Qué tal estimados/as, soy DJ Empire en este Museo. Por ahora, dejo la tiendita noventera y la del 2000 para ir más atrás en el tiempo. El hit de la semana es de una cantante estadounidense reconocida por su voz rasposa, atributo que le valió el alias de "la Rod Stewart Femenina". A este hit también se le reconoce por su intro de sintetizador, que hasta ahora sigue sonando en radios destinadas a rescatar los éxitos ochenteros. Y además, es en honor a la efeméride de hace dos días, el Día Internacional de la Mujer (8 de Marzo). Con ustedes, la californiana Kim Carnes y su single Bette Davis Eyes.
Kim Carnes nació en Hollywood, California, un 20 de Julio de 1945. Tras años de escribir canciones para otros artistas, firmó su primer contrato discográfico en 1969 con el conocido productor Jimmy Bowen. Durante este período, Kim compartió grabaciones de demos junto a otros compositores, como Don Henley, Glenn Frey y J.D. Souther. En 1972 la cantante lanza su primer disco, Rest on Me (bajo etiqueta Amos Records), producido por Jimmy Bowen. Tras éste le siguió un álbum homónimo en 1975 (distribuido por A&M Records), que incluyó el primer single en rankear en los charts, You're a Part of Me (#32 del Billboard Adult Contemporary). Luego de eso lanzó tres álbumes más, Sailin' (A&M, 1976), St. Vincent's Court (EMI, 1979) y Romance Dance (EMI, 1980). Los dos últimos rankearon, respectivamente, #26 y #57 en el Billboard 200. Y en 1980 colaboró con Kenny Rogers en la canción Don't Fall in Love with a Dreamer, que alcanzó ubicaciones privilegiadas en los rankings Pop (#4), Country (#3) y Adult Contemporary (#2) de Billboard.
Es 1981 y Kim Carnes graba su versión de Bette Davis Eyes, que ya habían escrito Donna Weiss y Jackie DeShannon en 1974. Este cover hecho por nuestra artista de la semana se convirtió en todo un hit, y elevó a su cuarto álbum, Mistaken Identity (EMI, 1981), al #1 del Billboard 200 y al Disco de Platino otorgado por la RIAA (Record Industry Association of America). Por cierto, la actriz Bette Davis asumió ser una fanática del tema popularizado por Kim Carnes, y mandó agradecimientos a la cantante y a las compositoras del single, por "hacerla parte de los tiempos modernos", según dijo. En lo que fue un hito en su carrera, Kim tocó el hit en un homenaje a Bette Davis, poco antes del fallecimiento de la actriz en Octubre de 1989.
Tras el éxito de Bette Davis Eyes, Kim Carnes lanzó los discos Voyeur (1982) y Café Racers (1983). Kim fue nominada a los Premios Grammy como Mejor Artista Pop Femenina (por Voyeur) y Mejor Artista Rock Femenina (por la canción Invisible Hands, del Café Racers). En 1985 publicó su álbum Barking at Airplanes, del cual su single Crazy in the Night salió en el #15 del Billboard Hot 100. Luego destacó en el ranking Adult Contemporary de Billboard con cuatro singles, uno de ellos es un dueto con Barbra Streisand, Make No Mistake, He's Mine (que apareció en el álbum Emotion de Streisand, de 1984). En 1985, Kim fue invitada a participar en la canción We Are the World, escrita por Michael Jackson y Quincy Jones; donde nuestra artista de la semana comparte micrófono con el mismo Rey del Pop, Huey Lewis y Cyndi Lauper en una parte del hit benéfico (entre el minuto 2:45 y 3:11 en el clip). Terminando la década ochentera, Kim Carnes lanzó los discos Light House (el último con EMI, 1986) y View from the House (MCA, 1988).
