido como Mookie) y Perri fueron alentados en sus carreras dentro de la música. Aunque, en 1997, Jones volvió a grabar un nuevo registro (con el sello Tommy Boy) llamado Player´s Call; tras ello, siguió ligado en la trastienda de la industria musical colaborando tanto en la producción de música para comerciales y películas independientes además de colaborar con Blogs de hip hop como Global Grind y Justflippin.com.

The Rain fue el primer sencillo del disco debut de Oran "Juice" Jones titulado Juice (OBR Records/Def Jam, 1986). Fue escrita por Vincent Bell y producida por el mismo Bell junto a Russell Simmons. Alcanzó el noveno lugar en el Billboard Hot 100 de los Estados Unidos y el cuarto puesto en los charts del Reino Unido; incluso, fue nominado a dos Grammy Awards aunque no ganó ninguno de ellos. Eso sí, pocos saben que esa canción detonó una respuesta (como era usual en los ámbitos del hip hop) de Miss Thang llamada Thunder & Lightning.

Hace unos años, la voz de Oran "Juice" Jones comenzó a aparecer de nuevo cuando, en el 2005, la artista de jazz Ledisi lanzó una placa titulada Def Jazz e incluyó su propia versión de The Rain. El video original, que verán a continuación, refleja claramente la historia narrada casi sin necesidad de saber inglés...aunque, de todos modos, en los enlaces a continuación también estarán las letras disponibles para quienes quieran ir al detalle.

Oran "Juice" Jones - The Rain (Lyrics)

Oran "Juice" Jones - The Rain (Video)

Y acercándonos a las 200 ediciones en El Museo del One Hit Wonder, paso a despedirme de Ustedes invitándoles cordialmente a que dejen sus comentarios en las canciones que aquí han sido puestas por casi cuatro años y donde, de seguro, más de alguna les traerá recuerdos o se asombrarán con las historias detrás de sus intérpretes. Para la próxima edición, será DJ Empire quien ocupe los encabezados para llevarnos por otras épocas y otros estilos, pero siempre con el principio básico de rescatar a los "one hit wonders". Soy DJ Candidato y recuerden llevar siempre la música con Ustedes. ¡Hasta una próxima ocasión!

+44 - When Your Heart Stops Beating

2011-11-26T23:46:00.001-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire en el Museo. Por ahora, dejo por un tiempo la tiendita noventera para pasar a un proyecto de los 2000's. Sabemos bien quiénes son Blink-182, el trío de punk-pop estadounidense. En el intertanto de su separación, el vocalista Tom DeLonge formó el proyecto Angels & Airwaves, alejándose de la sonoridad de la banda madre. Los otros dos formaron una banda que sonaba muy fiel a Blink-182, con un hit que hasta ahora ha sido el único. Con ustedes, el grupo +44 y su hit When Your Heart Stops Beating.

Corría Enero de 2005 y Blink-182 anunció su receso indefinido. Sólo tres meses después, el baterista Travis Barker y el bajista Mark Hoppus anunciaron que se embarcarían en un nuevo proyecto. Se llamó +44 (léase Plus Forty-Four) por ser el código de discado directo internacional para el Reino Unido, país donde Barker y Hoppus discutieron acerca del proyecto. Para el baterista, no era la primera vez que estaba en un proyecto fuera de Blink-182: durante 2002-2003, ya había formado Box Car Racer junto al vocalista Tom DeLonge. Volviendo a +44, Barker y Hoppus inicialmente consideraban elementos que no estaban presentes en la música de su banda madre, como baterías electrónicas, samples, teclados y grabaciones de computador. Completó este grupo la guitarrista-cantante Carol Heller (del grupo Get the Girl), con quien grabaron unas canciones tras la audición. A comienzos de 2006 Carol deja el grupo y su lugar lo toma Shane Gallagher (de la banda The Nervous Return). Y ese mismo año, van en busca de otra segunda voz, puesto que terminó ocupando Craig Fairbaugh (del grupo Mercy Killers), quien además toca guitarra rítmica.

El primer single que +44 lanzó fue Lycanthrope, por medio de su website, en 2006, aunque algunos fans ya habían escuchado No, It Isn't. Sus dos primeros shows fueron muy importantes para la banda: el primero fue en The Roxy Theatre en Hollywood; el segundo fue en el London Astoria. Poco después, Noviembre 14 de 2006, el grupo publicó When Your Heart Stops Beating, primer single del disco que lleva ese mismo nombre (bajo etiqueta Interscope Records), lanzado el día anterior. La canción logró lo que las otras del disco no pudieron: rankearse en las listas. Pero no todo podía sonar de maravillas para +44, porque Travis Barker se lesionó su brazo mientras grababan el video de ese hit. El puesto de baterista lo ocupó Gil Sharone durante el tour europeo y australiano, mientras Barker estaba en recuperación.

Además de material propio, +44 hizo varios covers. Para un tributo a The Smashing Pumpkins en MySpace, versionaron I Am One, del álbum debut Gish (1991). También participaron en el iTunes Foreign Exchange, donde hicieron un cover de los alemanes Wir sind Helden, Guten Tag, en traducción inglesa. La banda alemana, en ese mismo evento, les devolvió la mano con el cover germano-parlante de When Your Heart Stops Beating, titulado Wenn Dein Herz zu Schlagen Aufhört. Y también recurrieron a las canciones de Blink-182, cuando tocaron Dammit, The Rock Show y What's My Age Again? en el Honda Civic Tour, donde +44 actuó junto a Fall Out Boy, The Academy Is... y Cobra Starship (con cuya vocalista, Victoria Asher, tocaron Make You Smile de Blink). Durante este tour, +44 grabó el video de su siguiente single, 155.

En 2007 crecía la expectación ante un segundo disco de +44. Travis Barker había dicho en Metromix que estaban muy proactivos después que él terminó su grabación y Mark Hoppus había finalizado la producción de dos grabaciones de ese año. Pero un accidente remeció a los fans de Blink-182 y de +44: En Septiembre de 2008, Travis Barker y su amigo Adam Goldstein (mejor conocido como DJ AM) sufrieron un accidente en un Learjet 60 en Carolina del Sur. Travis y DJ AM fueron los únicos sobrevivientes, mientras los otros dos pasajeros y los dos tripulantes fallecieron. El baterista entró en rehabilitación por sus quemaduras de segundo y tercer grado. Pero el amigo de Travis, DJ AM, falleció a los 36 años en 2009, por una intoxicación aguda causada por medicamentos.

¿Y qué ha pasado con +44? Mark Hoppus declaró a Alternative Press que no descartaba un próximo trabajo de este proyecto, y que le parecía extraordinario trabajar con los guitarristas Shane Gallagher y Craig Fairbaugh. Pero sus esfuerzos están ahora con la reunión de Blink-182, que se anunció desde 2009. A pesar de esto, lo más nuevo es la reedición de When Your Heart Stops Beating como single en vinilo, este 2011.

When Your Heart Stops Beating es una canción que da nombre al único disco de +44, tocado por primera vez en la radio KROQ en Septiembre 17 de 2006. De todos los singles del álbum When Your Heart Stops Beating, fue el único que salió en los rankings. Las ubicaciones Billboard para este hit de +44: #89 en el Billboard Hot 100, #14 en el Modern Rock Tracks y #78 en el Pop 100. Además rankeó #47 en Irlanda, en el Reino Unido y en Australia, y #74 en Austria. El video de este hit fue dirigido por Liz Friedlander, y acá vemos a los +44 tocando en una casa abandonada, con hordas de gente bailando.

Por estos días, el hit de +44 ha tenido buena rotación en la radio Sonar FM, aunque lo más probable es que una buena parte de los/as auditores/as de la 105.7 la hayan confundido con otra más de Blink-182. ¿Quieren comprobar por sí solos/as? DJ Empire trae los links a letras y video de When Your Heart Stops Beating, el único esfuerzo exitoso de Mark Hoppus y Travis Barker fuera de Blink-182. Con ustedes, +44...

+44 - When Your Heart Stops Beating (Lyrics)

+44 - When Your Heart Stops Beating (Video)

Y bien, gente, ha sido el breve paso de un proyecto paralelo que brilló con algo que no decepcionaría a los fans de Blink-182, por su beat de incansable punk-pop, el elegido por DJ Empire como último hit de Noviembre. La próxima semana, DJ Candidato abre Diciembre con otro artista venido de One Hit Wonderlandia, para mostrarles que han hecho y en qué están ahora. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Tommy Tutone - 867-5309/Jenny

2011-11-13T22:20:00.000-03:00

Hola, mucho gusto en saludarles y darles la bienvenida a El Museo del One Hit Wonder, el lugar donde esas canciones de antaño que marcaron la carrera de un artista para toda la vida son rescatadas de su olvido inmerecido. Soy DJ Candidato y, en esta oportunidad, traigo ante Ustedes una melodía cuyo título es bastante singular y que, de modo indirecto, quizás trajo problemas a más de alguien en esos años por la coincidencia de involucrar un número telefónico y un nombre de mujer. Desde la soleada California, es el grupo Tommy Tutone con su canción 867-5309/Jenny.

En 1978, el vocalista Tommy Heath (ocasionalmente guitarrista y tecladista) junto al guitarrista Jim Keller (quien también hacía voces de apoyo) fundaron la banda que, en estricto rigor, se llamaba Tommy and the Tu-tones pero que, por cuestiones de uso, derivó en Tommy Tutone. En los años posteriores, el grupo tuvo una serie de cambios. Terry Nails fue el bajista original, pero más tarde fue reemplazado por Jon Lyons y, más tarde, pasaron por ese puesto Greg Sutton, Pete Costello, Jimmy James y Mona Gnader. En la batería, Mickey Shine dejó sus baquetas a Victor Carberry, quien las pasó a Jerry Angel (con un interinato de Joe Lamond y una pasada de John Coswill).

Para 1981, la formación estable era con Tommy Heath (vocalista principal, guitarra rítmica y piano), Jim Keller (guitarra principal y coros), Jon Lyons en bajo y Victor Carberry en batería. Ya habían lanzado un disco debut el año anterior en Columbia Records titulado Tommy Tutone y, con el cual, consiguieron un éxito menor con la canción Angel Say No. Establecidos en la ciudad californiana de Willits, en 1981 lanzaron su segundo álbum llamado, originalmente, Tommy Tutone 2. Allí venía una canción llamada 867-5309/Jenny que hacía referencia al número que una chica le había pasado a un muchacho.

La canción se volvió un hit tremendo y fue usada por muchos universitarios para realizar pitanzas a quien fuera el infortunado propietario de esos siete dígitos en su aparato telefónico. Y como dijo Tommy Heath, "teníamos gente amenazando con demandarnos; de hecho, era el número de la hija del Jefe de Policía de la ciudad de Buffalo, New York". La canción llegó a buenas posiciones en los charts de Estados Unidos, Canadá y Nueva Zelandia, entre otros países. Estaba el camino pavimentado para el éxito ascendente...y eso se pensaba cuando, en 1983, la banda lanza el disco National Emotion.

Pero las ventas fueron un fracaso comercial y el sencillo Get Around Girl ni siquiera llegó a los ránkings...como consecuencia, Columbia Records los despidió y el grupo se separó. Tommy Heath intentó seguir en la música lanzando en 1984 un disco titulado Nervous Love, pero que tuvo una repercusión mínima. Entendido el mensaje, Heath optó por la vida de un regular mortal y se volvió un analista de computación en Cornerstone Revolutions, una empresa nueva con residencia en la ciudad de Portland, Oregon (aunque él seguía con hogar en California).

A mediados de los 90´s, Nervous Love se relanzó por Appaloosa Records como parte de la discografía de Tommy Tutone y, en 1998, Secret Disc Records comercializó la placa Tutone.rtf; y aunque los resultados siguieron siendo discretos, un sentimiento de nostalgia empujó a Heath a reformar la banda ya sin Jim Keller (quien ocupa un alto cargo ejecutivo en una agencia de publicidad relacionada con música). Desde el 2001, junto a Heath están Jimmy James en bajo, Greg Georgeson en guitarra y Andy Gauthier en batería, contando con la ocasional colaboración de otro ex miembro como Pete Costello.

867-5309/Jenny fue el primer surco y primer corte de la producción de Tommy Tutone llamada Tommy Tutone 2 (Columbia Records, 1981). Fue escrita por Jim Keller y Alex Call mientras que la producción estuvo a cargo de Chuck Plotkin y Geoff Workman. Alcanzó el 4° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos (1° en el Mainstream Rock Tracks) y 2° en Canadá, aparte de un muy digno 32° puesto en Nueva Zelandia; y además, el disco tuvo categoría de Oro por ventas en Estados Unidos.

Aparte de ser una canción versionada por artistas de la talla de Foo Fighters, Mötley Crüe, Green Day y Goo Goo Dolls y aparecer como referencia en algunos videojuegos y en series de TV como Padre de Familia y Greek, el número en cuestión generó varias polémicas en diferentes zonas de Estados Unidos ya fuese porque era un número fácil de recordar (y disputado por empresas) o, caso contrario, por el volumen de llamadas recibidas que lo hacían molesto: para destacar el caso de Spencer Potter, un DJ de Weehawken, New Jersey, quien subastó el número por eBay aunque, al no poder comprobar la identidad de los oferentes, optó por venderlo de modo privado al Retro Fitness de Secaucus, New Jersey.

Les dejo, entonces, con una versión en vivo datada de 1983 en el programa Friday´s donde ya habían cambios respecto de la formación que grabó la canción (Heath, Keller, Lyons y Carberry); Greg Sutton estaba en bajo, Jerry Angel en percusión y se sumaba Steve LeGassick en teclados. Vamos, entonces, con esta Jenny y su número tan pegadizo...

Tommy Tutone - 867-5309/Jenny (Lyrics)

Tommy Tutone - 867-5309/Jenny (Video)

Y esta es la entrega correspondiente a esta semana en El Museo del One Hit Wonder esperando, ciertamente, que sea de vuestro agrado. No olviden que pueden realizar sugerencias que serán consideradas y que los comentarios u apuntes que pudieran hacer serán más que bienvenidos. La próxima semana, vuelve la dueña de este lugar de conservación musical, DJ Empire, quien nos transportará en el tiempo y en el espacio para mostrarnos otra canción que merece el reconocimiento por haber dejado su huella. Gracias por venir a visitar El Museo del One Hit Wonder y les esperamos con las puertas abiertas...DJ Candidato les dice que lleven la música dentro de Ustedes. ¡Hasta la próxima!

Marcy Playground - Sex and Candy

2011-11-05T23:55:00.000-03:00

Qué tal estimados/as! Soy DJ Empire y traigo una canción de la tienda noventera al Museo. Debo reconocer que antes no conocía el single que presentamos acá, pero después de ver Las 100 Más Grandiosas Canciones de los 90's en VH1, busqué sobre éste y me convenció que debía estar aquí. Una banda estilo college estadounidense, que fue un hit con esta canción que habla de dos cosas que a muchos/as les gustan: los dulces y el sexo. DJ Empire presenta al grupo Marcy Playground con su hit Sex and Candy.

A comienzos de los noventas, el cantante-guitarrista John Wozniak grabó y produjo su primer material, Zog BogBean - From the Marcy Playground, en su habitación-estudio, con ayuda de su novia de ese entonces, Sherry Fraser, y de su hermano Scott Wozniak. El nombre viene del Marcy Open en Minneapolis, una escuela alternativa a la que John asistía, y eligió esa denominación porque muchas de sus canciones se inspiraron en su infancia. Lanzó un pequeño número de CDs del Zog BogBean, a estas alturas extremadamente difícil de hallar, y dos canciones, Our Generation y Dog and his Master, aparecerían en el primer disco de Marcy Playground. Tras asistir al Evergreen State College por dos años, Wozniak se mudó al este de New York, para trabajar con el multi-instrumentista Jared Kotler, con quien graba unas canciones. Tras escuchar ese material, Capitol Records se interesó en éste, y un amigo en común de Wozniak y Jared, Kurt Rosenwinkel, les presentó al bajista Dylan Keefe. Con esta formación, incluyendo a Jared Kotler como baterista, Marcy Playground tocó en NYC, en lo que sería su primera encarnación como grupo.

Unos problemas entre Wozniak y Jared precipitaron la salida de este último, y fue reemplazado por Dan Rieser. Lanzaron el disco homónimo en 1997 (bajo sello Capitol Records), producido por el mismo John Wozniak. En este álbum, una de sus canciones se convirtió en un hit: Sex and Candy, y además hizo que la producción se rankeara en el #21 del Billboard 200, #16 en el Canadian Albums Chart y #61 en el Canadian Albums Chart. El disco debut de Marcy Playground tuvo dos singles más, Saint Joe in the School Bus y Sherri Fraser, y terminó recibiendo el Disco de Platino. Tras este éxito, el grupo lanzó su segundo álbum, Shapeshifter, en 1999. Luego de promocionar dos singles, It's Saturday y Bye Bye, se va el baterista Dan Rieser del grupo. Su puesto lo ocupa Gonzalo Martínez de la Cotera, quien tocaba en la banda Lincoln, la cual abría los shows de Marcy Playground.

Tras un receso considerable, Marcy Playground lanzó finalmente su álbum MP3 en 2004. Promocionaron el disco con una gira y algunos singles, como Deadly Handsome Man y Punk Rock Superstar. En 2009 sale el cuarto disco, Leaving Wonderland... in a Fit of Rage. Éste, en su comienzo, fue concebido como un trabajo solista de John Wozniak, pero luego él invitó a Dylan Keefe a formar parte de la grabación y se lanzó el álbum bajo el nombre del grupo. Y lo más reciente de Marcy Playground es Indaba Remixes from Wonderland, lanzado el 2010, una colección de remezclas del Leaving Wonderland hechas exclusivamente por fanáticos y subidas a Indaba Music. Los fans recibieron regalías de las ventas del disco.

Mientras Marcy Playground promocionaba el álbum, el baterista Gonzalo Martínez de la Cotera deja el grupo, y su lugar lo toma un amigo, Shlomi Lavie. Con esta formación siguen hasta la fecha.

Sex and Candy es una canción del disco Marcy Playground, escrita por John Wozniak, producida por Jared Kotler, Jim Sabella y Kenny Gioia; y lanzada como single en formato CD. En la grabación, Wozniak canta y toca la guitarra, mientras que Kotler toca bajo y batería. En el Billboard Modern Rock Tracks, Sex and Candy tuvo el mérito de permanecer 15 semanas en el #1, superando a Wonderwall de Oasis (que pasó 10 semanas en el #1). Otras ubicaciones Billboard para el hit de Marcy Playground son #8 en el Hot 100, #1 en el Alternative Songs, #4 en el Mainstream Rock Tracks, #3 en el Pop Songs y #4 en el Adult Pop Songs, haciendo que sea el único tema de Marcy Playground en rankearse. Y además, VH1 rankeó Sex and Candy en el #73 de Las 100 Más Grandiosas Canciones de los 90's.

Probablemente no les suene este grupo que acabamos de reseñar, quizás por la casi nula difusión en radios chilenas. Pero el hecho de ser el único hit que brilló de esta banda estilo college es mérito suficiente para que tengan su espacio en este Museo. DJ Empire les trae los links a letras y video de Sex and Candy, para que conozcan la simpleza noventera estadounidense por Marcy Playground. Suena a sexo y dulces, ahora mismo...

Marcy Playground - Sex and Candy (Lyrics)

Marcy Playground - Sex and Candy (Video)

Y bien, gente, así empezamos este Noviembre en el Museo, con un recuerdo noventero digno de presentarse. La próxima semana, DJ Candidato irá nuevamente a One Hit Wonderlandia para traerles otra canción a este espacio que dirige, para todos/as ustedes, este par de DJs. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Musical Youth - Pass the Dutchie

2011-10-29T16:30:00.000-03:00

Hola, ¿qué tal? Sean todos bienvenidos a una nueva entrega en El Museo del One Hit Wonder, donde ponemos en su justo y merecido lugar dentro de la historia a esos artistas que fueron tan talentosos que condensaron todos sus recursos en una sola canción que les hizo pasar al olimpo de la música. Soy DJ Candidato y, para esta semana, les traigo algo que no parecería tan extraño en estos días pero que, en los tiempos de los protagonistas de esta reseña, era toda una rareza. Desde Inglaterra, la banda de reggae Musical Youth y su canción Pass the Dutchie.

Cuando en Inglaterra estaba la transición del Punk al New Wave y grupos como The Police hacían cierto coqueteo con el Reggae (pero desde el punto de vista de los "blancos"), en el Duddeston Manor School de Birmingham se formó en 1979 el grupo Musical Youth. Básicamente, eran dos pares de hermanos: los Grant (Michael, nacido el 7 de Enero de 1969; y Kelvin, nacido el 9 de Julio de 1971) y los Waite (Patrick, nacido el 16 de Mayo de 1968; y Freddie o "Junior", nacido el 23 de Mayo de 1967). A todos ellos, se sumó Frederick Waite (padre de Patrick y "Junior"), quien había estado en el grupo The Techniques.

Como se puede apreciar, la edad de la mayoría de los integrantes de Musical Youth iba de los 8 a los 12 años...y sería de todos porque, a poco andar, Frederick Waite decide dar un paso al costado como vocalista del grupo y deja su lugar a Dennis Seaton (nacido el 2 de Marzo de 1967), quien también hace las veces de percusionista. Todos cantaban, aunque Dennis llevaba la batuta en las voces: Michael estaba a cargo del teclado, Kelvin en la guitarra, Patrick en el bajo y "Junior" en la batería. Comenzaron su carrera tocando en pubs de Birmingham y grabando un sencillo para una disquera local; fue una aparición en el programa vespertino de John Peel en BBC Radio 1 lo que les llevó a ser fichados por MCA Records.

Recién en Octubre de 1982 lanzaron el que sería su disco debut, titulado The Youth of Today y que tenía como single de apertura una canción titulada Pass the Dutchie. ¿Y qué diablos es el "dutchie"? Es una palabra en jerga para referirse a determinado tipo de pote que se usa para cocinar en un horno...pero la verdad más completa era otra ya que la canción, en estricto rigor, era una adaptación de un éxito del trío jamaiquino Mighty Diamonds llamado Pass The Koutchie; y el "koutchie" era una especie de pipa para fumar marihuana. Se entiende, entonces, que era algo inconveniente que menores de edad aparecieran haciendo una apología del consumo de drogas; así es que ajustaron el título y las letras.

Como fuese, la canción fue un suceso en ambos lados del Atlántico y trepó muy alto en los charts del Reino Unido y de Estados Unidos. Su videoclip era bien sencillo, con una toma de la banda en el Río Támesis y con el Palacio de Westminster de fondo; pero la alta demanda por la canción hizo que fuesen uno de los primeros artistas (sino los primeros) de raza negra en ser rotados por la naciente cadena MTV). Para aprovechar el envión, en 1983 lanzaron su segunda placa bajo el nombre de Different Style! y que, aunque comenzó bastante bien en los charts británicos, de a poco se fue desinflando. Ni siquiera la nominación, en 1984, a un Grammy por Mejor Nuevo Artista (premio ganado por Culture Club) pudo detener la caída; mucho menos, el single Unconditional Love que grabaron con Donna Summer.

En Junio de 1985, el vocalista Dennis Seaton abandonó a Musical Youth para iniciar una carrera en solitario que recién en 1989 daría frutos con un álbum llamado Imagine That (que tuvo a Stevie Wonder escribiendo canciones) y un grupo de corta existencia llamado XMY; fracasando en aquéllo, Seaton se dedicó a manejar vehículos y en la industria de arriendo de autos además de obtener un grado académico en música. Por su parte, Michael y Kelvin Grant siguieron vinculados a la industria musical. En 1993, la banda estaba haciendo planes para volver a juntarse, salir de gira y, eventualmente, grabar discos. Pero un triste suceso alteró los planes.

El 18 de Junio de 1993, Patrick Waite comparecía ante una Corte de Justicia en Birmingham bajo cargos por consumo de drogas; mientras esperaba su turno para la audiencia, le sobrevino un paro cardíaco a causa de una condición hereditaria y falleció en el lugar a la edad de 24 años. El quinteto, como tal, jamás volvería a reunirse y Patrick fue sepultado en el Cementerio de Brandwood End. Para el 2001, los sobrevivientes de Musical Youth lo intentaron de nuevo...pero, cuando estaban ultimando detalles para el tour Here & Now junto a otras figuras de los 80´s, sobrevinieron los atentados del 11-S en Estados Unidos y se canceló la gira.

Con "Junior" Waite fuera de la música por trastornos nerviosos y Kelvin Grant con problemas sicológicos, el remanente de Musical Youth compuesto por Michael Grant y Dennis Seaton decidió volver a intentarlo y, aunque con giras menores dentro del circuito de la nostalgia en Inglaterra y Europa, Musical Youth ha vuelto a los escenarios aunque sin grabar un disco de modo oficial (han salido tres compilados, el último en 2004), limitándose a sencillos como Pretty Woman, de 2004 e interpretado en conjunto con Pato Banton, músico de reggae y habitual colaborador de otros artistas.

Pass the Dutchie fue el primer sencillo y primer track del disco debut de Musical Youth llamado The Youth of Today (MCA Records, 1982). Fue escrita por Leroy Sibbles y Jackie Mittoo y estuvo bajo la producción de Peter Collins. Alcanzó el tope de las listas en el Reino Unido y llegó al 10° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos (8° en el chart de R&B), además de ser éxito en países como Noruega (donde fue Top 5). El videoclip (el único en toda la carrera del grupo) fue dirigido por Don Letts.

La canción y su letra, sobre todo el coro "pass the dutchie ´pon the left hand side", han sido referencia para canciones de artistas como Beck, Public Enemy, Ice Cube y The Black Eyed Peas (incluso, los Kumbia Kings hicieron una versión en el 2004); además, citada en películas como Scary Movie y Scooby Doo y series de TV como The Simpsons, sin olvidar que aparece en la banda de sonido de la película The Wedding Singer. Bueno...para que pasen el pote, el cigarrillo o lo que sea a la izquierda, DJ Candidato les trae la letra y la música de Pass the Dutchie...

Musical Youth - Pass the Dutchie (Lyrics)

Musical Youth - Pass the Dutchie (Video)

Una buena canción para disfrutar con mucho relajo de este fin de semana largo (al menos, en tierras chilenas). Es así como DJ Candidato se despide hasta una próxima ocasión, cuando otra melodía venida desde tiempo atrás (sean 5 ó 45 años) tenga su espacio para ser destacada como la obra cumbre en la carrera de un solista o de un grupo. Será DJ Empire quien, en una próxima ocasión, me suceda tomando el testimonio de traer ante ustedes una nueva historia. Por cierto que todos los comentarios y sugerencias que pudieran hacer a este lugar de melómanos son más que bienvenidos. Disfruten El Museo del One Hit Wonder y no olviden llevar la música dentro de Ustedes. ¡Hasta pronto!

Londonbeat - I've Been Thinking About You

2011-10-22T22:49:00.000-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire con una nueva en el Museo. De seguro que muchos/as de ustedes alcanzaron a conocer el Eurodance, esa corriente pop noventera que se basaba en ritmos bailables procedentes del Viejo Continente, con una estructura muy definida que sólo varía en los adornos que quieran ponerle. Y además de ser Eurodance, esta banda de la semana es una boy-band, mucho antes que Backstreet Boys, Westlife, Take That y todos ellos hicieran furor. DJ Empire les trae al grupo Londonbeat con su hit I've Been Thinking About You.

La carrera de Londonbeat partió en Holanda, en 1988, y su primera formación consta de los estadounidenses Jimmy Helms y George Chandler, el trinitario Jimmy Chambers y el británico William Henshall (conocido también como Willy M). Además de ellos, cuentan con Charles Pierre, quien es productor y compositor tras las canciones de estos chicos. Lanzaron su primer disco ese mismo año, llamado Speak (bajo etiqueta Anxious Records), que incluía dos singles que fueron exitosos en su país natal: There's a Beat Going On y 9 A.M. (The Comfort Zone). Al año siguiente, 1989, lanzan dos singles más, Falling in Love Again e It Takes Two Baby. Pero además, había un demo que circuló en cassettes, que incluía una canción que originalmente estaba prevista para aparecer en Speak: I've Been Thinking About You. Mientras promocionaban el disco debut, el demo pasó por varias discográficas, pero se le dio tiempo para que apareciera en el álbum siguiente. Finalmente, apareció esta canción en el disco In the Blood de 1990, se convirtió en un hit y elevó al disco al #21 del Billboard 200 y al #34 del Reino Unido. Este álbum logró tener cuatro singles tras el éxito de I've Been Thinking About You.

Tras el éxito de In the Blood y de I've Been Thinking About You, Londonbeat lanzó en 1993 su tercer disco, Harmony. Éste resultó ser menos exitoso que el anterior, aunque logró tener dos hits menores en el Reino Unido, You Bring on the Sun (#32) y That's How I Feel About You (#69). Un año más tarde lanzan un disco titulado simplemente Londonbeat. En 1995 entran a la competencia británica para el Festival Eurovisión de ese año, con la canción I'm Just a Puppet on a... (String!), pero no lograron quedar seleccionados para el concurso principal (perdieron ante los raperos Love City Groove). Pese a esto, la canción rankeó #55 en el UK Singles Chart. Antes de cerrar la década, George Chandler y William Henshall dejan el grupo.

La nueva década y milenio empezó para Londonbeat con nueva formación: Jimmy Helms, Jimmy Chambers, Myles Kayne y Marc Goldschmitz. Su disco de regreso fue Back in the Hi-Life, de 2003. Este álbum incluyó re-versiones de I've Been Thinking About You (en este link, la re-versión junto a la cantante-modelo alemana Damae) y A Better Love, además de nuevas canciones, como Where Are U. En 2004, Marc Goldschmitz deja Londonbeat, y actualmente vive en Berlín, donde toca guitarra en el grupo Leash. Y lo más reciente de esta boy-band es la aparición en dos canciones del disco The Crossing (2011) del pianista brasileño Eumir Deodato, la que da nombre al álbum y No Getting Over You.

I've Been Thinking About You es una canción escrita por los cuatro integrantes de Londonbeat (Chambers, Helms, Henshall y Chandler), producida por Martyn Phillips y lanzada en formatos CD Single, CD Maxi, 7" Single, 12" Maxi y Cassette. Las posiciones Billboard para este hit fueron: #1 en el Hot 100, #1 en el Hot Dance Club Play y #7 en el Adult Contemporary. Otros #1 los consiguió este hit en Australia, Austria, Canadá, Holanda, Alemania, Italia, España, Suecia, Suiza y el Eurochart Hot 100. En el UK Singles Chart llegó al #2.

Hace algún tiempo, en mi Casa Matriz, comenté que esta canción me sonaba a cuatro segundas voces, donde no parece destacar una por sobre la otra. ¿Qué creen ustedes? En todo caso, en las Boy-Bands solía darse mucho esa caracterización, donde las voces en coro suenan casi homogéneas, salvo excepciones (¿o no, fans de los Backstreet Boys?). En fin, DJ Empire les deja con los links a las letras y video del hit de Londonbeat, y recoge el carnet a quienes andan con la nostalgia noventera...

Londonbeat - I've Been Thinking About You (Lyrics)

Londonbeat - I've Been Thinking About You (Video)

Y es así como DJ Empire se esmeró en traer una boy-band noventera que se quedó relegada al único hit, a la sombra de las otras bandas de chicos que cantan y bailan. La próxima semana, DJ Candidato trae otra maravilla que sacó ese único éxito, muchas veces por razones ajenas a su voluntad. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Quarterflash - Harden My Heart

2011-10-08T23:55:00.000-03:00

Una vez más, bienvenidos a El Museo del One Hit Wonder: el lugar donde las canciones de diferentes estilos y épocas se unen bajo el denominador común que es ser el único éxito recordable en la carrera de un artista y que traspasa la huella del tiempo. Soy vuestro anfitrión, DJ Candidato, que para esta ocasión les trae una canción que hasta el día de hoy sigue sonando en todo el mundo y que, además, para muchas personas les representó bastante en una etapa de sus vidas vinculada con las relaciones de pareja. Proveniente de Estados Unidos, presentamos al grupo Quarterflash con el tema Harden My Heart.

En el amanecer de la década de los 80´s en Portland, Oregon (Estados Unidos), dos bandas de la zona se fusionan...o más bien, los integrantes de Pilot pasan a formar parte de Seafood Mama. Ellos eran la vocalista y saxofonista Rindy Ross, los guitarristas Marv Ross (esposo de Rindy) y Jack Charles, el bajista Rich Gooch, el percusionista Brian David Willis y el tecladista y encargado de los sintetizadores Rick DiGiallonardo. Bajo el nombre de Seafood Mama graban el sencillo Harden My Heart a comienzos de 1980 para el sello local Whitefire Records.

La canción fue un gran éxito en las radios locales de Portland llegando, incluso, a tener una presentación especial de una hora en la televisora KOIN el 5 de Junio de 1980. Así y todo, decidieron cambiarse el nombre a Quarterflash, que era una expresión australiana despectiva hacia los inmigrantes que los Ross encontraron en un libro en la casa de un productor amigo. Fue así como los ahora Quarterflash ficharon con Geffen Records, sello con el cual grabaron su primer disco titulado de forma homónima...y para el cual volvieron a registrar Harden My Heart.

Para Junio de 1982, el disco ya había alcanzado status de Platino por sus ventas y, claro está, seguían siendo un fenómeno en las tierras del Noroeste de Estados Unidos; de hecho, habían grabado otro concierto de una hora para la TV titulado Quarterflash In Concert que fue grabado en Octubre de 1981 y emitido por dos televisoras de Portland. El futuro se veía promisorio...pero, como solía pasar en los 80´s, los sellos discográficos generaron expectativas desmedidas y las dos siguientes producciones de Quarterflash (Take Another Picture -1983- y Back Into Blue -1985-) no tuvieron el éxito esperado, por lo cual fueron despedidos. El haberse quedado sin sello discográfico devino en la separación de la banda.

Pero cinco años después, el grupo se reunió temporalmente y contrató a músicos de sesión como la bajista y vocalista Sandin Wilson, el baterista Greg Williams, el guitarrista Doug Fraser y al saxofonista y tecladista Mel Kubik; esa experiencia entre 1990 y 1991 sirvió para registrar el disco Girl in the Wind bajo Epic Records. Y como los Ross seguían siendo músicos muy respetados en Oregon, una institución pública les pidió formar The Trail Band, una banda que tocaría música de mediados del Siglo XIX, en los tiempos del famoso "Oregon Trail", ruta usada por los pioneros de esos años. Después de 17 años tras su última producción, Marv y Rindy Ross lanzaron un nuevo disco bajo el paraguas de Quarterflash titulado Goodbye Uncle Buzz.

Harden My Heart fue el primer sencillo y primer corte del disco debut de Quarterflash llamado, precisamente, Quarterflash (Geffen Records, 1981). Fue escrita por Marv Ross y producida por John Boylan aunque, como ya se dijo antes, tuvo una versión inicial en los tiempos de Seafood Mama que era un poco más dramática. Le fue bien en términos de ránking: 3° en el Billboard Hot 100 (y el tope del chart Mainstream Rock) en Estados Unidos más Top 20 en Francia y Alemania y un decente 49° puesto en el Reino Unido.

La canción fue incluida en el primer episodio de la serie de TV Knight Rider (El Auto Fantástico), usada en la película de 2001 Wet Hot American Summer (ambientada en 1981) y, como otros clásicos, aparece en el videojuego Grand Theft Auto: Vice City Stories, donde suena en la ficticia radioemisora Emotion 98.3 FM. Como si fuera poco, Mary J. Blige espera darle un refresco a esta canción al interpretarla para la película Rock of Ages, que sería estrenada a mediados del próximo año. Con unos solos de saxo que estremecen, DJ Candidato les deja con la letra y el videoclip de Harden My Heart...

Quarterflash - Harden My Heart (Lyrics)

Quarterflash - Harden My Heart (Video)

Con el placer cumplido de traerles ante Ustedes una nueva canción merecedora del reconocimiento por condensar todo el talento de un grupo de artistas y hacerlos pasar a cierta trascendencia, DJ Candidato se despide hasta una próxima ocasión no sin antes invitarles a que hagan sus comentarios y sugerencias en las decenas de canciones que han sido puestas en exhibición. La próxima semana, como es habitual, el relevo lo tomará DJ Empire para llevarnos a otro tiempo y lugar donde alguien hizo de las suyas con una canción digna de aparecer en El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y, como siempre recomiendo, lleven la música dentro de Ustedes. ¡Hasta la próxima!

Stardust - Music Sounds Better With You

2011-10-01T23:55:00.001-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire iniciando Octubre en el Museo. La banda que se presenta esta semana es un proyecto que tuvo un integrante de Daft Punk, aunque no duró tanto como su banda madre. Pero el hit que tuvieron sacó aplausos por su video a cargo de un director maestro, sencillo pero muy adorable, que la rompió a fines de los 90's. Representando a la corriente del French House, DJ Empire presenta al proyecto Stardust con su hit Music Sounds Better With You.

Tras lanzar el disco debut de Daft Punk, Homework (1997), Thomas Bangalter (nacido en París el 3 de Enero de 1975) unió fuerzas con el productor y músico Alan Braxe (de nombre real Alain Quême) y el vocalista Benjamin Diamond (nacido como Benjamin Cohen el 11 de Marzo de 1972 en París). Braxe venía de trabajar como músico en París a mediados de los 90's, y su single debut Vertigo se lanzó en 1997 en el sello Roulé, fundado por Bangalter en 1995. Este fue el primer acercamiento de Braxe con el hombre de Daft Punk, quien le co-produjo la Virgo Edit version del single. Por su parte, Diamond empezó como músico punk rock en la banda Chicken Pox, pero tomaba inspiración de artistas como New Order, Michael Jackson y Roxy Music; tras esto, se interesó por la música electrónica.

Ya con esta formación, Stardust grabó en 1998 el single Music Sounds Better With You, en Daft House Productions, el sello que Bangalter co-fundó junto a la otra mitad de Daft Punk (Guy-Manuel de Homem-Christo) en París. Ese mismo año el trío lanza el single, y resulta ser todo un éxito en el Reino Unido y en los EE.UU. A pesar de esa situación con el hit, fue el único tema que grabaron juntos Bangalter, Braxe y Diamond; sin llegar a grabar un disco. Y desde ese entonces que los miembros de Stardust no han vuelto a trabajar juntos.