La década 90's no tuvo tanto éxito para Kim Carnes. En 1991 lanzó su álbum Checkin' Out the Ghosts, bajo etiqueta Teichiku, que no figuró en ningún ranking, al igual que el single Gypsy Honeymoon. Ese single daría título a su primera compilación de 1993, Gypsy Honeymoon: The Best of Kim Carnes. En 1999 lanzó su único álbum en vivo, Live at Savoy, 1981. Hasta la fecha, el disco más reciente de Kim Carnes es Chasin' Wild Trains, de 2004, bajo sello Sparky Dawg. Y en 2011 EMI lanzó la segunda compilación de la cantante, Essential. Aún sigue de gira por Europa, Norteamérica y Sudamérica, y actualmente reside en Nashville, Tennessee, junto a su familia. Kim está casada con Dave Ellingson y tiene dos hijos, Collin y Ry (bautizado así en honor al músico Ry Cooder).
Bette Davis Eyes es una canción escrita en 1974 por Donna Weiss y Jackie DeShannon, y grabada por esta última en su disco New Arrangement, de ese mismo año. Pero no fue exitosa hasta 1981 que Kim Carnes la grabó para su disco Mistaken Identity. Esta versión ganó los Premios Grammy a Canción del Año y Grabación del Año. Entre sus apariciones notables está la escena inicial del documental Valentino: The Last Emperor (2008) y un spot de Clairol para el Reino Unido (2008). En el Billboard Hot 100 alcanzó el #1 por nueve semanas no consecutivas, y esta revista la nombró el hit número 1 de 1981. Salió #1 en los rankings de Alemania, Francia, Italia, Brasil, Suecia, Noruega y Australia, y en el UK Singles Chart rankeó #10.
El dato adicional de DJ Empire: La actriz Gwyneth Paltrow (sí, la misma esposa de Chris Martin de Coldplay) hizo su versión para Bette Davis Eyes, para la película Duets (2000), dirigida por su padre Bruce Paltrow (1943-2002). La versión de Gwyneth, que pueden revisar en este link, tiene un beat más marcado que la versión original. Para quienes prefieren la inconfundible voz rasposa a lo Rod Stewart, DJ Empire les deja con los links a letras y video de Bette Davis Eyes, en la interpretación de Kim Carnes...
Kim Carnes - Bette Davis Eyes (Lyrics)
Kim Carnes - Betty Davis Eyes (Video)
Y bien, pues, DJ Empire les dejó con una gran mujer dos días después de esta fecha en que se conmemora la lucha del género femenino por sus derechos. La próxima semana, DJ Candidato irá a One Hit Wonderlandia para encontrar otra joyita que brilló en su momento, dejando la vara muy alta a lo que vino después. Hasta el próximo One Hit Wonder.
Mostrando entradas con la etiqueta Rock 80's. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Rock 80's. Mostrar todas las entradas
sábado, 10 de marzo de 2012
sábado, 31 de diciembre de 2011
The Church - Under the Milky Way
En las últimas horas del 2011, DJ Candidato les saluda afectuosamente y les da la bienvenida a la última entrega de esta Temporada en El Museo del One Hit Wonder, el lugar donde esas canciones que le dieron el único pasaporte a la fama a un artista o un grupo de artistas tienen su espacio. El año había que cerrarlo a la altura con una canción bastante icónica aunque, tal vez, algunos arrugarán el ceño al verla por razones que ya se detallarán; desde el otro lado del Mundo, traemos a los australianos The Church con su canción Under The Milky Way.
La historia se remonta a comienzos de los 70´s en la ciudad australiana de Canberra, cuando el bajista Steve Kilbey (nacido el 13 de Septiembre de 1954) tocaba en una banda de covers llamada Baby Grand; años después, pasó al grupo Precious Little (que iba por el lado del glam rock) y allí conoció al guitarrista Peter Koppes (nacido el 21 de Noviembre de 1955)...fue el antecedente para que, en Marzo de 1980, ambos convocasen al baterista Nick Ward y formaran un power trío que se llamó Limosine. La formación duró poco ya que, en Abril del mismo año, se suma el guitarrista Marty Willson-Piper (nacido el 7 de Mayo de 1958) y pasaron a llamarse The Church.
Sus primeros discos (como el debut Of Skins and Heart, de 1981) generaron interés en Australia y, en parte, en Nueva Zelandia, un mercado discográfico muy ligado al de Australia. La presión y las decisiones inconsultas por parte de las discográficas EMI y Parlophone hicieron que la proyección a mercados más grandes como el Reino Unido y Estados Unidos se viese postergada; luego de publicar un disco por año entre 1981 y 1983 (con Richard Ploog en reemplazo de Nick Ward al mando de la batería), se tomaron tres años para su siguiente placa de larga duración, llamada Heyday (1986), que sería su último trabajo con EMI/Parlophone y que ya incorporaba sonidos de cuerdas y de instrumentos de viento.
Fue allí cuando decidieron jugársela: ficharon por cuatro discos con Arista Records en Estados Unidos mientras que Mushroom Records y Festival Records se encargarían de la distribución en Australia. Partieron a Los Angeles, California a grabar lo que sería su disco más conocido: Starfish, de 1988...aunque la adaptación a la vida en Estados Unidos no fue fácil para ninguno de los integrantes de The Church. Pero pese a lo anterior, cuajaron un buen disco que tuvo en Under The Milky Way a su punta de lanza con elementos poco usuales: sutiles guitarras eléctricas, un sonido más bien progresivo y la inconfundible voz de barítono de Kilbey.
De ese mismo Starfish es la canción Reptile, que tiene algunos cambios de ritmo y un notable uso de la guitarra que, sin duda, se toma el protagonismo más allá de la voz de Kilbey y, aunque marcó pobremente en los charts, es una canción que hasta el día de hoy sigue sonando en las radios chilenas. El álbum Starfish logró ser el único de la carrera de The Church que obtuvo Disco de Oro en los Estados Unidos y es la producción más vendida de la banda en Estados Unidos y Australia.
Otra vez, los problemas con las discográficas hicieron nata ya que Arista los presionaba a sacar un nuevo disco, el cual salió en 1990 bajo el título Gold Afternoon Fix y que tuvo un sonido más íntimo que su antecesor, algo que no gustó mucho a los fans y menos a la disquera, que había invertido mucho dinero en la promoción del disco. Fueron los comienzos de los 90´s años inestables para el grupo pese a lo que muchos consideran su clímax artístico con Priest=Aura (1992): otra vez hubo cambio de baterista (entró Jay Dee Daugherty) y, en 1992, las disputas entre los guitarristas terminaron con la salida de Peter Koppes. Al año siguiente, Tim Powles pasó a tomar el control de la batería.
El último disco que tuvo cierta figuración en los charts fue Sometime Anywhere, de 1994. Casi sucede que The Church pasa a la historia ante un proyecto paralelo a mediados de los 90´s llamado The Refo:mation, que contó con el regreso de Peter Koppes...de ahí, volver a The Church era el siguiente paso aunque se mantenían ciertas diferencias entre sus integrantes. Pero como en Australia son considerados ídolos, siguieron adelante y lanzaron dos discos acústicos con títulos en castellano: El Momento Descuidado (2005) y El Momento Siguiente (2007). Con tres décadas de carrera e inducidos al Salón de la Fama del Rock en Australia, su último disco oficial (vigésimo de su carrera) es el Untitled #23, de 2009 (tras él, salieron los EP´s Operetta y Deadman´s Hand).
Under The Milky Way fue el primer sencillo y segundo track del quinto disco de The Church llamado Starfish (Arista/Mushroom, 1988). Steve Kilbey escribió la canción junto a su entonces pareja, Karin Jansson; el tema fue producido por la formación de The Church en esos años (Kilbey, Koppes, Willson-Piper y Ploog). Alcanzó como máximo el 24° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y fue la única canción del grupo que tuvo figuración en ránkings de países como el Reino Unido y Canadá. En 2008, los lectores de The Weekend Australian Magazine escogieron a Under The Milky Way como la mejor canción de los últimos 20 años en aquel país.
Artistas como Rick Springfield y The Killers han versionado esta canción que, además, tuvo su revival gracias al haber sido incluida en la banda de sonido de la película Donnie Darko (2001). Pero el momento de gloria de Under The Milky Way llegó en el 2006 cuando, en el marco de la inauguración de los Commonwealth Games en Melbourne, The Church interpretó la canción acompañado de la Orquesta Sinfónica de Melbourne (como se ve en este video). Ahora, les dejaré tanto con las letras como con el video oficial de Under The Milky Way, de The Church...