Desde la separación de Stardust, Thomas Bangalter empezó junto a Guy-Manuel de Homem-Christo la grabación del segundo disco de Daft Punk, Discovery, el cual se lanzó en 2001. El dúo lanzó otro disco de estudio, Human After All (2005) y una serie de compilaciones y álbumes de remixes, más el álbum en vivo Alive 2007 y el soundtrack de la película Tron: El Legado (2010), del cual grabaron una reedición de remixes en 2011. Y en solitario, Bangalter produjo el soundtrack de la película Irréversible (2002), de Gaspar Noé.

¿Qué hay de los otros dos? Alan Braxe fundó la etiqueta Vulture Music y se ha convertido en un remezclador de alta demanda para artistas como Kylie Minogue, Goldfrapp, Röyksopp y Justice (los del hit D.A.N.C.E. de 2007). Frecuentemente colabora con los músicos electrónicos franceses Fred Falke (con quien hace parte de los remixes) y Kris Menace, y ha lanzado sólo un disco, The Upper Cuts (2005), una colección de su material previo. Y en cuanto a Benjamin Diamond, tiene su sello Diamond Traxx y ha lanzado tres discos solistas: Strange Attitude (2000), Out of Myself (2005) y Cruise Control (2008). Además, una canción de su tercer disco, Baby's on Fire, figuró en los episodios 13 y 14 de la cuarta temporada de la serie Ugly Betty.

Music Sounds Better With You es una canción escrita por los tres miembros de Stardust, producida por Thomas Bangalter y lanzada en formatos CD y 12". El single utiliza un sample de la canción Fate de Chaka Khan (de su disco What'cha Gonna Do for Me de 1981). El video fue dirigido por Michel Gondry, se situó en Texas, EE.UU., y muestra a un niño que construye un avión a escala por varios días. A la vez, mientras el niño está en su tarea, se muestra en TV un Top 5 con bandas ficticias, donde el hit de Stardust va avanzando una posición cada día. Los rankings de Music Sounds Better With You: #1 en el Billboard Hot Dance Club Play y #2 en el UK Singles Chart. Además, el sitio Pitchfork Media rankeó este single en el #46 de su Top 200 de las Mejores Canciones de los 90's.

¿Un dato? Daft Punk utilizó este hit de Stardust en su disco Alive 2007, que lo tocaron en un bis junto a elementos de sus singles One More Time, Aerodynamic, Prime Time of Your Life (Para One Remix), Human After All, Revolution 909 y Together. Y aunque Daft Punk sigue triunfando en los escenarios con su espectáculo futurista, es imposible no acordarse del hit que dejó Thomas Bangalter con su proyecto noventero de corta vida. Los links a las letras y el sonido French House de Stardust (con su video-obra maestra de Gondry), ahora ya...

Stardust - Music Sounds Better With You (Lyrics)

Stardust - Music Sounds Better With You (Video)

Y bien, ha sido la maravilla de un éxito de un trío efímero del French House, ligado a una mitad de Daft Punk, todo esto presentado por DJ Empire. La próxima semana, DJ Candidato les trae otro hit que ha sido el lado exitoso de un artista que no ha vuelto a brillar como entonces. Hasta la próxima!

Timbuk3 - The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades

2011-09-24T23:55:00.001-03:00

Ya estamos cerrando Septiembre en El Museo del One Hit Wonder pero, así como el tiempo, nosotros hacemos los esfuerzos por no detenernos en la noble labor de presentar ante Ustedes esas canciones que fueron el punto fulgurante en la carrera de un artista y que forman la base y el contenido de El Museo del One Hit Wonder. Nuevamente, les acompaña DJ Candidato y, en estos días donde hemos estado pendientes de un satélite y se dicen cosas sobre un cometa que traería malos presagios, les traemos una canción que hacía eco de un supuesto apocalipsis. Desde Estados Unidos, el grupo Timbuk3 con la canción The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades.

En rigor, Timbuk3 se formó como un dúo de multi-instrumentistas y que, para más remate, eran marido y mujer. Pat MacDonald (nacido el 6 de Agosto de 1952) tocaba las guitarras, el bajo y la armónica además de cantar y programar la batería; mientras que su esposa Barbara Kooyman MacDonald (nacida el 4 de Octubre de 1958) también cantaba y tocaba guitarras eléctrica y acústica además de la mandolina y el violín y programar la batería rítmica. Ambos habían nacido en diferentes ciudades del estado de Wisconsin (Pat en Green Bay y Barbara en Wausau), pero fue en Madison donde idearon este proyecto en 1984.

Las puertas se le abrieron a Timbuk3 en 1986 luego de aparecer en un programa de MTV, lo cual les permitió ser fichados por IRS Records y, dentro del mismo año, lanzar su disco debut titulado Greetings from Timbuk3 que incluía el sencillo The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades, que tuvo casi vida propia en los años venideros al ser incluida en numerosas compilaciones y bandas de sonido para películas. Otra canción del disco debut, Shame on You, sirvió de apertura para la película de 1986 The Texas Chainsaw Massacre 2 y la banda fue nominada a un Grammy por Mejor Artista Nuevo en 1987 donde competía con Simply Red...pero al final el galardón se lo llevó Bruce Hornsby and The Range.

El futuro estaba esplendoroso para el dueto...pero a los MacDonald no les gustaba esta exposición mediática que estaban ganando y decidieron mantenerse lejos de las luminarias, trabajando con rigurosidad en sus posteriores producciones, que fueron bien recibidas por la crítica especializada aunque no tuvieron éxito en ventas ni en los charts. Cuando llevaban tres discos, en 1991 deciden sumar al percusionista Wally Ingram y la guitarrista Courtney Audain. La carrera de Timbuk3 llegó hasta 1995 y el disco A Hundred Lovers (octava producción), cuando los integrantes del grupo decidieron separarse y seguir caminos dentro de la música independiente.

Pat MacDonald, por ejemplo, se mudó a Barcelona (España) y grabó varios discos para el sello alemán Ulftone, incluyendo uno de 2003 con covers de la banda Depeche Mode llamado Strange Love: PM does DM; además, escribe canciones para artistas como Cher y Peter Frampton y fundó un Festival de compositores en su ciudad actual de Sturgeon Bay, Wisconsin. Barbara MacDonald pasó a llamarse Barbara K tras divorciarse de Pat y lanzó un par de discos, incluyendo Undercover, The Songs of Timbuk3 (2005), que son versiones acústicas de canciones de su anterior banda; además, cría al hijo concebido con su ex esposo y trabaja en un sello independiente de Austin (Texas) llamado Sparrow´s Wheel. En tanto, Wally Ingram sigue como baterista de sesión tanto en estudio como en conciertos y hace cuatro años superó un cáncer que se le había detectado.

The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades fue el primer sencillo y el track que abrió el disco debut de Timbuk3 llamado Greetings From Timbuk3 (IRS Records, 1986). Fue compuesto por Pat MacDonald (a sugerencia de una frase de su entonces esposa) y producido por Dennis Herring. No se comprendió en tiempos tan alegres como los 80´s, pero Pat MacDonald quería remarcar con el título de la canción lo "brillante" que sería el futuro ante un holocausto nuclear al cual se le temía aún por esos años. Alcanzó el 9° puesto en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y el 21° lugar en los charts británicos. Su videoclip era digno de los 80´s, con colores contrastantes y ciertas ideas poco comprensibles para el gran público...y eso llamaba la atención. Sin más ni más, DJ Candidato les deja con las letras y el video de este one hit wonder...

Timbuk3 - The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades (Lyrics)

Timbuk3 - The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades (Video)

Y es así como seguimos avanzando por las tierras fecundas de la música en donde algunos, si bien fueron flor de un día, permanecieron en la memoria de muchos que les recuerdan con cierta nostalgia y sin vergüenza alguna. Mi labor como DJ Candidato ha terminado por esta semana no sin antes, junto con invitarles a que comenten y sugieran otras canciones a considerar en este Museo, indicarles que DJ Empire tendrá el alto honor de abrir los fuegos el próximo mes de Octubre. Me despido hasta una próxima oportunidad en El Museo del One Hit Wonder y recuerden llevar la música dentro de Ustedes. ¡Hasta pronto!

Rachel - Que Estemos Juntos los Dos

2011-09-17T23:54:00.000-03:00

Qué tal, soy DJ Empire en el Museo. Este año nos costó dar con One Hit Wonders chilenos, en parte por falta de información. Pero en uno de nuestros sitios favoritos de la música chilena, dimos con una compatriota cuyo giro es el jazz-pop, que cumple ese dicho "Nadie es Profeta en su Tierra". Sí, porque mientras acá sólo destacó por un hit, en otros dos países fue grito y plata. En este fin de semana patrio, presentamos a la nacional Rachel con su éxito Que Estemos Juntos los Dos.

Raquel Susana Delgado nació en Sydney, Australia, de padres chilenos, un 5 de Octubre de 1971. De muy pequeña se interesó por Billie Holiday y en consecuencia a un amplio abanico de intérpretes de jazz. Ya adolescente, sus preferencias se viraron hacia el pop, como Mariah Carey y Marie Fredriksson (del dúo sueco Roxette). Estuvo años autoadiestrándose en el canto en claves pop y swing, y esas enseñanzas también las emprendió en el medio chileno. En 1991 Raquel llega a Chile, y al año siguiente se presentó como una desconocida en el primer Festival Vocal de Jazz, organizado por la (ahora desaparecida) Radio Classica. Nuestra artista de la semana, ya con el nombre artístico Rachel, superó a tres cantantes que se iniciaban en el jazz al mismo tiempo que ella: Francesca Ancarola, Claudia Acuña y Rossana Saavedra. Ese festival fue el punto de partida para que Rachel iniciara su carrera en Chile.

Rachel inició temporadas de swing en hoteles de lujo y en futuras giras a España, actuando con Los Andes Big Band, la Orquesta de Juan Azúa, el New Jazz Trío del pianista Jaime Pinto y con Moncho Romero, también pianista. En una de esas estadas en el Hotel Sheraton, la cantante fue desarrollando una línea más clara de pop-jazz, y mientras trabajaba con el autor Alejandro Afani, envió un demo a EMI. El sello le respondió de inmediato y Rachel grabó su disco debut homónimo en 1998. Ese trabajo incluyó el que a la postre sería su hit, Que Estemos Juntos los Dos.

Esos mencionados viajes a España resultaron de suma importancia para promocionar el disco. En las radios de ese país, el single de Rachel llegó a sonar más que Ray of Light de Madonna, e incluso dio para competencia directa de Laura Pausini. En 1999 apareció Rachel Remixes, disco que básicamente incluía versiones distintas de Que Estemos Juntos los Dos, entre ellas una versión dance que sonó tanto como la original. Dos años después, 2001, Rachel se presentó en el Festival de Viña del Mar, donde cantó a dueto con Peabo Bryson la canción Tonight I Celebrate My Love. Ese mismo año lanzó su disco Miro en tus Ojos (autoedición), donde incluyó la versión en castellano del citado tema, Al Fin, a dueto con el español Marcos Llunas. Sin embargo, esas canciones de Rachel no recibieron el respaldo masivo a nivel nacional.

En 2002 Rachel se instaló nuevamente en Australia, para continuar su carrera musical. Volvió a Chile en 2006, para comenzar un proyecto de pop y swing orquestal, y para tocar en pequeños clubes de jazz, como una mezcla de estilos entre Claudia Acuña y Myriam Hernández, recordando las raíces de su prometedora carrera.

Que Estemos Juntos los Dos es una canción del disco homónimo de Rachel, de 1998. Originalmente es en estilo balada, donde los matices jazzeros de la voz convivían con el toque del saxofón. En 1999, el tema fue remezclado en versión dance, con saxofón y todo, para el disco Rachel Remixes. El paso de esta canción en Chile se remitió a la rotación en algunas radios para la versión balada y a las pasadas del video (dance mix) en esa etapa de transición post-quiebre del Canal 2 Rock & Pop.

Como podrán darse cuenta al abrir el link bajo estas líneas (que también es el video de cabecera de la semana), la versión que escucharán del single de Rachel es el dance mix, registrado en una presentación en España. A juzgar por la recepción eufórica del público de la Madre Patria, el caso de la cantante corrobora el dicho "Nadie es Profeta en su Tierra", como ya lo habíamos adelantado. Antes de presentar los links de rigor, dejo en este enlace la pista de audio de la versión balada. Todo un hit en Australia y España, relegada como One Hit Wonder en Chile, DJ Empire rescata a Rachel y que corran esos links, con todo amor...

Rachel - Que Estemos Juntos los Dos (Lyrics)

Rachel - Que Estemos Juntos los Dos (Video)

Y bien, después de revisar a nuestra representante chilena como artista de la semana, DJ Empire cierra el post y deja el espacio para que comenten. La próxima semana, DJ Candidato presentará a otra gran maravilla que se quedó relegada a un hit que la rompió en su momento, opacando en fama a lo que siguió después. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Wall of Voodoo - Mexican Radio

2011-09-10T23:55:00.001-03:00

Una vez más, sean todos y cada uno de ustedes bienvenidos a El Museo del One Hit Wonder. Como cada dos semanas, me aparezco bajo la chapa de DJ Candidato y les traigo alguna canción olvidada en el tiempo pero que tuvo el mérito de ser la única melodía que dio a conocer a un grupo de artistas. Y, como es habitual en los últimos meses, sigo con mi recorrido por la estrafalaria década de los 80´s...una muestra de ese extraño mundo viene desde Estados Unidos con una banda que quiso homenajear a su manera la cultura de un país vecino. Las estrellas de esta semana son del grupo Wall of Voodoo y su canción Mexican Radio.

Todo comenzó en el año 1977 en Los Angeles (California) cuando Stan Ridgway (nacido el 5 de Abril de 1954) trabajaba en Acme Soundtracks, una empresa pequeña dedicada a realizar música incidental para películas. Al frente, había un sitio dedicado a la música punk llamado The Masque y fue allí donde Ridgway conoció a Marc Moreland (nacido el 8 de Enero de 1958), por entonces guitarrista de The Skulls; un poco de sesiones de improvisación y pasaron de hacer música de películas a una banda New Wave. Otros dos The Skulls se unieron: el bajista Bruce Moreland (hermano de Marc) y el tecladista Chas T. Gray; el último fichaje fue el baterista Oliver Joseph "Joe" Nanini y, con ello, nacía la banda Wall of Voodoo.

El nombre de la banda derivó de un comentario hecho por un amigo de Ridgway ante el comentario del vocalista de la banda de comparar el sonido con el "wall of sound" (muralla de sonido) del productor Phil Spector; Joe Berardi (amigo de Ridgway) dijo que más bien parecía un "wall of voodoo". Su primer trabajo se llamó, precisamente, Wall of Voodoo y fue un EP lanzado en 1980 que incluyó un cover bastante particular de una canción de Johnny Cash (Ring of Fire) a base de sintetizadores. Ese fue el paso previo al primer álbum larga duración del grupo, llamado Dark Continent y lanzado en 1981...lo cual se vio un poco opacado por la salida de Bruce Moreland, ante lo cual Chas T. Gray hizo de bajista y tecladista a la vez.

Con la formación de Ridgway, M. Moreland, Gray y Nanini el grupo grabó su tercera producción y la que, a la larga, le daría gran reconocimiento. La placa de 1983 Call of the West se vio favorecida por el sencillo Mexican Radio, inspirada por Ridgway y M. Moreland al escuchar radioemisoras mexicanas de alta potencia cuyas ondas traspasaban la frontera; además, gracias a su estilo, adquirió rápida rotación en MTV. Poco después de la salida de Call of the West, Bill Noland pasó a ocupar el puesto de tecladista y el caos comenzó a apoderarse de la dinámica del grupo por el constante abuso de drogas y problemas de comportamiento.

A finales de Mayo de 1983 y luego de un extenso concierto en el US Festival, tres miembros del grupo renunciaron (Ridgway, Nanini y Noland). Los miembros que quedaban (Marc Moreland y Chas T. Gray) decidieron seguir con el proyecto sumando el retorno de Bruce Moreland y ficharon al vocalista de Eye Protection (una banda new wave de San Francisco), Andy Prieboy, como nuevo front-man y al baterista Ned Leukhardt con un sonido que varió un poco respecto de lo hecho bajo la voz de Ridgway; en 1988, el grupo se separa definitivamente (su última placa fue de 1989 y se llamó The Ugly Americans in Australia) y tanto Prieboy como M. Moreland siguen carreras en solitario como lo había hecho ya Stan Ridgway.

En el 2006 y con dos integrantes de la banda ya fallecidos (Joe Nanini murió a finales del 2000 por una hemorragia cerebral y Marc Moreland falleció por fallas en riñón e hígado en Marzo de 2002), Wall of Voodoo se presentó como teloneros de una presentación de Cindy Lauper pero con la salvedad que el único miembro original era...Stan Ridgway quien, dicho sea de paso, al día de hoy ya lleva 11 discos grabados siendo Neon Mirage el más reciente (Agosto 2010). Bill Noland ha hecho carrera en solitario y compuesto música de películas mientras que Andy Prieboy ha incursionado en la literatura y en el teatro musical.

Mexican Radio fue el primer sencillo y el sexto surco del tercer disco de Wall of Voodoo, llamado Call of the West (IRS Records, 1983). El tema fue escrito por la banda completa y la producción estuvo a cargo de Richard Mazda, quien tuvo que lidiar con las dificultades de Joe Nanini para grabar la canción. La canción alcanzó decentes puestos en los charts: 21° en Nueva Zelandia, 33° en Australia y 58° tanto en Gran Bretaña como en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y fue cubierta por bandas tales como Kinky, Celtic Frost y Nouvelle Vague. El video es un espectáculo aparte, lleno de lugares comunes y de escenas bastante particulares así que, sin más demoras, DJ Candidato les deja con las letras y el clip de Mexican Radio...

Wall of Voodoo - Mexican Radio (Lyrics)

Wall of Voodoo - Mexican Radio (Video)

Casi sin querer queriendo (como diría El Chavo del Ocho), es un homenaje de El Museo del One Hit Wonder al pueblo mexicano que está por cumplir en estos días un nuevo aniversario patrio y que esperamos sea del gusto de todos, no sólo de los nacidos en México. Como siempre, les invitamos tanto a comentar en ésta como en las otras canciones exhibidas en este lugar (ya estamos cerca de los 200 temas) y hacernos sugerencias para futuras crónicas. Por mi parte, me despido no sin antes avisarles que será DJ Empire quien me relevará (como es costumbre) la próxima semana para una nueva y periódica entrega. Soy DJ Candidato y me despido recordándoles que lleven la música dentro de Ustedes.

Eagle-Eye Cherry - Save Tonight

2011-09-03T23:55:00.000-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire con otra maravilla de un éxito en el Museo. El siguiente invitado a nuestro local proviene de Suecia, y lo primero que llama la atención es su apellido. Sí, es el medio-hermano de Neneh Cherry (la del dueto con Youssou N'Dour, 7 Seconds) quien tuvo su incursión musical, aunque sólo un hit llegó al ranking madre de los Estados Unidos, el Billboard Hot 100. Independiente de cómo haya sonado esa canción, si pasó colada o no, el Museo se encarga de rescatar a su responsable del olvido. Es el cantante Eagle-Eye Cherry con su hit Save Tonight.