The Church - Under The Milky Way (Lyrics)
The Church - Under The Milky Way (Video)
Al momento de concluir esta reseña y este año, queremos junto con DJ Empire agradecerles por el apoyo, por los comentarios y por esas lecturas que quizás han sido silenciosas pero que, de alguna manera, quizás hayan despejado en Ustedes alguna duda acerca de estos artistas que tuvieron un notable fulgor y luego desaparecieron del radar. Es por ello que, el 2012, esperamos continuar con esta labor digna de melómanos...y, como no podía ser menos, DJ Empire abrirá los fuegos de El Museo del One Hit Wonder el próximo año con otra canción digna de exhibición y con su particular historia. Por mi parte, me despido invitándoles a seguir pasando por este lugar y a realizar aportes que consideren necesarios. Soy DJ Candidato y, el próximo año, recuerden seguir llevando la música dentro de Ustedes. ¡Hasta luego!
La historia se remonta a comienzos de los 70´s en la ciudad australiana de Canberra, cuando el bajista Steve Kilbey (nacido el 13 de Septiembre de 1954) tocaba en una banda de covers llamada Baby Grand; años después, pasó al grupo Precious Little (que iba por el lado del glam rock) y allí conoció al guitarrista Peter Koppes (nacido el 21 de Noviembre de 1955)...fue el antecedente para que, en Marzo de 1980, ambos convocasen al baterista Nick Ward y formaran un power trío que se llamó Limosine. La formación duró poco ya que, en Abril del mismo año, se suma el guitarrista Marty Willson-Piper (nacido el 7 de Mayo de 1958) y pasaron a llamarse The Church.
Sus primeros discos (como el debut Of Skins and Heart, de 1981) generaron interés en Australia y, en parte, en Nueva Zelandia, un mercado discográfico muy ligado al de Australia. La presión y las decisiones inconsultas por parte de las discográficas EMI y Parlophone hicieron que la proyección a mercados más grandes como el Reino Unido y Estados Unidos se viese postergada; luego de publicar un disco por año entre 1981 y 1983 (con Richard Ploog en reemplazo de Nick Ward al mando de la batería), se tomaron tres años para su siguiente placa de larga duración, llamada Heyday (1986), que sería su último trabajo con EMI/Parlophone y que ya incorporaba sonidos de cuerdas y de instrumentos de viento.
Fue allí cuando decidieron jugársela: ficharon por cuatro discos con Arista Records en Estados Unidos mientras que Mushroom Records y Festival Records se encargarían de la distribución en Australia. Partieron a Los Angeles, California a grabar lo que sería su disco más conocido: Starfish, de 1988...aunque la adaptación a la vida en Estados Unidos no fue fácil para ninguno de los integrantes de The Church. Pero pese a lo anterior, cuajaron un buen disco que tuvo en Under The Milky Way a su punta de lanza con elementos poco usuales: sutiles guitarras eléctricas, un sonido más bien progresivo y la inconfundible voz de barítono de Kilbey.
De ese mismo Starfish es la canción Reptile, que tiene algunos cambios de ritmo y un notable uso de la guitarra que, sin duda, se toma el protagonismo más allá de la voz de Kilbey y, aunque marcó pobremente en los charts, es una canción que hasta el día de hoy sigue sonando en las radios chilenas. El álbum Starfish logró ser el único de la carrera de The Church que obtuvo Disco de Oro en los Estados Unidos y es la producción más vendida de la banda en Estados Unidos y Australia.
Otra vez, los problemas con las discográficas hicieron nata ya que Arista los presionaba a sacar un nuevo disco, el cual salió en 1990 bajo el título Gold Afternoon Fix y que tuvo un sonido más íntimo que su antecesor, algo que no gustó mucho a los fans y menos a la disquera, que había invertido mucho dinero en la promoción del disco. Fueron los comienzos de los 90´s años inestables para el grupo pese a lo que muchos consideran su clímax artístico con Priest=Aura (1992): otra vez hubo cambio de baterista (entró Jay Dee Daugherty) y, en 1992, las disputas entre los guitarristas terminaron con la salida de Peter Koppes. Al año siguiente, Tim Powles pasó a tomar el control de la batería.
El último disco que tuvo cierta figuración en los charts fue Sometime Anywhere, de 1994. Casi sucede que The Church pasa a la historia ante un proyecto paralelo a mediados de los 90´s llamado The Refo:mation, que contó con el regreso de Peter Koppes...de ahí, volver a The Church era el siguiente paso aunque se mantenían ciertas diferencias entre sus integrantes. Pero como en Australia son considerados ídolos, siguieron adelante y lanzaron dos discos acústicos con títulos en castellano: El Momento Descuidado (2005) y El Momento Siguiente (2007). Con tres décadas de carrera e inducidos al Salón de la Fama del Rock en Australia, su último disco oficial (vigésimo de su carrera) es el Untitled #23, de 2009 (tras él, salieron los EP´s Operetta y Deadman´s Hand).
Under The Milky Way fue el primer sencillo y segundo track del quinto disco de The Church llamado Starfish (Arista/Mushroom, 1988). Steve Kilbey escribió la canción junto a su entonces pareja, Karin Jansson; el tema fue producido por la formación de The Church en esos años (Kilbey, Koppes, Willson-Piper y Ploog). Alcanzó como máximo el 24° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y fue la única canción del grupo que tuvo figuración en ránkings de países como el Reino Unido y Canadá. En 2008, los lectores de The Weekend Australian Magazine escogieron a Under The Milky Way como la mejor canción de los últimos 20 años en aquel país.
Artistas como Rick Springfield y The Killers han versionado esta canción que, además, tuvo su revival gracias al haber sido incluida en la banda de sonido de la película Donnie Darko (2001). Pero el momento de gloria de Under The Milky Way llegó en el 2006 cuando, en el marco de la inauguración de los Commonwealth Games en Melbourne, The Church interpretó la canción acompañado de la Orquesta Sinfónica de Melbourne (como se ve en este video). Ahora, les dejaré tanto con las letras como con el video oficial de Under The Milky Way, de The Church...
The Church - Under The Milky Way (Lyrics)
The Church - Under The Milky Way (Video)
Al momento de concluir esta reseña y este año, queremos junto con DJ Empire agradecerles por el apoyo, por los comentarios y por esas lecturas que quizás han sido silenciosas pero que, de alguna manera, quizás hayan despejado en Ustedes alguna duda acerca de estos artistas que tuvieron un notable fulgor y luego desaparecieron del radar. Es por ello que, el 2012, esperamos continuar con esta labor digna de melómanos...y, como no podía ser menos, DJ Empire abrirá los fuegos de El Museo del One Hit Wonder el próximo año con otra canción digna de exhibición y con su particular historia. Por mi parte, me despido invitándoles a seguir pasando por este lugar y a realizar aportes que consideren necesarios. Soy DJ Candidato y, el próximo año, recuerden seguir llevando la música dentro de Ustedes. ¡Hasta luego!
domingo, 13 de noviembre de 2011
Tommy Tutone - 867-5309/Jenny
Hola, mucho gusto en saludarles y darles la bienvenida a El Museo del One Hit Wonder, el lugar donde esas canciones de antaño que marcaron la carrera de un artista para toda la vida son rescatadas de su olvido inmerecido. Soy DJ Candidato y, en esta oportunidad, traigo ante Ustedes una melodía cuyo título es bastante singular y que, de modo indirecto, quizás trajo problemas a más de alguien en esos años por la coincidencia de involucrar un número telefónico y un nombre de mujer. Desde la soleada California, es el grupo Tommy Tutone con su canción 867-5309/Jenny.