Un 7 de Mayo de 1971 nació Eagle-Eye Lanoo Cherry, en Estocolmo, Suecia, hijo del jazzero afro-americano Don Cherry y de la pintora y artista textil Monika "Moki" Cherry (antes Karlsson). Eagle-Eye fue bautizado así porque la primera vez que miró a su padre, lo hizo con un ojo abierto. Es hermano por parte materna de Neneh Cherry, y hermanastro de la cantante Titiyo Jah (hija de un baterista de Sierra Leona, igual que Neneh). Cuando pequeño, Eagle-Eye viajó varios meses junto a Neneh y a su padre. A los 12 fue enviado al colegio en New York, donde trabajó como actor y como baterista en varias bandas. En 1988 tuvo un pequeño rol en la película Arthur 2: On the Rocks, y en 1993 actuó en la serie de TV South Beach, de la NBC. Esa serie de acción y aventuras duró muy poco en emisión.

Es 1995 y fallece Don Cherry a los 58 años en España. Esta razón llevó a su hijo Eagle-Eye, al año siguiente, a mudarse de vuelta a Estocolmo para focalizarse en la música por sobre la actuación. En su estudio-habitación comenzó a escribir, componer y grabar con guitarra acústica las canciones que dieron forma a su debut discográfico, Desireless. Según su manager Tommy Manzi, el perfeccionismo de Eagle-Eye lo hizo mantener bien guardadas sus grabaciones hasta que el disco estuvo virtualmente completo. El disco se lanzó en Suecia en 1997 y en EE.UU. fue el 21 de Julio de 1998, vía Epic Records; y se convirtió en un éxito de ventas alrededor del mundo entre 1998 y 1999, vendiendo más de cuatro millones de copias, incluyendo un Disco de Platino en EE.UU. Y todo esto, gracias a su primer track y single, Save Tonight. Del disco también salieron otros tres singles, When Mermaids Cry, Falling in Love Again y Permanent Tears. Y cerrando la década, en 1999 Eagle-Eye colaboró en el disco Supernatural de Santana, con la canción Wishing It Was.

La nueva década empezó para Eagle-Eye Cherry en 2000 con un cambio de sello: dejó Epic Records y se fue a MCA, desde donde lanzó su segundo disco, Living in the Present Future. Uno de sus singles fue Long Way Around, que cantó a dueto con Neneh Cherry. Pero otros dos singles, Promises Made y Miss Fortune, más uno inédito llamado Heaven, no rankearon en ninguna lista. Y también pasó con la reedición 2001 del disco, llamado Present/Future, donde no rankeó el single Feels So Right. El último disco de estudio que ha lanzado Eagle-Eye es Sub Rosa, de 2003, que incluyó Feels So Right y otros dos singles, Skull Tattoo y Don't Give Up.

Desde 2007 que Eagle-Eye Cherry no ha dado signos de volver a la música. Ese año fue cuando salió Live and Kicking, su álbum en vivo, que incluye Save Tonight en el tracklist. El disco se lanzó en Brasil el 2006, según lo consignó el mismo Eagle-Eye en una carta que posteó en su sitio.

Save Tonight es una canción escrita por Eagle-Eye Cherry y producida por Adam Kviman, lanzada en formatos 12", Cassette y CD. Es el track que abre el disco Desireless de 1997, se lanzó ese mismo año en Suecia y al año siguiente en los EE.UU. El videoclip para este single está filmado en b/n, en una sola toma, y en él Eagle-Eye encarna diferentes personajes, como un galán listo para una cita, un carnicero y un conductor de camioneta que atropella a otro doble que lo pillaron robando. De todos los singles de Eagle-Eye Cherry, Save Tonight es el único que pudo rankearse en EE.UU., con estas ubicaciones Billboard: #5 en el Hot 100, #8 en el Modern Rock Tracks y #3 en el Adult Top 40. Otras ubicaciones para Save Tonight: #2 en Suecia, #6 en el UK Singles Chart, #18 en Alemania, #3 en Irlanda, #9 en el Mega Singles Hot 100 de Holanda y #20 en el ARIA Charts de Australia.

Un dato adicional: Save Tonight apareció en el soundtrack de la película Muy Parecido al Amor (A Lot Like Love, 2005), protagonizada por Ashton Kutcher y Amanda Peet. Si bien esta canción sonó mucho en su momento, de 1998 hasta unos años después, aún la pueden oír de vez en cuando. ¿Dónde? Sintonizando radios FM Tiempo o Play FM es posible volver a los 90's con el medio-hermano de Neneh Cherry. Pero también está la opción que DJ Empire pone tras estas líneas, el videoclip antes mencionado, además de las letras que enlacé desde el sitio oficial de Eagle-Eye Cherry. Con ustedes, Save Tonight.

Eagle-Eye Cherry - Save Tonight (Lyrics)

Eagle-Eye Cherry - Save Tonight (Video)

Y bien, ya tenemos otra maravilla de un éxito desde los noventas, traída por DJ Empire al Museo. La próxima semana, DJ Candidato irá por otro artista que brilló con un single tan exitoso que dejó una vara inalcanzable para los que venían. Hasta el próximo One Hit Wonder.

The Georgia Satellites - Keep Your Hands to Yourself

2011-08-27T23:55:00.002-03:00

Sean nuevamente bienvenidos a una nueva entrega en El Museo del One Hit Wonder. Soy su anfitrión por esta semana, DJ Candidato, y sigo aquí atascado en la década de los 80´s trayéndoles éxitos olvidados por casi todo melómano que se precie de tal; pero para eso estamos...para hacer el digno rescate de quienes generaron furor. Y esta semana, vamos con una muestra inconfundible del rock proveniente del Sur de Estados Unidos, ese rock por el que no pasan los años y se entronca con otros estilos como el Country. Los invitados de esta semana son The Georgia Satellites y su éxito Keep Your Hands To Yourself.

Comenzaba 1980 cuando el vocalista Daniel "Dan" John Baird (nacido el 12 de Diciembre de 1953 en San Diego, California), el guitarrista Rick Richards, el bajista de The Brains Keith Christopher y el baterista David Michaelson formaron una banda en Atlanta (Georgia) llamada Keith and the Satellites; pasó un tiempo en que tocaron en bares de la zona y salen Christopher (quien pasa a tocar con Frank Marino & Mahogany Rush) con Michaelson entrando Dave Hewitt en bajo y Randy Delay en batería. Es con esa formación (Baird, Richards, Hewitt y Delay) que graban un demo de seis temas en Axis Studios y se cambian el nombre a The Georgia Satellites mientras tocan todos los Lunes en un bar de Buckhead (cerca de Atlanta).

Pero cuando tenían hasta el productor del disco debut (Jeff Glixman), la banda se separa a mediados de 1984; Randy Delay se va a tocar con grupos como The Tony Samo Band y Hell Hounds. Y pasó que el mánager inglés del grupo, Kevin Jennings, tomó el material del demo y lo llevó a un pequeño sello de Yorkshire llamado Making Waves, a cuyos ejecutivos les gustó el material y lo lanzaron en 1985 como un EP llamado Keep The Faith. Los positivos comentarios de la prensa encontraron a Baird tocando con Woodpeckers y Richards con los Hell Hounds (del cual ya se había marchado Delay); cuando Baird se unió a Richards, el batero Mauro Magellan y el bajista Rick Price, volvieron a bautizarse como The Georgia Satellites.

Ahora, Elektra Records fichaba a la banda y la reunió con Jeff Glixman para un trabajo que daría frutos: su disco Georgia Satellites lanzado en 1986 y grabado en Cheshire Sound Studios en Atlanta. Incluía la canción Keep Your Hands to Yourself, que se transformó en un hit que compitió palmo a palmo con los pesos pesados de la música en esos tiempos (Bon Jovi, por ejemplo). Luego de un disco en vivo en 1987 titulado Inspired By Jack Daniels: Live In Concert, al año siguiente la banda hizo su segundo disco de estudio titulado Open All Night que incluía un cover de Don´t Pass Me By (original de Ringo Starr). Aunque poco antes, sólo como sencillo, habían lanzado otro cover (esta vez, de The Swinging Blue Jeans´) llamado Hippy Hippy Shake y que salió en la película Cocktail.

No les fue bien en las ventas del Open All Night y, sin embargo, The Georgia Satellites lo intentó de nuevo en 1989 con el tercer disco de estudio, que se llamó In the Land of Salvation and Sin y que incluyó dos nuevas versiones de canciones incluídas en su EP de 1985; aunque la crítica fue buena con esa producción, comercialmente volvió a ser un fracaso y fue el momento para que Dan Baird dejara el grupo en pos de una carrera solista. Así, The Georgia Satellites dejaba de existir y hubo que esperar hasta 1993 para que se lanzara una compilación de éxito llamada Let it Rock: The Best of The Georgia Satellites y que incluyó material de un EP llamado Another Chance.

Ese mismo año, Rick Richards decide tomar las riendas y asumir como vocalista de The Georgia Satellites compartiendo el rol con el bajista Rick James; llaman al baterista Todd Johnston y al tecladista Kenny Head. En 1997 sacaron el que hasta la fecha es su última producción: Shaken Not Stirred que, en rigor, tiene temas nuevos junto con remezclas de sus primeras grabaciones. Aparte de su actividad en The Georgia Satellites, Rick Richards toca de cuando en cuando en The Ju Ju Hounds (grupo del ex Guns 'N' Roses Izzy Stradlin aparte de escribir y acompañar como músico a otros destacados artistas.

En lo que respecta a otros miembros de la banda, Dan Baird (quien, al revés de muchos rockeros, está felizmente casado y no bebe alcohol) siguió carrera en solitario y, después, formó la banda Homemade Sin donde actualmente toca con otros dos ex-The Georgia Satellites como Mauro Magellon y Keith Christopher; y a Baird no le fue tan mal luego de estar en la banda que le dio algo de fama...en 1991, alcanzó el lugar 26 de los charts estadounidenses con el tema I Love You Period. En tanto, el ex baterista Randy Delay falleció de cáncer en 1993.

Keep Your Hands to Yourself fue el primer sencillo y el track inicial del primer disco larga duración de The Georgia Satellites llamado Georgia Satellites (Elektra Records, 1986). La canción fue compuesta por Dan Baird y producida por Jeff Glixman. Alcanzó el 2° lugar en el Billboard Hot 100 (sólo fue taponeado por Livin´ on a Prayer de Bon Jovi) y el clip recibió un MTV Video Award por Mejor Dirección de Arte (responsabilidad de Mary Deacon). Para que se contagien del rock a la antigua, DJ Candidato les trae tanto las letras como el video de esta canción...

The Georgia Satellites - Keep Your Hands to Yourself (Lyrics)

The Georgia Satellites - Keep Your Hands to Yourself (Video)

Y es así como las puertas de El Museo del One Hit Wonder se abren una vez más para exhibir de modo permanente a otro éxito venido, esta vez, desde hace 25 años atrás...y qué mejor forma de homenajearlos en este cuarto de siglo que traerlos al presente. Una vez más, les invito a que nos hagan sugerencias de cualquier tiempo y lugar con el único requisito de que pasen el cedazo de ser un "one hit wonder"; la próxima semana, DJ Empire toma los controles y nos lleva a otro tiempo y espacio para ver quién más se suma a la galería de nuevos inmortales que es El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y me despido, recordándoles que lleven la música dentro de Ustedes.

Limahl - The NeverEnding Story

2011-08-21T23:55:00.000-03:00

Qué tal, estimados/as, DJ Empire trae otra maravilla de un éxito al Museo. Hace un año, justamente en Agosto, pasé la historia del grupo Kajagoogoo con su hit Too Shy. Lo que dio para segunda parte, lo cual estuve pensando antes de escribir este artículo, es lo que pasó con su vocalista después de ser despedido de la banda. Él también fue un One Hit Wonder, y su canción es de película, aunque funcionaría bien si se ha visto o no ese film. DJ Empire les presenta al cantante inglés Limahl con su hit The NeverEnding Story.

Un 19 de Diciembre de 1958 nació Christopher Hamill en Pemberton, un pueblo perteneciente a Wigan, Lancashire. Asistió al Mesnes High School, antes de enrolarse en una compañía teatral, la Westcliff-on-Sea Palace Theatre Repertory Company. Con sus aspiraciones actorales, Hamill se fue de gira con la compañía para promocionar Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, una de las tantas adaptaciones del musical de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Luego de eso, tuvo un pequeño rol en la serie de ITV The Gentile Touch. A pesar de que su carrera de actor nunca despegó del todo, Hamill comenzó a interesarse por la música, formando una banda punk llamada Vox Deus, que fue de muy corta vida. Luego se unió a Crossword y posteriormente al grupo Brooks, en el que estaba Mike Nolan, cantante del grupo Bucks Fizz. Por ese entonces Chris adoptó el alias Limahl, un anagrama de su apellido. Y en ese mismo tiempo, fue reclutado por la banda Kajagoogoo, que antes era un grupo instrumental llamado Art Nouveau.

La razón que Kajagoogoo tuvo para elegir a Limahl como su vocalista fue que respondió al aviso de "un frontman que pudiera cantar y verse bien". La carrera del grupo tuvo mucho éxito, especialmente con su single Too Shy. Pero las relaciones entre Limahl y el grupo estaban muy endebles, a pesar de que él los considerara "como una familia", según lo consignó más adelante. A mediados de 1983, tras el fin del White Feathers Tour, la banda expulsó a Limahl vía telefónica. Su salida provocó debates de un bando y de otro, entre los defensores del cantante y los fans del grupo. Se habría dicho que Limahl fue utilizado en beneficio de Kajagoogoo para alcanzar su fama, mientras que la otra versión sugiere que el cantante era poco profesional y difícil de trabajar con el grupo. Como sea, las aguas se separaron y Limahl empezó con su carrera solista.

En ese mismo 1983, Limahl lanza su primer single, Only for Love, que alcanzó buenas ubicaciones en el Reino Unido y en los EE.UU. Al año siguiente, aparece en la canción The NeverEnding Story, de la película del mismo nombre, con versiones en inglés y francés. El single logró rankearse mejor que su predecesor, debido al éxito de la película. En ese mismo 1984 Limahl lanzó su primer disco, Don't Suppose, que en la segunda edición y las que vinieron se reemplazó el tema The Greenhouse Effect por la canción de la película. Sin embargo, el álbum sólo rankeó #63 en el UK.

Tras ese debut discográfico, Limahl lanzó los discos Colour All My Days (1986) y Love Is Blind (1992), que fueron un fracaso comercial en el Reino Unido, pero que alcanzaron un éxito moderado en Italia, España y Alemania. Desde ese entonces, el cantante no pudo replicar su éxito anterior y ha enfrentado momentos muy difíciles, como cuando se le vio saliendo de una oficina de desempleados y sus fotos fueron publicadas en un semanario británico de día Domingo, tituladas como "El una vez poderoso puede caer". A fines de los 90's, Limahl se presentó en clubes para cantar canciones de Kajagoogoo y de su carrera solista.

En 2003 se dio la reunión entre Limahl y el resto de Kajagoogoo, para el programa Bands Reunited de VH1, pero no condujo a una reunión permanente. Al año siguiente, el cantante apareció en el reality show Comeback del canal de TV alemán Pro7. En 2005 figuró en un show similar para la TV británica, Hit Me Baby One More Time de ITV. Finalmente, Limahl se reunió nuevamente con Kajagoogoo en 2008. Sus actuaciones incluyeron un concierto de estrellas ochenteras en Polonia, donde compartieron escenario con Kim Wilde, Samantha Fox, Sandra (la de la canción Maria Magdalena), Sabrina y el ex-Modern Talking Thomas Anders. Para ese entonces, la banda comenzó a escribir nuevo material y se embarcó en giras por el Reino Unido y Alemania en Septiembre de 2009.

¿Qué hay de nuevo con el cantante? El pasado 12 de Junio, Kajagoogoo lanzó su single Death Defying Headlines, el primero en 28 años, con la formación original del grupo. Esta información la consigna el sitio oficial de Limahl. Y si de apariciones en TV hablamos, el cantante apareció comentando en Los 100 Más Grandiosos One Hit Wonders de los 80's, de VH1, mientras sonaba Too Shy, y recordó esos tiempos con Kajagoogoo.

The NeverEnding Story es una canción producida por Giorgio Moroder, escrita por él junto a Keith Forsey y lanzada en formatos 7" Single y 12" Maxi. Apareció primero en el soundtrack de la película La Historia Sin Fin (excepto en la versión alemana), de 1984. La voz femenina que acompaña a Limahl en la versión angloparlante es de Beth Anderson, mientras que la versión en francés (L'Histoire Sans Fin) es cantada por él junto a Ann Calvert. Como referencia al título de la canción y de la película, el single no tiene un inicio ni un final claro, lo que se llaman efectos fade-in y fade-out. Los rankings para The NeverEnding Story: #17 en el Billboard Hot 100, #4 en el UK Singles Chart, #1 en Noruega, Suecia y Japón (el Oricon International Singles Chart), y #2 en Alemania, Austria e Italia.

Luego de toda esta historia antes, durante y después de Kajagoogoo, nos quedó claro quién es el hombre detrás del seudónimo (y del peinado). Sinceramente, ochenteros/as y no tanto, ¿cómo prefieren que cante Limahl? ¿En Too Shy de Kajagoogoo o en este hit solista? Como sea, no hay que desconocer el talento del inglés que ha aparecido en sus dos encarnaciones en este Museo. Por ahora, DJ Empire trae los links a letras, video original y video para la película del mismo nombre. Esto es The NeverEnding Story...

Limahl - The NeverEnding Story (Lyrics)

Limahl - The NeverEnding Story (Official Video)

Limahl - The NeverEnding Story (Video for the Movie)

Y bien, estimados/as, hemos pasado la historia de un cantante que ha retomado su carrera musical a pesar de las dificultades posteriores. Y de paso DJ Empire cerró el doble capítulo de Kajagoogoo y Limahl, la visión del grupo versus la del vocalista. La próxima semana, DJ Candidato irá a One Hit Wonderlandia para buscar otra joyita que creíamos perdida en el camino. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Mary Jane Girls - In My House

2011-08-14T00:55:00.002-03:00

Una vez más, El Museo del One Hit Wonder abre sus puertas a otra canción que por largos años ha sido relegada a un segundo o tercer plano...pero que hoy tendrá su ceremonia de rehabilitación en los podios musicales. Soy vuestro anfitrión, DJ Candidato, y les daré un paseo por la nostalgia ochentera que personalmente estoy cubriendo desde hace varias entregas. Esta semana, corresponde homenajear a unas precursoras de las "girl bands": antes de las Spice Girls, Destiny´s Child, All Saints y otras agrupaciones femeninas, este cuarteto llevó la batuta de la presencia femenina potenciada. Les presentamos a las estadounidenses Mary Jane Girls con el tema In My House.

A finales de los 70´s, el productor y cantante Rick James (conocido por canciones como Super Freak) tenía a Joanne "JoJo" McDuffie como una de sus colaboradoras en los coros y decidió jugársela por darle un proyecto en solitario para lo cual tenía a las Water Sisters (Kimberly "Maxi" Wuletich, Candice "Candi" Ghant y Cheryl "Cheri Wells" Bailey). Como el sello Motown quiso apoderarse del proyecto, Rick James les mintió diciéndoles que eran todas un grupo y no el proyecto solista de JoJo McDuffie. Se pusieron por nombre Mary Jane Girls y el mito urbano afirma que se debió al gusto de James por la marihuana (llamada "Mary Jane" en Estados Unidos).