En 1978, el vocalista Tommy Heath (ocasionalmente guitarrista y tecladista) junto al guitarrista Jim Keller (quien también hacía voces de apoyo) fundaron la banda que, en estricto rigor, se llamaba Tommy and the Tu-tones pero que, por cuestiones de uso, derivó en Tommy Tutone. En los años posteriores, el grupo tuvo una serie de cambios. Terry Nails fue el bajista original, pero más tarde fue reemplazado por Jon Lyons y, más tarde, pasaron por ese puesto Greg Sutton, Pete Costello, Jimmy James y Mona Gnader. En la batería, Mickey Shine dejó sus baquetas a Victor Carberry, quien las pasó a Jerry Angel (con un interinato de Joe Lamond y una pasada de John Coswill).
Para 1981, la formación estable era con Tommy Heath (vocalista principal, guitarra rítmica y piano), Jim Keller (guitarra principal y coros), Jon Lyons en bajo y Victor Carberry en batería. Ya habían lanzado un disco debut el año anterior en Columbia Records titulado Tommy Tutone y, con el cual, consiguieron un éxito menor con la canción Angel Say No. Establecidos en la ciudad californiana de Willits, en 1981 lanzaron su segundo álbum llamado, originalmente, Tommy Tutone 2. Allí venía una canción llamada 867-5309/Jenny que hacía referencia al número que una chica le había pasado a un muchacho.
La canción se volvió un hit tremendo y fue usada por muchos universitarios para realizar pitanzas a quien fuera el infortunado propietario de esos siete dígitos en su aparato telefónico. Y como dijo Tommy Heath, "teníamos gente amenazando con demandarnos; de hecho, era el número de la hija del Jefe de Policía de la ciudad de Buffalo, New York". La canción llegó a buenas posiciones en los charts de Estados Unidos, Canadá y Nueva Zelandia, entre otros países. Estaba el camino pavimentado para el éxito ascendente...y eso se pensaba cuando, en 1983, la banda lanza el disco National Emotion.
Pero las ventas fueron un fracaso comercial y el sencillo Get Around Girl ni siquiera llegó a los ránkings...como consecuencia, Columbia Records los despidió y el grupo se separó. Tommy Heath intentó seguir en la música lanzando en 1984 un disco titulado Nervous Love, pero que tuvo una repercusión mínima. Entendido el mensaje, Heath optó por la vida de un regular mortal y se volvió un analista de computación en Cornerstone Revolutions, una empresa nueva con residencia en la ciudad de Portland, Oregon (aunque él seguía con hogar en California).
A mediados de los 90´s, Nervous Love se relanzó por Appaloosa Records como parte de la discografía de Tommy Tutone y, en 1998, Secret Disc Records comercializó la placa Tutone.rtf; y aunque los resultados siguieron siendo discretos, un sentimiento de nostalgia empujó a Heath a reformar la banda ya sin Jim Keller (quien ocupa un alto cargo ejecutivo en una agencia de publicidad relacionada con música). Desde el 2001, junto a Heath están Jimmy James en bajo, Greg Georgeson en guitarra y Andy Gauthier en batería, contando con la ocasional colaboración de otro ex miembro como Pete Costello.
867-5309/Jenny fue el primer surco y primer corte de la producción de Tommy Tutone llamada Tommy Tutone 2 (Columbia Records, 1981). Fue escrita por Jim Keller y Alex Call mientras que la producción estuvo a cargo de Chuck Plotkin y Geoff Workman. Alcanzó el 4° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos (1° en el Mainstream Rock Tracks) y 2° en Canadá, aparte de un muy digno 32° puesto en Nueva Zelandia; y además, el disco tuvo categoría de Oro por ventas en Estados Unidos.
Aparte de ser una canción versionada por artistas de la talla de Foo Fighters, Mötley Crüe, Green Day y Goo Goo Dolls y aparecer como referencia en algunos videojuegos y en series de TV como Padre de Familia y Greek, el número en cuestión generó varias polémicas en diferentes zonas de Estados Unidos ya fuese porque era un número fácil de recordar (y disputado por empresas) o, caso contrario, por el volumen de llamadas recibidas que lo hacían molesto: para destacar el caso de Spencer Potter, un DJ de Weehawken, New Jersey, quien subastó el número por eBay aunque, al no poder comprobar la identidad de los oferentes, optó por venderlo de modo privado al Retro Fitness de Secaucus, New Jersey.