Cada una de las chicas tomó un rol fetichista para, claro está, hacer que el público femenino se identifique con ellas y el masculino se sienta atraído: JoJo era la sexy, Maxi era la chica en trajes de cuero, Candi era la vampiresa y Cheri hacía las veces de chica sencilla. Y aunque se formaron en 1979, recién cuatro años después lanzaron su primer disco titulado de forma homónima y que tuvo con canciones como Candy Man, All Night Long y Boys buenos lugares en los charts de música Dance y R&B pero no trascendieron más allá. Pasaron un par de años para que la suerte de las Mary Jane Girls cambiara con su segundo disco, llamado Only Four You.

El primer sencillo de esta segunda placa del grupo se llamó In My House y no sólo acaparó los charts más sectoriales sino que trepó al 7° puesto del Billboard Hot 100 y estuvo tres meses dentro del Top 40; sin embargo, los siguientes sencillos no pegaron tanto como In My House. En 1986, las chicas hicieron un cover de Walk Like a Man, una canción de Frankie Valli & the Four Seasons, para la banda sonora de la película El Gran Enredo y ya estaban en conversaciones para el disco que sucedería a Only Four You, llamado inicialmente Conversation; además, Yvette "Corvette" Marine había ingresado en reemplazo de Cheryl Bailey.

Pero los problemas no tardarían en llegar con las disputas entre el sello Motown y Rick James, además de las particulares dificultades de este último con las drogas...lo anterior derivó en la poca promoción de los sencillos secundarios de Only Four You y en la posterior separación del grupo que, además, no tenía un buen clima interno producto de la predilección que James siempre tuvo por JoJo McDuffie. Más adelante, en los años 1994 y 2001, Motown lanzaría discos de compilación de las Mary Jane Girls que tuvieron escasa repercusión.

Jojo McDuffie consiguió una carrera en solitario y también compuso para series de TV y películas además de salir de gira con estrellas como Barry White. Cheri Wells Bailey pasó a ser la vocalista del grupo The DayZs y vive en Portland (Oregon). Candi Ghant (quien sigue en la música) y Maxi Wuletich (convertida en una famosa chef de TV) se unieron a McDuffie en 1995 para el proyecto MJG pero lo abandonaron dos años más tarde. Y en cuanto a Corvette Marine, demandó a Virgin Records en 1991 alegando que había puesto su voz para tres canciones de Paula Abdul, denuncia denegada por un jurado en 1993; ahora, está casada y con dos hijos.

Lo último que se supo de las Mary Jane Girls fue que, en el año 2010, intentaron formarse una vez más. Cheri Wells Bailey y Maxi Wuletich llevaron la iniciativa pero se encontraron con la negativa tanto de Jojo McDuffie como de Corvette Marine (a Candi Ghant, aparentemente, ni le preguntaron); ante esta situación, se decide reclutar a GiGi y Nikki como las nuevas Mary Jane Girls que salen de gira en el circuito de la nostalgia ochentera sin planes inmediatos de lanzar una nueva producción.

In My House fue el primer sencillo y el primer track de Only Four You (Gordy Records/Motown Records, 1985), segunda placa de las Mary Jane Girls; la canción fue escrita y producida por Rick James. Generó polémica en Estados Unidos ya que el Centro de Padres para Recursos Musicales alegó sobre el contenido sexual de la canción y la incluyó dentro de un listado de grupos considerados obscenos; la banda se defendió diciendo que la letra hablaba de amor. De todos modos, sus peaks en los charts fueron, aparte del 7° lugar en el Billboard Hot 100, el 3° puesto en el de R&B y el tope en el de Dance. Por cierto que su video se caracteriza por los roles antes señalados de cada una de las integrantes así que, sin más dilaciones, DJ Candidato les presenta tanto las letras como el video de esta canción...

Mary Jane Girls - In My House (Lyrics)

Mary Jane Girls - In My House (Video)

Y bueno, me retiro por un tiempo con el deber y el placer cumplidos de presentarles una canción más que tiene sus galones ganados por ser el único éxito de un solista o de una banda (y eso no es menor). Me despido como DJ Candidato invitándoles, primeramente, a comentar esta canción llena de una sensualidad más inocente pero no por ello menos eficaz y sugerirnos otras melodías que pudieran ser aquí incluidas; y tan importante como lo anterior, contarles que la próxima semana será DJ Empire quien nos llevará a un nuevo viaje sonoro para buscar a esos héroes despreciados. Gracias por visitar El Museo del One Hit Wonder y recuerden llevar siempre la música con Ustedes. ¡Hasta pronto!

Ten Sharp - You

2011-08-07T00:50:00.001-03:00

Qué tal estimados/as, DJ Empire está de vuelta en el Museo. Siguiendo con los noventerismos, a ver, gente, ¿se acuerdan de una balada que empezaba con un solo de piano y el "you, you are always on my mind" en el coro? Pues bien, esta canción que lleva 20 años sonando en las radios, aunque es angloparlante, es de una banda holandesa. Como tantas bandas que recurrieron a cantar en inglés para internacionalizarse, nuestros siguientes invitados eligieron este idioma, una letra muy sentimental y ese solo de piano que pasó la prueba del tiempo. Tras esta intro, DJ Empire presenta al grupo Ten Sharp con su hit You.

A comienzos de 1982 se inició esta historia como una banda llamada Streets, que resultó de la fusión de dos bandas que eran rivales, Prizoner y Pin-Up. Influenciados por Thin Lizzy, ellos empezaron a componer canciones rockeras y tocar principalmente en Purmerend y en sus alrededores. Su primer evento fue en el Hutspop Festival en Marzo 3 de 1982, y la formación que subió al escenario fue: Marcel Kapteijn en voz y guitarra, Niels Hermes en teclados, Martin Boers en guitarra, Ton Groen en bajo y Joop van de Berg en la batería. En el verano (boreal) de ese año, Van de Berg abandona el grupo y es reemplazado por Wil Bouwes de Neon Graffitti. Por varios años conservan esta alineación. En 1983, tras el robo de un sintetizador que lograron suplir con la compra de los Roland JX-3P y Yamaha DX7, se establecen en Fort Spijkerboor. Al año siguiente graban un demo y captan la atención de CBS Records, compañía para la cual registran unas canciones, incluyendo la versión demo de When the Snow Falls. Los planes de Streets de lanzar el primer single quedaron en nada cuando CBS repara en que hay otra banda en EE.UU. con el mismo nombre de los holandeses. En Octubre de 1984 dan con su denominación definitiva, Ten Sharp.

Es Enero de 1985 y Ten Sharp lanza su primer single, When the Snow Falls. Luego de éste lanzaron los singles Japanese Lovesong y Last Words. Luego de un año de grabar demos y de irse de gira por toda Holanda, Ten Sharp grabó su cuarto single, Way of the West, una canción más guitarrera que no pudo rankear. CBS no estuvo conforme con la canción y desechó a la banda. En 1987 tocan su último show como quinteto. En paralelo con la banda, Niels Hermes y Ton Groen escriben canciones para otros artistas. Tras dos años de ocuparse de esa labor, Niels y Ton le piden a Marcel Kapteijn que cante en los demos que ya incluían Ain't My Beatin Heart y You. Sony Music escuchó esos demos, se interesaron por las canciones con la voz de Marcel. Así Ten Sharp quedó con Marcel Kapteijn en voz, Niels Hermes en teclados y composición, y Ton Groen como letrista.

A fines de 1990 Ten Sharp grabó 6 canciones nuevas en el Studio Spitsbergen con Michiel Hoogenboezem como productor. Así, bajo la supervisión de este productor, grabaron su primer disco, llamado Under the Water Line en honor a la forma en que prefieren trabajar: en las sombras. El disco se lanzó en 1991 junto con su single You, el cual se convirtió rápidamente en un hit a nivel nacional, tal como el álbum. La banda giró por toda Europa para promocionar el single en TV y radioemisoras. Tras You, lanzaron otros singles, como When the Spirit Slips Away, Rich Man y el relanzamiento de When the Snow Falls.

A ese exitoso primer disco de Ten Sharp le siguió The Fire Inside en 1993, que sonó más intenso e intimista que su predecesor. Se lanzó junto con el primer single, Dreamhome (Dream On), que pudo rankearse en Holanda. Sin embargo, esta situación no se repitió con el segundo, Lines On Your Face. En 1994 lanzaron el tercer single, Rumours in the City, inspirado en un viaje promocional en Argentina hecho dos años antes. Al año siguiente, Ten Sharp publicó su tercer disco, Shop of Memories, que no consiguió el mismo éxito de lo anteriormente lanzado. Su último álbum noventero fue Roots Live de 1996.

Iniciando la nueva década, Ten Sharp lanzó en 2000 un grandes éxitos, Everything and More (The Best Of), que incluyó dos singles inéditos: Beautiful y Everything. Y en 2003 publicaron su último trabajo de estudio, Stay, que contó con la canción One Love como single promocional. Y desde ese entonces que no se han reportado noticias importantes sobre los holandeses.

You es una canción escrita por Ton Groen y Niels Hermes, producida por el mismo Hermes junto con Michiel Hoogenboezem y lanzada en formatos CD Single, CD Maxi, 12" Single y 12" Maxi. A causa de la alineación (Hermes, Groen y el cantante Marcel Kapteijn), Ten Sharp la presentó en vivo sólo con piano y voces, y algunas veces contaban con Tom Barlage como saxofonista invitado. Las ubicaciones para el single de Ten Sharp: #3 en el Dutch Top 40, #1 en Francia, Noruega y Suecia, y #10 en el UK Singles Chart.

El dato Caída de Carnet de DJ Empire: Por si no lo recuerdan, el español Marcos Llunas, hijo del cantante y compositor Dyango, hizo una versión en castellano. En este link revisarán este cover llamado Tú, que si bien mantiene el mismo beat y la atmósfera romántica, no tuvo tanta repercusión en Chile como sus otros singles. Y por supuesto, como los noventas han estado siempre en la mente de los DJs de este local, acá van los links a letras y video de Ten Sharp, simplemente You...

Ten Sharp - You (Lyrics)

Ten Sharp - You (Video)

Y así es como su servidora DJ Empire viajó a los noventas para traerles ese hit que hizo demostrar que hay solos de piano tan memorables para muchos/as, por muy melosa que resulte la canción. La próxima semana, DJ Candidato activará la máquina del tiempo para encontrar a ese artista que brilló con un single tan exitoso que opacó todo lo demás. Hasta el próximo One Hit Wonder.

E. U. - Da Butt

2011-07-30T14:40:00.001-03:00

Hola, ¿qué tal? Pasen una vez más a El Museo del One Hit Wonder, el lugar donde esas canciones que fueron el puente musical para que unos desconocidos pasasen a ser fenómeno de masas tienen su lugar. Soy DJ Candidato, su anfitrión por esta semana quien les invita a ver y escuchar al artista invitado de esta semana; antes de Pitbull, Illya Kuryaky & The Valderramas y tantos otros que nos invitaban a mover el trasero, hubo otro grupo que a finales de los 80´s y de la mano de un director de cine que apuntaba para grande, nos inducía a lo mismo. Les traemos esta semana a los norteamericanos de E. U. con el tema Da Butt.

La carrera de Experience Unlimited (nombre oficial y extendido de la banda) se remonta a mediados de los 70´s, cultivando un estilo más bien del tipo go-go. Y si bien los integrantes del grupo iban y salían con frecuencia, el líder notorio era el cantante y guitarrista Gregory "Sugarbear" Eliot, un carismático afro-americano que ayudaba a que la banda mantuviese con los años una leal base de seguidores. El primer disco del grupo data de 1976 y se llama tal como la banda: Experience Unlimited.

Hacia finales de los 80´s, E. U. seguía en actividad y ya había sacado cinco discos, siendo el más reciente Rock Yuh Butt, de 1988. Por ese año, un director de cine afro-americano llamado Spike Lee decidió hacer un film mezcla de música y drama inspirado en sus experiencias universitarias en dos instituciones de Atlanta; el título sería School Daze y tendría entre su elenco a actores de la talla de Laurence Fishburne y Samuel L. Jackson. Para la banda sonora del film (que tuvo a Stevie Wonder como uno de los productores) decidieron recurrir a E. U. para que interpretarse uno de los temas ya escritos.

Quizás con el título de su último disco en mente, Spike Lee les sugirió a E. U. que interpretasen el tema Da Butt y resultó un éxito, tanto por estar inserta en una película de nicho claramente afro-americano como por la coreografía a la que la misma letra invitaba en pasos simples a mover el trasero de forma sexy. Aparte de aparecer en la banda sonora de School Daze, E. U. puso la canción (como Da Butt '89) en su sexto disco de estudio llamado Livin´ Large (1989), que fue el primero en aparecer en los charts aunque fuera en posiciones más bien secundarias.

Tras otro disco de éxito limitado como Cold Kickin´ It (1990) y aprovechar esos años de fama que los tuvieron en escenarios de hasta 20.000 personas (cuando antes no pasaban de locales con 1.500 espectadores), E. U. fue desapareciendo del interés masivo entrando los 90´s. Pero cuando casi se les daba por disueltos, en 1996 y junto con lanzar el que hasta hoy es su último disco de estudio (Make Money), la banda se asoció con la destacada cantante de sesión de estilos como el jazz y el gospel, Maiesha Rashad.

De cuando en cuando, Maiesha and The Hip Huggers tienen de invitados en sus conciertos y beneficios a Experience Unlimited. Aparte de eso, Gregory "Sugarbear" Eliot (quien siempre ha estado orgulloso de ser un one hit wonder) se dedica a ser profesor para niños con necesidad de atenciones especiales y, según sus palabras, ese trabajo le hace sentirse tan orgulloso como lo logrado con Da Butt. Igual, con una nueva formación de E. U., de repente hacen giras por el circuito de la nostalgia y la canción caló tan hondo que es un hit seguro en vivo.

Da Butt fue el primer sencillo y primer track de la banda sonora de la película School Daze (1988, EMI/Manhattan Records) y, más adelante, single principal (y octavo track) del disco de E. U. Livin´ Large (1989, Warner Records). Compuesto por Marcus Miller y Mark Stevens, la canción llegó al tope de las listas de los sencillos de R&B de Estados Unidos y, en el Billboard Hot 100, alcanzó el lugar 35. Para que se contagien con el ritmo y muevan el trasero como se debe de hacer desde el comienzo, DJ Candidato les trae tanto las letras como el video de esta canción...

E. U. - Da Butt (Lyrics)

E. U. - Da Butt (Video)

Y es el aporte tanto al baile como a la música que hace vuestro servidor, DJ Candidato, para acrecentar aún más la colección de one hit wonders que acá tenemos. Me despido, no sin antes invitarles a que pasen, comenten y sugieran nuevas melodías para ser consideradas de ser incluídas en el Museo. La próxima semana, los controles los tomará DJ Empire, quien nos hará volver a tiempos no tan pasados pero que sin duda nos llegarán al recuerdo cuando aparezca otra canción digna de ser exhibida en El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y recuerden llevar siempre la música con ustedes. ¡Hasta la próxima!

The Proclaimers - I'm Gonna Be (500 Miles)

2011-07-23T18:00:00.001-03:00

Qué tal, estimados/as, DJ Empire trae una canción al Museo. El siguiente hit es lo que llamaríamos un noventerismo con delay. ¿Cómo así? Salió en el Reino Unido en 1988, pero se relanzó en Estados Unidos en la primera mitad de los 90's. Y el caso es que son dos hermanos gemelos, caso que no se daba desde que posteé a The Breeders, la banda que Kim Deal formó junto a su hermana Kelley tras la ruptura de Pixies. Estos rubios de lentes pegaron fuerte en las radios con un hit muy melódico y con sus voces que armonizaban a la perfección. Es el dúo británico The Proclaimers con su hit I'm Gonna Be (500 Miles).

Los hermanos Charlie y Craig Reid nacieron en 1962 en Leith, Escocia; y se criaron en Edinburgo, en Cornualles y en Auchtermuchty. Tras tocar en varias bandas punk rock en el colegio, estos gemelos formaron The Proclaimers en 1983. Comenzaron a captar la atención del público cuando un fan de ellos, oriundo de Inverness, envió su demo a la banda The Housemartins, quienes se impresionaron lo suficiente para invitar a The Proclaimers para el tour de 1986. Esta exposición en el tour le valió una aparición en el programa de TV The Tube del Channel Four. Tuvieron su primer éxito con Letter from America (#3 del UK Singles Chart), y el álbum que la incluye, This is the Story, lanzado en 1987, consiguió el Disco de Oro. En 1988 lanzaron el disco Sunshine on Leith, que incluyó tres singles, el que da título al disco (que fue utilizada por el Hibernian Football Club), I'm On Your Way y I'm Gonna Be (500 Miles). El éxito fuera del Reino Unido llegó cinco años después que salió el disco, con la reedición de I'm Gonna Be (500 Miles) en 1993, situándose en dos rankings de Billboard. Como resultado de esto, Sunshine on Leith consiguió Disco de Platino en UK (#6 en el UK Single Chart) y Disco de Oro en EE.UU. (#31 en el Billboard 200).

En 1990 The Proclaimers lanzaron un EP llamado King of the Road, del cual su single homónimo rankeó #9 del UK Singles Chart. Para Marzo de 1994 el dúo publicó el tercer disco, Hit the Highway, que alcanzó el Disco de Plata en el UK. En el intertanto, los gemelos se tomaron un receso que duró hasta Mayo de 2001, cuando lanzaron su disco Persevere, el cuarto de su discografía. El álbum no alcanzó el mismo éxito de su anterior trabajo, notándose en su #61 en el ranking de UK y estar fuera de las certificaciones de ventas. Así también se dio con los discos Born Innocent (2003) y Restless Soul (2005). En 2005 empezaron a grabar lo que sería su séptimo álbum, y al año siguiente anuncian su participación en una campaña para liberar a un amigo escocés, Kenny Richey, de su sentencia a pena de muerte en Ohio. Para ese propósito los gemelos tocaron en un concierto benéfico. Y también se declaran defensores de la independencia de Escocia, como lo demostraron en su tour de 2007, siendo activistas del Partido Nacional Escocés. Pero Charlie Reid anunció su adhesión al Partido Socialista Escocés, en protesta por los ingresos que el PNE recibió de grandes empresas.

Para Marzo de 2007, The Proclaimers lanzó una nueva versión del hit I'm Gonna Be (500 Miles), con la participación de dos personajes de comedia televisiva, Andy Pipkin (interpretado por Matt Lucas) y Brian Potter (por Peter Kay), para la campaña benéfica Comic Relief. Esta versión se incluyó en una reedición 2007 del The Best of The Proclaimers, editado originalmente en 2002. Y en 2009 lanzaron su último disco a la fecha, Notes & Rhymes, junto a un EP llamado 17 (Acoustic EP). En Noviembre de ese mismo año, el dúo tocó en calidad de banda soporte de The B-52s para su Funplex Tour en Australia y Nueva Zelanda. En 2010, participaron junto al músico Billy Bragg en un show llamado Retrieve, que busca erradicar la pena de muerte. Y también apoyan otras causas, como The Lighthouse Foundation (para víctimas de adicciones), AICR (investigación para curar el cáncer), Drake Music Scotland (ayuda para minusválidos en Escocia a través de la música) y 500 Miles (personas amputadas o minusválidas en África).