Les dejo, entonces, con una versión en vivo datada de 1983 en el programa Friday´s donde ya habían cambios respecto de la formación que grabó la canción (Heath, Keller, Lyons y Carberry); Greg Sutton estaba en bajo, Jerry Angel en percusión y se sumaba Steve LeGassick en teclados. Vamos, entonces, con esta Jenny y su número tan pegadizo...
Tommy Tutone - 867-5309/Jenny (Lyrics)
Tommy Tutone - 867-5309/Jenny (Video)
Y esta es la entrega correspondiente a esta semana en El Museo del One Hit Wonder esperando, ciertamente, que sea de vuestro agrado. No olviden que pueden realizar sugerencias que serán consideradas y que los comentarios u apuntes que pudieran hacer serán más que bienvenidos. La próxima semana, vuelve la dueña de este lugar de conservación musical, DJ Empire, quien nos transportará en el tiempo y en el espacio para mostrarnos otra canción que merece el reconocimiento por haber dejado su huella. Gracias por venir a visitar El Museo del One Hit Wonder y les esperamos con las puertas abiertas...DJ Candidato les dice que lleven la música dentro de Ustedes. ¡Hasta la próxima!
En 1978, el vocalista Tommy Heath (ocasionalmente guitarrista y tecladista) junto al guitarrista Jim Keller (quien también hacía voces de apoyo) fundaron la banda que, en estricto rigor, se llamaba Tommy and the Tu-tones pero que, por cuestiones de uso, derivó en Tommy Tutone. En los años posteriores, el grupo tuvo una serie de cambios. Terry Nails fue el bajista original, pero más tarde fue reemplazado por Jon Lyons y, más tarde, pasaron por ese puesto Greg Sutton, Pete Costello, Jimmy James y Mona Gnader. En la batería, Mickey Shine dejó sus baquetas a Victor Carberry, quien las pasó a Jerry Angel (con un interinato de Joe Lamond y una pasada de John Coswill).
Para 1981, la formación estable era con Tommy Heath (vocalista principal, guitarra rítmica y piano), Jim Keller (guitarra principal y coros), Jon Lyons en bajo y Victor Carberry en batería. Ya habían lanzado un disco debut el año anterior en Columbia Records titulado Tommy Tutone y, con el cual, consiguieron un éxito menor con la canción Angel Say No. Establecidos en la ciudad californiana de Willits, en 1981 lanzaron su segundo álbum llamado, originalmente, Tommy Tutone 2. Allí venía una canción llamada 867-5309/Jenny que hacía referencia al número que una chica le había pasado a un muchacho.
La canción se volvió un hit tremendo y fue usada por muchos universitarios para realizar pitanzas a quien fuera el infortunado propietario de esos siete dígitos en su aparato telefónico. Y como dijo Tommy Heath, "teníamos gente amenazando con demandarnos; de hecho, era el número de la hija del Jefe de Policía de la ciudad de Buffalo, New York". La canción llegó a buenas posiciones en los charts de Estados Unidos, Canadá y Nueva Zelandia, entre otros países. Estaba el camino pavimentado para el éxito ascendente...y eso se pensaba cuando, en 1983, la banda lanza el disco National Emotion.
Pero las ventas fueron un fracaso comercial y el sencillo Get Around Girl ni siquiera llegó a los ránkings...como consecuencia, Columbia Records los despidió y el grupo se separó. Tommy Heath intentó seguir en la música lanzando en 1984 un disco titulado Nervous Love, pero que tuvo una repercusión mínima. Entendido el mensaje, Heath optó por la vida de un regular mortal y se volvió un analista de computación en Cornerstone Revolutions, una empresa nueva con residencia en la ciudad de Portland, Oregon (aunque él seguía con hogar en California).
A mediados de los 90´s, Nervous Love se relanzó por Appaloosa Records como parte de la discografía de Tommy Tutone y, en 1998, Secret Disc Records comercializó la placa Tutone.rtf; y aunque los resultados siguieron siendo discretos, un sentimiento de nostalgia empujó a Heath a reformar la banda ya sin Jim Keller (quien ocupa un alto cargo ejecutivo en una agencia de publicidad relacionada con música). Desde el 2001, junto a Heath están Jimmy James en bajo, Greg Georgeson en guitarra y Andy Gauthier en batería, contando con la ocasional colaboración de otro ex miembro como Pete Costello.