I'm Gonna Be (500 Miles) es una canción escrita por The Proclaimers, producida por Pete Wingfield y lanzada en formatos 7", Cassette Single y CD Single. La canción apareció en el soundtrack de la película Benny and Joon, de 1993. Las ubicaciones para I'm Gonna Be (500 Miles) fueron #11 en el UK Singles Chart, #3 en el Billboard Hot 100 y #21 en el Billboard Modern Rock Tracks. Para la reedición de 2007, con los personajes Brian Potter (de Phoenix Nights) y Andy Pipkin (de Little Britain), se cambió parte de la letra, con "roll 500 miles" en vez de "walk 500 miles", debido a que los personajes andan en silla de ruedas. Esta versión alcanzó el #3 en el UK Singles Chart sólo en descargas digitales, y en una semana subió al #1.

El dato de DJ Empire: En Los 40 Más Grandiosos One Hit Wonders de los 90's, de VH1 (emitido originalmente en Abril 03 de 2011), I'm Gonna Be (500 Miles) rankeó #33, esto debido a la aparición del single en los EE.UU. en 1993, cinco años después de la publicación en el UK. Para ustedes, nostálgicos/as de los noventas, DJ Empire les deja con los links a sus letras y a tres videos: el original, la versión 2007 del Comic Relief y una versión en vivo para el Live 8 de 2005, que dejamos en cabecera hasta el próximo post. Con ustedes, rock escocés que vale por dos, con The Proclaimers...

The Proclaimers - I'm Gonna Be (500 Miles) - Lyrics

The Proclaimers - I'm Gonna Be (500 Miles) - Video

The Proclaimers - I'm Gonna Be (500 Miles) - Comic Relief version (2007)

The Proclaimers - I'm Gonna Be (500 Miles) - Live 8 (Edimburgo, 2005)

Y es así como DJ Empire les dejó con el hit de unos gemelos escoceses que demostraron que el rock podía ir de la mano con las causas justas. La próxima semana, DJ Candidato les trae otro pedacito de One Hit Wonderlandia para deleite de quienes buscan únicos hits en este Museo. Hasta el próximo One Hit Wondder.

T'Pau - Heart and Soul

2011-07-17T00:55:00.060-03:00

Bienvenidos, como cada semana, a este encuentro con la nostalgia musical y el recuerdo de los olvidados llamado El Museo del One Hit Wonder. Esta vez, es DJ Candidato quien hará las veces de anfitrión y presentador de una nueva canción que tiene su espacio ganado por ser el único hit de un grupo de músicos que, aunque trataron de llegar más allá, no lo consiguieron. Esta vez, nos trasladamos al otro lado del Atlántico, donde un grupo de ingleses dieron batalla a finales de los 80´s por hacerse un lugar en la música. Desde Shropshire, Inglaterra, les presentamos a la banda T'Pau con la canción Heart and Soul.

Originalmente, el grupo se llamó Talking America en sus primeros demos grabados en 1986, pero cambiaron a T'Pau por una diosa volcánica que aparecía en la entrega original de la serie de TV Viaje a las Estrellas (Star Trek). El éxito les llegó a la primera intentona con su disco Bridge of Spies que pasó desapercibido al comienzo en su país natal, pero fue una venturosa intervención mediática la que los puso en el primer plano: sucedió que la compañía de ropa Pepe Jeans utilizó una de las canciones del disco para su campaña publicitaria y la escogida fue Heart and Soul. Tras ello, trepó al primer lugar del Billboard Hot 100 de Estados Unidos y, con rezago, hacer lo propio en los charts británicos.

Impulsados por el éxito y los premios recibidos en el Reino Unido, la banda conformada por la cantante y compositora Carol Decker, los guitarristas Dean Howard y Ronnie Rogers, el baterista Tim Burguess, el tecladista Michael Chetwood y el bajista Paul Jackson (el guitarrista Taj Wyzgowski ya se había retirado del grupo) decidieron grabar en cuanto fuera posible un nuevo disco, el cual vio la luz en 1988 y llevó por título Rage que, si bien tuvo un single exitoso llamado Secret Garden, no llegó muy lejos más allá de Gran Bretaña. Y en 1991, tras la edición del tercer disco del grupo, llamado The Promise, T'Pau se separó.

Pasaron siete años y dos discos de grandes éxitos en medio para que Carol Decker se decidiera a reformar la banda con nuevos integrantes y un cuarto disco de estudio lanzado en 1998 bajo el nombre de Red, el cual sería el último de la banda en estudio; en 2003 lanzaron un compilado de grandes canciones en vivo pero, desde allí, se han dedicado al circuito de la nostalgia ochentera donde, en sus presentaciones, Ronnie Rogers aprovecha de hacer covers de The Monkees, Petula Clark y The Left Banke mientras Carol Decker se cambia de vestuario. En 2007, celebrando los 20 años del grupo, Decker y Rogers lanzaron sólo en Internet el single Just Dream, que es el último material fresco del grupo.

La última actividad masiva conocida de T'Pau es un recital en el año 2008 ante 9000 personas en Shrewsbury, muy cerca de la ciudad natal de muchos de los integrantes del grupo; de todos modos, se siguen presentando en lugares varios y más íntimos como el Scone Palace de Perthshire del 29 al 31 de Julio. Hoy por hoy, Carol Decker está casada y es co-propietaria de un restaurant en Stoke Row, Inglaterra. Dean Howard salió de gira con Ian Gillan y ahora está en la banda Air Race. Ronnie Rogers colabora de cuando en cuando con T'Pau pero toca habitualmente en The Ronaldos así como lo hace Paul Jackson en el grupo Dawson.

Heart and Soul fue el primer sencillo y el primer track del disco debut de la banda, titulado originalmente Bridge of Spies (Siren y Virgin, 1987) y que en Estados Unidos se editó bajo el nombre de T'Pau. El single fue lanzado el 6 de Junio de 1987 y compuesto por Carol Decker y Ronnie Rogers bajo la producción de Roy Thomas Baker. Aunque sólo alcanzó el tope de los ránkings en Estados Unidos y Canadá, obtuvo Top 10 en Irlanda, Nueva Zelandia y Suiza además del Reino Unido; en 2008, fue incluida como parte de la banda sonora del videojuego Grand Theft Auto: Episodes from Liberty City. Y, como ya fue dicho, fue el sonido de un comercial de Pepe Jeans en el año 1987.

Para refrescar aún más vuestra memoria, como se acostumbra a realizar en el Museo, DJ Candidato ahora les trae la letra y el video de esta canción...

T'Pau - Heart and Soul (Lyrics)

T'Pau - Heart and Soul (Video)

Y es la reseña dedicada al artista de la semana en El Museo del One Hit Wonder. Como siempre, esperamos que lo hayan disfrutado y no olviden realizar sugerencias y comentarios acerca de ésta u otras canciones que ya están en nuestras paredes virtuales o que Ustedes pudieran considerar como tales. La próxima semana, será DJ Empire quien nos deleite con otro rescate musical de aquéllos para despertar nuestros circuitos de la memoria y recordar los nombres de quienes iluminaron por un tiempo justo los caminos de la música. Por mi parte, me despido hasta una pronta ocasión; soy DJ Candidato y recuerden llevar siempre la música con ustedes. ¡Hasta la próxima!

Sir Mix-a-Lot - Baby Got Back

2011-07-09T22:22:00.000-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire de nuevo en el Museo. Hace poquito, revisando el Facebook de Radio Horizonte, veo la sección "Un Día como Hoy", y algo llamó mi atención: Un 4 de Julio, hace 19 años, llegó al Número 1 el single que reseñaremos a continuación. Esto me motivó a escribir este artículo, sumado al hecho de que su responsable es comentarista frecuente de los rankings 100+ de VH1. Perteneciente a la hip-hopería noventera, he aquí la voz de un hombre al que le gustan los traseros grandes, y no es chiste. Sí, gente, es el rapero estadounidense Sir Mix-a-Lot con su hit Baby Got Back.

En Seattle, Washington, mucho antes de convertirse en la cuna del Grunge, nació nuestro personaje bajo el nombre Anthony Ray, un 12 de Agosto de 1963. Su primer trabajo musical fue en 1986, cuando este MC (emcee), ya con el alias Sir Mix-a-Lot, fundó el sello Nastymix junto a su DJ, Nasty Nes. El primer single que lanzó Sir Mix-a-Lot bajo este sello es Posse on Broadway, en 1987. Al año siguiente nuestro MC lanzó su primer disco, Swass, que incluyó este single y dos más, Square-Dance Rap y un cover hip-hop del tema Iron Man (de Black Sabbath) junto a la banda Metal Church. En 1989, Sir Mix-a-Lot publicó su segundo álbum, Seminar. Estos dos discos obtuvieron sus respectivas certificaciones con Disco de Platino y Disco de Oro.

Entrando a la nueva década, en 1992, Sir Mix-a-Lot debutó en el sello Def American, el cual re-editó sus dos primeros discos. Ese mismo año, nuestro MC lanzó su tercer álbum, Mack Daddy (bajo sello Def American), que fue el primero en etiquetarse con el aviso de PARENTAL ADVISORY. El disco logró ser un éxito, merecedor del Disco de Platino, gracias a esa sincera declaración de principios que fue su hit Baby Got Back, causante de tal infame etiqueta. En 1993, Sir Mix-a-Lot colaboró con la banda de Seattle Mudhoney para la canción Freak Momma, incluida en la banda sonora del film Judgment Night, donde colaboraron duetos de rock/metal y hip-hop. Y en 1994, el MC publica su cuarto disco, Chief Boot Knocka, bajo sello Sony, que no alcanzó ventas millonarias como sus predecesores.

Para el quinto álbum de Sir Mix-a-Lot, Return of the Bumpasaurus (1996), hubo muy poca promoción, lo que llevó al MC a dejar el sello Def American. En el intertanto, se asoció con la banda The Presidents of the United States of America, en un proyecto llamado Subset, una combinación de rap y rock. Nada se pudo lanzar oficialmente de este proyecto. Siete años después del último disco noventero, 2003, Sir Mix-a-Lot firmó contrato con el sello independiente Artist Direct, para el cual lanzó su sexto álbum, Daddy's Home. Y en 2010, el MC anuncia un nuevo disco, Dun 4Got About Mix, del cual se dio un adelanto, el single Carz. Aún no hay fecha de lanzamiento para este disco, pero se presume que estaría para algún mes de 2011.

Pero Sir Mix-a-Lot no sólo se ha dedicado a ser MC. Como dice su nombre artístico, ha trabajado en mezclas musicales. Y también se ha dado a conocer en la TV, empezando con la serie de 1995 The Watcher, del canal UPN, donde es el narrador omnisciente de ese drama al estilo Dimensión Desconocida. En 2006, Sir Mix-a-Lot apareció en el 17º episodio de Treehouse of Horror, de The Simpsons, donde canta Baby Likes Fat, parodia de su famoso hit. En 2009, fue narrador y comentarista del documental Wheedle's Groove, sobre la escena funk y soul del Seattle de los 60's y 70's. Y como mencionamos al comienzo, Sir Mix-a-Lot ha aparecido, con su sombrero y todo, comentando en varios rankings de VH1, como Los 100 One-Hit Wonders de los 80's (2009), Los 100 Más Grandiosos Artistas (2010) y Los 100 Momentos Más Impactantes de la Música (2009), entre otros.

Baby Got Back es una canción escrita y producida por Sir Mix-a-Lot para su disco Mack Daddy, lanzada como single en formatos Vinilo 7", Vinilo 12", Cassette Single y CD Single. El título de la canción es una jerga (slang) urbana, que podría traducirse como "ella tiene buen trasero". MTV censuró por un tiempo este video, a la vez que el single causó controversia por las letras, en las cuales el MC se refiere a la anatomía femenina. Pero no podemos negar que Baby Got Back se inserta en la tradición de música afro-americana que habla de la parte trasera de las mujeres, como (Shake Shake Shake) Shake Your Booty (KC and the Sunshine Band) o Da Butt (E.U. o Experience Unlimited). Las ubicaciones Billboard para Baby Got Back: #1 en el Hot 100, #27 en el Hot R&B/Hip-Hop Songs, #7 en el Hot Rap Tracks y #5 en el Hot Dance Club Songs.

El dato adicional de DJ Empire: Baby Got Back apareció en dos rankings de VH1: #17 en las 100 Más Grandiosas Canciones del Hip-Hop (2008) y #6 en Las 100 Más Grandiosas Canciones de los 90's, junto con los comentarios de su autor. Y además, tevitos/as, el Dato Friends: En el episodio 7 de la temporada 9, llamado "The One with Ross's Inappropiate Song" (14/11/2002), Ross Geller (David Schwimmer) hace reír a la bebé Emma, su hija con Rachel Green (Jennifer Aniston), cantándole Baby Got Back. En fin, estimados/as, si al escuchar este hit sienten que se les mueve el trasero, es que no hay manera de escapar del beat, el cual demuestra (como muchos otros hits) que pasó la prueba del tiempo. DJ Empire presenta los links a letras y video. Con ustedes, Sir Mix-a-Lot...

Sir Mix-a-Lot - Baby Got Back (Lyrics)

Sir Mix-a-Lot - Baby Got Back (Video)

Y así es como DJ Empire pasó revista a un MC que destacó por su sinceridad, al decir que le gustan las mujeres con gran trasero. La próxima semana, DJ Candidato desempolva otro único éxito proveniente de algún artista que ha estado fuera del radar por estos días. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Aldo Nova - Fantasy

2011-07-02T23:00:00.002-03:00

Una vez más, DJ Candidato se hace presente para darles la bienvenida a El Museo del One Hit Wonder, el lugar donde esos artistas que tuvieron su minuto de gloria y que fueron olvidados al poco andar son rescatados para el grato recuerdo o el placer culpable de quienes pasen por este lugar. Para esta semana, les traigo a un cantante proveniente de Canadá aprovechando que hace unos días se cumplió un nuevo Aniversario de la Independencia de aquel país; este artista, sin duda, se empapó de lo que era el espíritu fantasioso de los 80´s en la apariencia, llevándolo a un nivel casi hilarante. El personaje de la semana en este Museo es el canadiense Aldo Nova y su canción Fantasy.

Nacido como Aldo Caporuscio el 13 de Noviembre de 1956 en la ciudad de Montreal (Canadá), estaba decidido a realizar carrera en el mundo de la música y, tras golpear muchas puertas, en 1981 logró que el sello Portrait Records lo contratara y, aunque no tenía en apariencia la experiencia para ello, el mismo Aldo Nova (su nombre artístico) se animó a producir su homónimo disco debut. Muchos pensaron que era casi un suicidio musical...pero el punto es que Aldo Nova dio el palo al gato con su entrada en la música y ese disco llegaría a ser Doble Platino en Estados Unidos gracias a los sencillos Fantasy y Foolin´ Yourself.

Pasaron dos años más para que Aldo lanzara su siguiente disco, titulado Subject...Aldo Nova; pero ya la impresión positiva del comienzo se fue diluyendo y tuvo un éxito menor con el hit Monkey on Your Back. Pensando que había sido sólo un paso en falso, en 1985 Aldo Nova aparece con un nuevo trabajo en las disquerías como fue Twitch...pero ninguna canción de esta producción apareció en los charts y fue cuando Aldo (quien no sólo cantaba, sino que también tocaba guitarra y teclados) decidió dedicarse a componer temas para otros artistas como Blue Öyster Cult y Céline Dion.

Así y todo, las ganas de estar en primera fila siempre son más fuertes y, apoyado por su buen amigo Jon Bon Jovi, Aldo volvió a grabar un disco en 1991 que se llamó Blood on the Bricks y que tuvo una discreta recepción principalmente en su país natal y con la estela dejada por su famoso amigo de quien, de hecho, hasta copiaba el vestuario dejando los estrambóticos ropajes de hace una década atrás. El último disco de estudio de Aldo Nova data de 1997 y se tituló Nova´s Dream, que pasó totalmente desapercibido. Desde ese entonces, se lanzaron un par de compilaciones de su música en 2006 y 2007.

Pero el bueno de Aldo no se echó a morir y, ya que hizo un buen trabajo con Céline Dion (siendo instrumentista de estudio para ella), siguió componiendo canciones y hasta haciendo de productor para temas de Faith Hill, Jon Bon Jovi, la española Chenoa y con el ganador de American Idol Clay Aiken, con quien llegó al tope de las listas gracias a la canción This is The Night. Sus últimos trabajos datan de 2007, una vez más, con Céline Dion a quien le compuso cuatro canciones y, como nació en la zona francófona de Canadá, ha trabajado bastante con melodías en francés.

Fantasy es el primer sencillo y primer track del disco debut y homónimo de Aldo Nova, comercializado por Portrait Records en 1982 (aunque grabado en 1981) y tuvo al propio Nova en la composición y producción de la canción. Alcanzó el 3° puesto en el Mainstream Rock de Estados Unidos y el 23° lugar en el Billboard Hot 100, además de ubicarse 14° en los charts canadienses. Y aparte de los impresionantes solos de guitarra, el videoclip tenía la particularidad de la exageración como pasaba en los 80´s ya que se ve a Nova descendiendo de un helicóptero y haciendo estallar una puerta con su "guitarra láser"...sin contar su "animal print" de leopardo.

Pero bueno, esos detalles pueden verlos ahora en los enlaces que les llevarán tanto a la letra como al notable video de esta canción llamada Fantasy...

Aldo Nova - Fantasy (Lyrics)

Aldo Nova - Fantasy (Video)

Con este recuerdo mezcla de talento innato para la música y cursilería ochentera, DJ Candidato se despide invitándoles a que dejen sus comentarios y apreciaciones ya sea en éste o en otras reseñas que se han presentado en este lugar que ya va para los tres años y medio de existencia (son más de 170 las canciones cubiertas, de hecho...pero siempre hay espacio para alguna sugerencia que nos hagan). La próxima semana será DJ Empire quien tome la posta y nos entregue otra melodía con los merecimientos básicos para formar parte de esta exposición permanente que busca revivir la memoria musical. Por mi parte, me despido invitándoles a que lleven la música dentro de ustedes.

LaTour - People Are Still Having Sex

2011-06-26T00:15:00.001-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire con una nueva en el Museo. Por ahora, no me inclino al hip-hop como en estos dos últimos meses, pero sí rescato a un noventero que trae una verdad sobre un tema que a los sectores conservadores les parece tabú. Sí, el sexo es una necesidad biológica importante en el ser humano, que mucha gente lo disfruta sin hacer caso a la Iglesia y los políticos que discuten sobre "guardarse para el matrimonio". Y aunque este artista no es de los mejores noventeros, es innegable que mucha gente escuchó este hit de discoteca. Es el cantante y músico estadounidense LaTour con su éxito People Are Still Having Sex.

Nacido en Lowell, Massachussets, como William LaTour, este músico empezó como compositor de parodias musicales. Escribió su primera canción-parodia a los cinco años, y esto fue el inicio de su talento que más tarde desarrolló en un show de radio llamado Dr. Demento. Su primera parodia conocida fue Rock Me Jerry Lewis, sobre Rock Me Amadeus de Falco, la cual se convirtió en #1 del ranking de Dr. Demento. Por ese entonces el compositor se hacía llamar Bud LaTour, y recibió una llamada del mismo Jerry Lewis para utilizar esa canción-parodia como su tema de entrada en los shows. Así LaTour siguió con esa vertiente musical, la cual alternó con su trabajo en radio, que comenzó a los 16 años en la KUPD 97.9 de Phoenix, Arizona.

En lo musical, LaTour se desempeñó en los 90's como compositor de canciones dance, formando un equipo con el productor Terry "Housemaster" Baldwin, el cual llamaron L&B Project. Pero también se interesó por otro género musical, cuando en 1989 formó en Chicago el grupo punk-comedia The Squids, junto al cantante Joey Spatafora y otros integrantes que incluían al guitarrista Bolander Davis (quien falleció en 1996 y fue reemplazado por Robert Fesus). Y en medio de todo esto, se atrevió a lanzar su primer disco solista, el homónimo de 1991, bajo etiqueta Smash/Polydor Records. Fue en este álbum donde una canción de él llegó a tener éxito: People Are Still Having Sex.

De ese mismo disco debut, aparecieron tres singles, Blue, Involved y Cold, sólo esta última logró un #25 en el US Dance Chart. En 1993 LaTour lanzó su segundo álbum, Home on the Range, de donde salieron los singles E, Craziaskowboi y Hypomania. A éste le sigue un EP llamado The Project EP. Tras esto, LaTour deja de lanzar material en ese estilo dance, y se orientó hacia el rock, con una banda llamada Muzloh. Esta banda la completan Dave Hunt (de The Squids) en batería, Don Batryn en guitarra y Pete Shorner en bajo. Con esta formación lanzan su único disco, Supersonic Gold, bajo etiqueta Spoon Records. Tres años más tarde, 2000, la banda The Squids lanza su compilación en CD, 4 Floors of Whores - The Squids Collection, que compila sus cinco lanzamientos en cassette entre 1990 y 1994.

Además de ser músico, William LaTour es también actor de voz y toda una personalidad de radio. Desde 1983 que trabaja para este medio, empezando en la estación KZZP, bajo el nombre Bud LaTour. En 1986 deja la KZZP y se une a la KDKB de Arizona, para convertirse en su personalidad radial y director de producción. En 1987 asegura un puesto en una estación más grande, la WBBM-FM, también conocida como la B96, donde es director de producción. A mediados de 2009, LaTour se muda a Los Angeles a desarrollar sus dotes actorales y radiales. Desde Enero de 2010 que LaTour trabaja como director de producción en la KSWD 100.3, conocida como The Sound, de Los Angeles.

People Are Still Having Sex es una canción incluida en el disco LaTour de 1991, escrita y producida por el mismo William LaTour y lanzada en formatos 7", 12", CD Single y Cassette Single. La canción tiene melodía dance y la letra es un monólogo en el cual LaTour expone que "la gente en todo el mundo aún tiene sexo" y que, a pesar del riesgo que trajo la llegada del SIDA en los 80's, "nadie parece detener" a esa gente. De hecho, en este monólogo tenía la línea "This AIDS thing's not working" en la versión del álbum, siendo reemplazada por "This safe thing's not working" para la radiodifusión. Y el famoso órgano de iglesia que suena en el single es de El Fantasma de la Ópera. Las ubicaciones Billboard para People Are Still Having Sex: #35 en el Hot 100 y #1 en el Hot Dance Club Play. En el UK Singles Chart alcanzó el #15.

Dos datos de DJ Empire: 1. El video de este single que verán a continuación fue dirigido por H-Gun, la compañía responsable de los primeros videos de Nine Inch Nails y Ministry; y 2. Este mismo video apareció en el episodio "Temporary Insanity" de Beavis and Butt-head, de MTV (10/12/1994). DJ Empire trae los links a letras y video de este single que trata la preocupación de su creador por el sexo inseguro, ahora ya...
(Nota: Encontré el link con la letra sin censura a la palabra AIDS, perfect!)

LaTour - People Are Still Having Sex (Lyrics)

LaTour - People Are Still Having Sex (Video)

Y antes de cerrar el post, un consejo de DJ Empire: Si quieren tener sexo, apliquen sexo seguro (preservativos y otros métodos), así evitan consecuencias no deseadas y lo disfrutan mejor. La próxima semana, DJ Candidato rescata a otro artista que parecía estar olvidado tras hacerse conocido con un éxito radial. Hasta el próximo One Hit Wonder.

L. A. Guns - The Ballad of Jayne

2011-06-19T00:55:00.002-03:00

Sean todos bienvenidos a una nueva edición de El Museo del One Hit Wonder, el lugar donde esos éxitos que dieron 15 minutos de fama a un artista o una banda son recordados y extendidos hasta el final de los tiempos. Soy su anfitrión por esta semana, DJ Candidato, y les agradezco que pasen por este lugar. Para esta semana, traigo ante Ustedes a una banda de California que podría considerarse como los desplazados de la fama y que, de un tiempo a esta parte, aunque siguen en actividad lo hacen de una forma bastante particular y polémica. Con ustedes, el grupo L. A. Guns y la canción The Ballad of Jayne.

Era 1983 en la ciudad de Los Angeles, California (Estados Unidos). Allí, el guitarrista Tracii Guns se juntó con el vocalista William Bailey, el bajista Ole Beich y el baterista Rob Gardner. En el ambiente musical de esos años, Guns le presentó a Bailey a los guitarristas Izzy Stradlin y Chris Weber; allí, Bailey dejó a los L. A. Guns y, junto a Stradlin y Weber formó el grupo Hollywood Rose (antecesor de los que serían conocidos como Guns 'N' Roses). Al poco tiempo, Guns (quien también había sido invitado a formar parte de Hollywood Rose) fue reemplazado por Slash y, ante eso, volvió a formar su banda original.

Con el cantante Paul Black más el bajista Mick Cripps y el baterista Nickey Alexander, L. A. Guns retoma su carrera, aunque llamándose Faster Pussycat y, con el tiempo, retomando el nombre original de L. A. Guns. Phil Lewis reemplazó a Black en las voces y se sumó a otro bajista como Kelly Nickels. Así fue como firmaron contrato con PolyGram Records y, recién en 1988, lograron sacar a la luz su primer disco titulado de forma homónima y con Steve Riley reemplazando a Alexander en la batería. Al año siguiente, lanzaron su segunda placa titulada Cocked & Loaded que contenía la canción The Ballad of Jayne y que fue su única aparición simultánea en los charts del Estados Unidos y el Reino Unido.

Después del tercer disco del grupo, comercializado en 1991 con el nombre de Hollywood Vampires, Steve Riley fue despedido de L. A. Guns. El fracaso del cuarto disco de la banda (Vicious Circle, 1995) motivó cirugía mayor con el regreso de Riley y la salida de Cripps, Lewis y Nickels; entraron el vocalista Chris Van Dahl y el bajista Johnny Crypt. Dejados de lado por PolyGram, se dejaron influenciar por Pantera para grabar con CMC International el disco de 1996 American Hardcore, pero también resultó ser un fracaso en ventas. Un nuevo álbum salió en 1999 con el título de Shrinking Violet y el vocalista Jizzy Pearl al mando.

Una reunión de la formación clásica de L. A. Guns duró muy poco y nuevos cambios se sucedieron. Al final, en 2002 y luego de una nueva caída discográfica, Tracii Guns deja la banda (aunque él afirma que nunca lo hizo) para irse en pos de un nuevo proyecto llamado Brides of Destruction junto con el bajista de Mötley Crüe Nikki Sixx. Ante la situación, es el cantante Phil Lewis quien se unió con el bajista Adam Hamilton, el baterista Steve Riley y el guitarrista Stacey Blades para seguir con L. A. Guns y fue esta formación la que, en 2004, lanzó un disco de covers llamado Rips The Covers Off.

Pero no contaban con que, en el 2006, Tracii Guns pusiera una pausa a Brides of Destruction y formara The Tracii Guns Band junto al cantante Paul Black, el baterista Nickey Alexander y el bajista Jeremy Guns; como los derechos aún estaban en manos de Guns, su banda retomó el nombre de L. A. Guns con lo que se da la paradoja de que hay dos grupos con el mismo nombre pero con diferentes formaciones. Los de Phil Lewis (voz) cuentan, en la actualidad, con Stacey Blades (guitarra), Scott Griffin (bajo) y Steve Riley (batería); los de Tracii Guns (en guitarra) están con Jizzy Pearl (voz), Jeremy Guns (bajo) y Doni Gray (batería). Hay que agregar que son los de Lewis los que lanzaron el último disco oficial de estudio en el 2005, llamado Tales from the Strip.

The Ballad of Jayne fue el séptimo track y primer sencillo del segundo disco de L. A. Guns titulado Cocked & Loaded (Vertigo Records/PolyGram Records, 1989). Fue producido por Duane Baron, John Purdell y Tom Werman y alcanzó en 1990 tanto el 33° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos como el 53° lugar en las listas británicas. La canción está inspirada en Jayne Mansfield, actriz y símbolo sexual del Hollywood de los 50´s y 60´s que falleció en un accidente automovilístico en 1967. La formación de L. A. Guns que grabó esta canción se compuso de: Phil Lewis (voz), Tracii Guns (guitarra principal), Mick Cripps (guitarra rítmica), Kelly Nickels (bajo) y Nickey Alexander (batería, aunque es Steve Riley quien aparece en los créditos). Sin más preámbulos, les presentamos tanto la letra como el clip de The Ballad of Jayne...

L. A. Guns - The Ballad of Jayne (Lyrics)

L. A. Guns - The Ballad of Jayne (Video)

Es una entrega más pausada aunque sin dejar de tener actitud rockera a la entrada del Invierno por estos lados. Esperamos que sea de vuestro agrado y que dejen tanto comentarios como sugerencias en esta entrada que no hace más que querer reivindicar un aspecto de la música que en varias ocasiones es menospreciado y hasta ninguneado por quienes creen saber más de música y que sólo las grandes carreras importan. La próxima semana, tendremos a DJ Empire de regreso para que ella nos muestre otra canción que merezca el reconocimiento debido por su aporte en algún instante (aunque ahora sea negado). DJ Candidato se despide de El Museo del One Hit Wonder hasta un par de semanas más y recuerden que siempre pueden llevar la música con ustedes. ¡Hasta la próxima!

Kris Kross - Jump

2011-06-11T18:10:00.000-03:00

Qué tal estimados/as, DJ Empire viene con otra más de la hip-hopería noventera al Museo. Puede que esto les suene a caída de carnet, pero ¿recuerdan ustedes a unos adolescentes que usaban la ropa al revés? Estos chiquititos salían con el cierre del pantalón atrás, al igual que el resto de su vestuario, y en su single rapeaban tan veloces como el canadiense Snow, ya reseñado acá. La consigna era tan simple como saltar y saltar, en medio de ese rap de niños. Con ustedes, DJ Empire les deja con el dúo Kris Kross y su hit Jump.

Dos nativos de Atlanta, Chris Kelly (nacido el 11/08/1978) y Chris Smith (nacido el 10/01/1979) se conocieron durante su infancia y se convirtieron en grandes amigos. En 1990 fueron descubiertos en un mall de Atlanta por el productor Jermaine Dupri, de 18 años por ese entonces, y pensó que los dos se veían como un dúo de rap, por lo que empezó a prepararlos para la escena musical. Ahí Kelly adopta la identidad de Mac Daddy, y su amigo Smith la de Daddy Mac, y en conjunto se hacen llamar Kris Kross (una referencia al nombre Chris de ambos y a su ropa al revés). Dupri entra a producirles su primer disco, Totally Krossed Out, lanzado en Marzo de 1992, cuando los chicos tenían 13 años. Este álbum vendió cuatro millones de copias en los EE.UU. (cuatro Discos de Platino), llegando al #1 del Billboard 200, y todo esto gracias a un single pegadizo llamado Jump.

En medio del éxito mediático, los Kris Kross hicieron un cameo en el video Jam de Michael Jackson, en 1992. Alcanzaron a lanzar un segundo single, Warm It Up, cuyo video dirigido por Rich Murray (el mismo del video de Jump) hizo que el dúo ganara un Billboard Video Award a Mejor Artista Nuevo. Ese mismo año, apareció un videojuego realizado por el director Denis Dyack, llamado Kris Kross: Make My Video, el cual se lanzó originalmente para la plataforma Sega CD, y que consistía en que el jugador podía editar los videoclips del dúo. Pero este invento vendió muy mal, y fue rankeado #18 en el Top 20 de Los Peores Videojuegos de Todos los Tiempos, según consigna Electronic Gaming Monthly en su sitio oficial.

En 1993, los Kris Kross hacen un cameo para la película Who's The Man, protagonizada por los anfitriones de Yo! MTV Raps, Doctor Dré (André Brown, no confundir con Dr. Dre) y Ed Lover. Ese mismo año, lanzan su segundo disco, Da Bomb, que si bien tuvo el single Alright y recibió el Disco de Platino, falló al emular el éxito de Totally Krossed Out. La mayoría de las canciones de este segundo álbum fueron dedicadas a sus rivales en el hip-hop, como Illegal, Da Youngstas y Another Bad Creation. Y en 1996 Kris Kross publica su tercer álbum, Young, Rich, & Dangerous. Éste destacó por dos singles, Tonite's Tha Night y Live and Die for Hip-Hop, y fue certificado con Disco de Oro en ventas. A fines de ese año aparece un disco de remixes, Best of Kris Kross Remixed '92 '94 '96, y en ese momento Kris Kross se separa. Dos años después, 1998, se lanzó la compilación Gonna Make U Jump, la cual se lanzó bajo sello Ruffhouse/Columbia Records, la misma casa discográfica de todos los álbumes anteriores.

En la actualidad, Chris Kelly dirige su propio sello, C.CO. Records, fundado en Atlanta y destinado a distribuir trabajos de artistas underground del R&B y hip-hop. Desmintiendo rumores de un posible cáncer, Kelly afirmó que padece de alopecia, a juzgar por fotos suyas donde le falta cabello en áreas de su cabeza. Por otro lado, Chris Smith también trabaja en la música; ya ha terminado de grabar un disco llamado Urbane Expressions, que aún no tiene fecha de lanzamiento. También aseguró que ha terminado un libro del mismo nombre, que incluye poemas originales, fotos, ilustraciones y cuentos cortos. Nada mal para estos Chris que ya pasaron los 30 años.

Jump es el track número 2 del disco Totally Krossed Out, escrito y producido por Jermaine Dupri, y lanzado como single en formatos 7" Single, 12" Maxi, CD Single y CD Maxi. El tema fue grabado en 1991, cuando los Kris Kross tenían 12 y 13 años, y se lanzó el 6 de Febrero de 1992. El tema lleva samples de The Honeydrippers (Impeach the President), Ohio Players (Funky Worm) y The Jackson 5 (I Want You Back). Las ubicaciones Billboard para Jump: #1 en el Hot 100, #1 en el Hot Rap Singles, #2 en el Hot R&B/Hip-Hop Songs y #13 en el Hot Dance Club Play. En el resto del mundo: #1 en Australia (ARIA Chart), Irlanda, Nueva Zelanda, Suiza y el Eurochart Hot 100; y #2 en el Reino Unido, Holanda, Noruega y Suecia. Además, VH1 rankeó esta canción en el #75 de Las 100 Más Grandiosas Canciones de los 90's.

El dato de DJ Empire: Entre los covers que se han hecho de Jump, está la versión que hizo la hip-hopera australiana Romy Hoffman, conocida por su seudónimo Macromantics, que pueden revisar en este link. Noventeras y noventeros todos, DJ Empire les trae los links para que revisiten a este par de chicos que rapeaban exitosamente antes de cambiar la voz. Con ustedes, Kris Kross...

Kris Kross - Jump (Lyrics)

Kris Kross - Jump (Video)

Y así fue como DJ Empire volvió a traerles un hit de la hip-hopería noventera, tal como lo ha sido en estos últimos dos meses. DJ Candidato vuelve la próxima semana para renovar este espacio con otro único éxito que le reportó la fama a su artista responsable. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Haircut One Hundred - Love Plus One

2011-06-05T00:55:00.000-03:00

Sean bienvenidos para una nueva entrega semanal en El Museo del One Hit Wonder. Soy su anfitrión cada dos semanas, DJ Candidato, quien está honrado de poder darles un paseo por esas canciones que estuvieron entre lo más destacado de su tiempo pero que fueron quedando relegadas tanto en la melodía como en sus intérpretes; y como a más de alguien puede significar algo o porque no debemos olvidar de dónde viene la música para saber hacia dónde va, es que esta galería sigue su marcha. Y esta semana, siguiendo con el rescate de los 80´s, cruzamos el Atlántico para ir a Gran Bretaña y escuchar a un grupo numeroso y con un particular sonido: presentamos a Haircut One Hundred y su éxito Love Plus One.

La historia comienza en 1980 cuando cuatro jóvenes deciden juntarse y hacer un grupo musical sin más aspiraciones que eso: el vocalista y guitarrista Nick Heyward, el bajista Les Nemes, el guitarrista Tim Jenkins y el baterista Rob Stroud. Al poco andar, Jenkins se fue cuando la banda seguía sin firmar un contrato discográfico y, poco después, Stroud se fue para unirse a una banda punk llamada The Sex Gang Children; para reemplazarlos, se unieron Graham Jones en la guitarra (proveniente de The Low Numbers) y Patrick Hunt en la batería. Fue esta formación (Heyward, Nemes, Jones, Hunt) la que grabó el primer sencillo del grupo, llamado Favourite Shirts (Boy Meets Girl); ya habían dejado de llamarse Moving England para pasar a ser Haircut One Hundred.

Pero para seguir con los problemas, Patrick Hunt fue despedido meses después y reemplazado por el estadounidense Blair Cunningham, con quien hicieron la versión de su primer sencillo que aparecería en la placa debut de Haircut One Hundred, titulada Pelican West (1982, Arista Records). Y completando la formación variopinta del grupo, dos músicos de sesión que estaban como meros colaboradores fueron incorporados luego de fichar con Arista: el saxofonista Phil Smith y el percusionista Mark Fox. Así, como sexteto, Haircut One Hundred aprovechó el alza de la New Wave para conquistar el Reino Unido.

El segundo sencillo de relevancia para ellos fue Love Plus One que, a la postre, sería su mayor éxito al punto de cruzar el océano para instalarse en los charts de Estados Unidos. Los dos singles posteriores del Pelican West (Fantastic Day y Nobody´s Fool) marcaron buenos lugares en su país de origen. Y cuando todo parecía ir bien para la banda, el golpe más duro vino con la salida de su líder y vocalista Nick Heyward, quien se fue en Enero de 1983 para seguir una carrera como solista (algo que, años después, reconoció que fue un error de juventud). El lugar de Heyward fue ocupado en las voces por Mark Fox.

Ya como quinteto, lanzaron en 1984 la placa Paint to Paint con el sello Polydor. Pero el momento había pasado, los dos primeros sencillos (Prime Time y So Tired) apenas pudieron entrar en las lixtas británicas y el tercero (Too Up, Two Down) ni siquiera lo logró; como consecuencia, el grupo se separó meses después del lanzamiento de Paint to Paint. Para ese tiempo, Nick Heyward ya había lanzado una carrera solista que, si bien comenzó de buena forma en 1983 con el disco North of a Miracle (disco que tuvo tres sencillos Top 20 en el Reino Unido), fue decayendo de modo notorio. Heyward se dedicó a su carrera de artista gráfico aunque, en los 90´s, volvió a la carga con nuevo disco y teloneando en Estados Unidos a grupos como The Lemonheads y Mazzy Star.

En el año 2004, el programa de Vh1 Bands Reunited juntó a todos los miembros de Haircut One Hundred con la idea de que retomaran su actividad. Pero llevó cinco años concretar aquéllo de forma parcial con un concierto a finales de 2009 en Londres y, con intermitencias, han seguido tocando juntos bajo la formación de Heyward (voz y guitarra), Nemes (bajo), Cunnigham (batería) y Jones (guitarra). De hecho, en una moda entre las bandas de ayer y hoy, tocaron de modo íntegro el Pelican West en Enero pasado y se piensa editar como un disco doble en vivo, el que sería el primer trabajo de la banda en casi 20 años (en 1992, el trabajo inconcluso con Heyward se plasmó en un disco llamado Half Baked).

Hoy por hoy, Nick Heyward sigue también con su carrera de solista y piensa relanzar su discografía; Les Nemes también va en paralelo con una banda formada en España (su residencia desde 2003) llamada Real; Blair Cunningham ha colaborado con múltiples artistas incluyendo a Paul McCartney, Mick Jagger y Lionel Richie mientras que Phil Smith también ha hecho lo suyo aunque a menor escala. Mark Fox dejó los instrumentos y se dedicó a manejar la música detrás de la consola, ya que es el fundador y co-propietario de 360 Mastering, una empresa con sede en Fulham que remasteriza discos.

Love Plus One fue el segundo surco y segundo sencillo del disco Pelican West, el debut de Haircut One Hundred lanzado por Arista Records en 1982 (y que, 10 años después, tuvo un lanzamiento como CD y cinco canciones más llamado Pelican West Plus). Grabado en Roundhouse Studios de Londres, el single fue producido por Nick Heyward y alcanzó el 3° puesto en los charts del Reino Unido y el lugar 37 en el Billboard Top 100. Como podrán apreciar en el videoclip, había un estribillo algo contagioso y estos jóvenes británicos tenían una forma de expresarse bastante particular así que, sin más preámbulos, les dejo con la letra y video de esta canción...

Haircut One Hundred - Love Plus One (Lyrics)

Haircut One Hundred - Love Plus One (Video)

Y es así como comenzamos el mes de Junio en El Museo del One Hit Wonder, esperando que les haya gustado este hit cosecha 1982. La próxima semana, la máquina del tiempo musical será piloteada por DJ Empire y ella verá a qué lugar del tiempo y del espacio musical nos traerá para iluminarnos con otro hit musical que, aunque no merecía ser olvidado, quedó relegado. Pero estamos para el rescate de la nostalgia y de las canciones que a más de alguien marcaron su existencia. Por mi parte, me despido hasta una próxima edición sin dejar de recordarles que sus comentarios y sugerencias son más que bienvenidos. Soy DJ Candidato y recuerden llevar la música con ustedes. ¡Hasta pronto!

Us3 - Cantaloop (Flip Fantasia)

2011-05-28T22:05:00.000-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire con una noventera en el Museo. Aunque nuestro siguiente invitado no pertenece estrictamente a la hip-hopería noventera, sí combina algo de rap sobre otro estilo, en este caso, el clásico jazz. Este pastiche sonoro es todo un homenaje al sello Blue Note Records y a grandes como Herbie Hancock, por sus samples. Si escuchan esta canción, de seguro que les debe sonar. Sin más preámbulo, DJ Empire les deja con el grupo inglés Us3 y su hit Cantaloop (Flip Fantasia).

Us3 nació de la idea del productor londinense Geoff Wilkinson, y más que un grupo, es un colectivo, por la constante rotación de músicos, entre los que cuenta el productor Mel Simpson, quien se unió al proyecto en 1993. El nombre Us3 está inspirado en un disco de Horace Parlan producido por Alfred Lion, el fundador de Blue Note Records. La primera encarnación de Us3 es Wilkinson más el rapero MC Honey B y la pianista Jessica Lauren, quienes sacaron el 12" de edición limitada Where Will We Be In The 21st Century, en 1990. La segunda encarnación se dio en 1991, con el lanzamiento del single The Band Played the Boogie, junto al rapero Born 2 B, que cuenta con el sample del tema Sookie Sookie de Grant Green, un artista de Blue Note Records. Tras la rotación de ese tema en la Kiss 100 London, Wilkinson recibe un llamado en que lo citan a la oficina londinense de EMI. Él evitó el juicio por el uso de samples y se le concedieron los derechos de los archivos de Blue Note Records, sello con el cual Us3 firmó contrato discográfico.

De ese modo, Wilkinson pudo seguir utilizando los samples de ese catálogo para grabar demos. Uno de esos demos se grabó en Marzo de 1992, Cantaloop (Flip Fantasia), que se hizo conocida por su sample de Herbie Hancock, Cantaloupe Island. Un año más tarde, Us3 lanza el disco debut, Hand on the Torch, que contó con los raperos Rahsaan Kelly, Kobie Powell y Tukka Yoot. En 1994, Us3 aparece en el disco Stolen Moments: Red Hot & Cool, compilación de la Red Hot Organization, institución que recauda fondos para el tratamiento del SIDA. La canción elegida fue The Scream, con Joshua Redman y Tony Rémy como invitados. Tras varios tours con Us3, Mel Simpson deja el grupo para abrir otros horizontes. Wilkinson comenzó en 1996 a trabajar en un segundo disco, en conjunto con los raperos KCB y Shabaam Sahdeeq. Este álbum salió en 1997 bajo el nombre de Broadway & 52nd. Si bien continuó con los samples de Blue Note Records, la placa no tuvo la misma repercusión que Hand on the Torch.

Mientras Us3 seguía de gira, hubo cambios en el personal de Capitol Records, sello emparentado con Blue Note Records. Esto permitió a Wilkinson abandonar su disquera y cambiarse a Sony, lo que implicó un cambio en su tercer álbum: no incluyó samples de Blue Note Records. Como voces invitadas se sumaron el rapero Michelob y la cantante Alison Crockett. Pero antes de que pudiera completarse el disco, hubo un cambio de personal en Sony y no se pudo lanzar. Hasta que en 2001 se pudo publicar el disco, llamado An Ordinary Day in an Unusual Place, bajo etiqueta Toshiba EMI en Japón y Universal en Europa. Se notó una dirección musical más distinta en esta placa, que incorporó elementos de drum n' bass, música latina e hindú a su mezcla. El cuarto disco, Questions, apareció en 2004 bajo Toshiba EMI en Japón y de forma independiente en el extranjero. Las colaboraciones son del rapero de Brooklyn Reggi Wyns y la cantante sudafricana Mpho Skeef.

Es 2005 y tras las giras en Europa, Us3 lanza su quinto álbum, Schizophonic. En éste figuran todos los integrantes de la banda en vivo, incluyendo al trompetista Bryan Corbett y al saxofonista Ed Jones. Se sumaron además dos raperos, Akil Dasan y Gaston, a quienes Wilkinson conoció en un local underground que frecuentaba, el Nuyorican Poets Café. En 2007 Us3 lanza el disco Say What!?, el cual contó de nuevo con Akil Dasan y Gaston, más la cantante Adeline, de 21 años en ese entonces.

Lo más reciente de Us3 es stop. think. run, su disco de 2009. Los raperos invitados son los estadounidenses Sene y Brook Yung, quienes tenían respectivamente 23 y 20 años cuando salió el disco. Ellos completan la formación junto a Wilkinson, el saxofonista Ed Jones, los trompetistas Bryan Corbett y Chris Storr, el DJ First Rate y el pianista John Crawford.

Cantaloop (Flip Fantasia) es una canción incluida en el disco Hand on the Torch, lanzada también en formatos 12" Single, CD Single y Cassette Single. En los créditos de producción están Geoff Wilkinson y Mel Simpson, y como compositores están ellos más Rahsaan Kelly y Herbie Hancock. Esto último se debe a que Hancock es el compositor de Cantaloupe Island, tema del cual Us3 extrajo el sample para la canción. Otros samples incluidos son el de Pee Wee Marquette en la intro ("Ladies and gentlemen, as you know..."), proveniente del disco A Night at Birdland Vol. 1 de Art Blakey; y las voces que dicen "Yeah!" y "What's that?", tomadas de la canción Everything I Do Gonna Be Funk (From Now On) de Lou Donaldson. El responsable del solo de trompeta en la canción es Gerard Presencer, y el rapero es Rahsaan Kelly. En el Billboard Hot 100, Cantaloop (Flip Fantasia) logró rankear en el #41, a fines de 1994.

Para que vean que la combinación de jazz y rap sí fue posible, teniendo a Us3 como sus mayores exponentes, aunque fuera con este éxito. Con todos esos elementos ya señalados, quedó claro que la rotación en canales de videomúsica y radios la convirtió en un hit. Nostálgicos/as de los noventas, acá va DJ Empire con los links a Cantaloop (Flip Fantasia)...

Us3 - Cantaloop (Flip Fantasia) - Lyrics

Us3 - Cantaloop (Flip Fantasia) - Video

Y bien, así fue como DJ Empire les refrescó la memoria con un éxito que masificó el jazz en las manos de un buen productor y un rapero invitado. La próxima semana, DJ Candidato les pone a disposición a un artista que brilló con su único éxito, para goce de quienes visitan este local. Hasta el próximo One Hit Wonder.

Club Nouveau - Lean on Me

2011-05-21T14:40:00.000-03:00

Es fin de semana y, como corresponde, extendemos la alfombra roja para recibir a un nuevo integrante que se suma a la familia de más de 170 artistas que ya son parte permanente de El Museo del One Hit Wonder. Soy su anfitrión de esta semana, DJ Candidato, quien les da la bienvenida a este templo musical marcado por el recuerdo. Y esta semana, traemos a un grupo estadounidense donde parecía primar el sentido colectivo y las habilidades vocales. Les presento al conjunto Club Nouveau con su canción Lean on Me.

En el año 1986, el productor Jay King tenía problemas con la ruptura de su grupo más prometedor hasta ese entonces que era Timex Social Club. Y decide formar un nuevo conjunto de músicos afro-americanos, más inclinado al pop que al hip-hop pero sin abandonar la base Rhythm & Blues característica de esa raza. Es así como llama a Sacramento (California) a Denzil Foster, Thomas McElroy, Samuelle Prater y Valerie Watson para, originalmente, llamarse Jet Set y aprovechar cierto parecido conceptual con Timex Social Club...pero después pasaron a su nombre definitivo, Club Nouveau (que es "nuevo club" en francés).

Su primer álbum salió el mismo año 1986 bajo etiqueta Warner Bros. Records y se tituló Life, Love & Pain. De esa producción salieron cinco singles que arrasaron en los charts de música R&B, pero fue uno de ellos el que traspasó las fronteras de género y se coló hasta llegar al tope de los charts generales no sólo en Estados Unidos sino que en otros países. La apuesta era un cover de una canción que Bill Withers grabó en 1972 y titulada Lean on Me que, a comienzos de 1987, llegó al primer lugar en el ránking del Billboard Hot 100 y conseguía lugares similares en países como Reino Unido y Nueva Zelandia.

Sin embargo, el quinteto original no duraría mucho como tal. Movidos por otras inquietudes musicales, Foster y McElroy dejarían Club Nouveau para seguir trabajando como productores (de hecho, estuvieron detrás del éxito del grupo femenino En Vogue) y Prater (la voz principal en Lean on Me) haría lo mismo más adelante. Entraron como reemplazantes David Agent y Kevin Irving y se dio un giro medio a la nueva etapa de Club Nouveau con canciones más enfocadas en la conciencia social, etapa que comenzó con su segundo trabajo, llamado Listen to the Message (1988). Las ventas fueron menos exitosas que su debut y, tras el tercer disco de la banda (Under a Nouveau Groove, 1989), dejaron de trabajar con Warner Bros. Records.

Oficialmente, el último disco de Club Nouveau data de 1995 con el nombre de Everything is Black. Y aunque se reagrupan ocasionalmente como tal y los dos miembros sobrevivientes (Jay King y Valerie Watson) digan que jamás se ha bajado la cortina a la agrupación, lo cierto es que la mayoría de sus integrantes tienen otros intereses. Valerie Watson administra junto a su esposo una cadena de gimnasios mientras que Jay King terminó siendo el Presidente de la Asociación Americana de Dominó.

Lean on Me fue el tercer track y tercer sencillo del disco Life, Love & Pain (1986), placa debut de Club Nouveau y que fue comercializado por Warner Bros. Records bajo la subsidiaria King Jay; lanzada en Enero de 1987, el productor de esta versión fue Jay King y, como fue dicho antes, fue escrita por Bill Withers en 1972 (de hecho, Withers se adjudicaría un Grammy Award por Mejor Canción de R&B). Sus números en los charts son bastante buenos: 1° en Nueva Zelandia, 3° en el Reino Unido y 1° en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos (además de otro 1° puesto en las listas de Dance y un 2° lugar en las de R&B en su país natal). Para que le agarren el ritmo marcado, DJ Candidato les trae las letras y el video de esta canción...

Club Nouveau - Lean on Me (Lyrics)

Club Nouveau - Lean on Me (Video)

Y es así como le damos el merecido espacio a otra canción olvidada tiempo atrás por el "delito" de ser el único éxito conocido tras el micrófono de un grupo de cantantes. Junto con invitarles a que dejen sus comentarios y sugerencias para futuras ediciones, les recordamos que la próxima semana será DJ Empire quien deleite nuestro paladar auditivo con una nueva selección que tiene todos los merecimientos de entrar en El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y, antes de despedirme, les recuerdo que lleven la música con ustedes. ¡Adiós!

Fun Lovin' Criminals - Scooby Snacks

2011-05-14T23:27:00.000-03:00

Qué tal, estimados/as, soy DJ Empire y traigo otro hit noventero al Museo. Desde la hip-hopería noventera, nuestros siguientes invitados vienen con una mezcla de rap y rock alternativo, en el que honran con sus samplers a dos de las películas más aclamadas por la crítica y por el público hasta ahora, ambas de Quentin Tarantino. De seguro a ustedes les suena ese agresivo diálogo con palabrotas al inicio de la canción. Sin más preámbulo, DJ Empire presenta a los estadounidenses Fun Lovin' Criminals con su hit Scooby Snacks.

New York City, 1993. Dos amigos llamados Brian Leiser y Steve Borgovini conocen a un tercero, Huey Morgan, en el club donde trabajaban. Comenzaron a tocar juntos, con Leiser en bajo y teclados, Borgovini en batería y Morgan en voz y guitarra, para luego proveer de entretención a ese club mientras un número musical había fallado una noche. Fue durante uno de esos conciertos que captaron la atención del sello EMI, el cual les ofrecería un contrato discográfico. Luego de lanzar un EP homónimo (bajo sello Silver Spotlight Records) en Noviembre de 1995, los Fun Lovin' Criminals editan su primer disco vía EMI, Come Find Yourself, tres meses después. También fue distribuido por los sellos Capitol Records, Chrysalis y Silver Spotlight Records. El álbum logró rankear en el #144 del Billboard 200 y #7 del UK Album Chart, y pese al poco impacto en los EE.UU. no fueron sacados del sello. Pero un hit fue el responsable de elevar a tal éxito el disco: Scooby Snacks.

Fun Lovin' Criminals partió a hacer giras para promocionar su disco, y luego entraron a grabar el sucesor de éste, 100% Colombian, que salió en 1998. El álbum sacó tres singles en el UK, pero en EE.UU. no rankearon en ninguna lista, razón por la cual el sello no los apoyó más en su país natal. Eso sí, continuaron lanzando singles y tocando en el Reino Unido. En 1999 Steve Borgovini deja el grupo y es reemplazado por Maxwell Jayson, a.k.a. Mackie, que en un comienzo estaba sólo temporalmente por si volvía el batero titular. En ese mismo año aparece la compilación Mimosa, que reúne nuevo material y Lados B. El tercer disco, Loco, aparece en 2001 y dejó en evidencia de que Borgovini no volvería al grupo. Este lanzamiento es el último trabajo para EMI. La formación se mantuvo hasta Mayo de 2003, año en que Mackie deja FLC y entra en su lugar Frank Benbini (de nombre real Mark Francis Reid). Con esta alineación lanzan su cuarto álbum, Welcome to Poppy's (2003), bajo etiqueta Sanctuary Records.

Pasaron dos años en que aparecieron tres compilaciones de Fun Lovin' Criminals: Bag of Hits (2002), Scooby Snacks: The Collection (2003) y A's, B's and Rarities (2004). En 2005 publican Livin' in the City (Sanctuary Records), su quinto disco de estudio, que incluyó el single Mi Corazon (no es traducción, por si las dudas). En Junio de 2008 tocan en el Glastonbury Festival, en el Jazz Stage, la cual es su segunda participación en el megaevento británico (la anterior fue en 1999, en el Pyramid Stage). Y tuvieron que pasar cinco años de silencio discográfico hasta que los FLC lanzan su último disco hasta la fecha, Classic Fantastic, en Marzo de 2010, bajo etiqueta Kilohertz.

Cuando no está en Fun Lovin' Criminals, Huey Morgan trabaja como DJ y presentador. ¿Un ejemplo? En 2008, cuando debutó en BBC 6 Music como presentador de su programa de radio. Ahora vive en Londres con su esposa Rebeca (británica) y su perro Sugar. Por su parte, Mark Reid, aparte de ser conocido como Frank Benbini, usa los alias de Uncle Frank y TRM (The Rhythm Man) en su carrera paralela a los FLC, la cual incluye cantar para el grupo Cantaloop en eventos como el Limetree Festival.

Scooby Snacks es el track número 4 del álbum Come Find Yourself, salió como single en 1995, el año anterior al disco, en formatos CD Single y Cassette Single. Los samples que se escuchan en la canción corresponden a diálogos de las películas Reservoir Dogs (Perros de la Calle, 1992) y Pulp Fiction (Tiempos Violentos, 1994), que llevó a MTV y a algunos radicontroladores a censurar o simplemente omitir el primer sample (el de Ringo con Yolanda). El título Scooby Snacks alude al Diazepam, también conocido como Valium. La canción se relanzó en el Reino Unido en 1997, donde fue uno de sus tantos éxitos, llegando al #22 del UK Singles Chart. En EE.UU., Scooby Snacks fue el único tema de Fun Lovin' Criminals que llegó a uno de los rankings Billboard: #14 en el Hot Modern Rock Tracks.

Como dato adicional, si revisan el link del video oficial, notarán que el primer sample, ése donde Yolanda le responde groseramente a Ringo, no aparece. Pero en un intento por traer la canción con los recordados samples de las películas de Quentin Tarantino, DJ Empire anexa una presentación en vivo en el T/W Festival en 1997. Con ustedes, la historia de drogas y robo contada por Fun Lovin' Criminals...

Fun Lovin' Criminals - Scooby Snacks (Lyrics)

Fun Lovin' Criminals - Scooby Snacks (Video)

Fun Lovin' Criminals - Scooby Snacks (Live at TW97 Festival)

Y es así como DJ Empire recurrió a la hip-hopería de los noventas para actualizar este local por estos siete días. La semana,que viene, DJ Candidato buscará en cualquier rincón de One Hit Wonderlandia alguna sorpresita para ponerles al día. Hasta el próximo One Hit Wonder.