867-5309/Jenny fue el primer surco y primer corte de la producción de Tommy Tutone llamada Tommy Tutone 2 (Columbia Records, 1981). Fue escrita por Jim Keller y Alex Call mientras que la producción estuvo a cargo de Chuck Plotkin y Geoff Workman. Alcanzó el 4° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos (1° en el Mainstream Rock Tracks) y 2° en Canadá, aparte de un muy digno 32° puesto en Nueva Zelandia; y además, el disco tuvo categoría de Oro por ventas en Estados Unidos.
Aparte de ser una canción versionada por artistas de la talla de Foo Fighters, Mötley Crüe, Green Day y Goo Goo Dolls y aparecer como referencia en algunos videojuegos y en series de TV como Padre de Familia y Greek, el número en cuestión generó varias polémicas en diferentes zonas de Estados Unidos ya fuese porque era un número fácil de recordar (y disputado por empresas) o, caso contrario, por el volumen de llamadas recibidas que lo hacían molesto: para destacar el caso de Spencer Potter, un DJ de Weehawken, New Jersey, quien subastó el número por eBay aunque, al no poder comprobar la identidad de los oferentes, optó por venderlo de modo privado al Retro Fitness de Secaucus, New Jersey.
Les dejo, entonces, con una versión en vivo datada de 1983 en el programa Friday´s donde ya habían cambios respecto de la formación que grabó la canción (Heath, Keller, Lyons y Carberry); Greg Sutton estaba en bajo, Jerry Angel en percusión y se sumaba Steve LeGassick en teclados. Vamos, entonces, con esta Jenny y su número tan pegadizo...
Tommy Tutone - 867-5309/Jenny (Lyrics)
Tommy Tutone - 867-5309/Jenny (Video)
Y esta es la entrega correspondiente a esta semana en El Museo del One Hit Wonder esperando, ciertamente, que sea de vuestro agrado. No olviden que pueden realizar sugerencias que serán consideradas y que los comentarios u apuntes que pudieran hacer serán más que bienvenidos. La próxima semana, vuelve la dueña de este lugar de conservación musical, DJ Empire, quien nos transportará en el tiempo y en el espacio para mostrarnos otra canción que merece el reconocimiento por haber dejado su huella. Gracias por venir a visitar El Museo del One Hit Wonder y les esperamos con las puertas abiertas...DJ Candidato les dice que lleven la música dentro de Ustedes. ¡Hasta la próxima!
sábado, 8 de octubre de 2011
Quarterflash - Harden My Heart
Una vez más, bienvenidos a El Museo del One Hit Wonder: el lugar donde las canciones de diferentes estilos y épocas se unen bajo el denominador común que es ser el único éxito recordable en la carrera de un artista y que traspasa la huella del tiempo. Soy vuestro anfitrión, DJ Candidato, que para esta ocasión les trae una canción que hasta el día de hoy sigue sonando en todo el mundo y que, además, para muchas personas les representó bastante en una etapa de sus vidas vinculada con las relaciones de pareja. Proveniente de Estados Unidos, presentamos al grupo Quarterflash con el tema Harden My Heart.
En el amanecer de la década de los 80´s en Portland, Oregon (Estados Unidos), dos bandas de la zona se fusionan...o más bien, los integrantes de Pilot pasan a formar parte de Seafood Mama. Ellos eran la vocalista y saxofonista Rindy Ross, los guitarristas Marv Ross (esposo de Rindy) y Jack Charles, el bajista Rich Gooch, el percusionista Brian David Willis y el tecladista y encargado de los sintetizadores Rick DiGiallonardo. Bajo el nombre de Seafood Mama graban el sencillo Harden My Heart a comienzos de 1980 para el sello local Whitefire Records.
La canción fue un gran éxito en las radios locales de Portland llegando, incluso, a tener una presentación especial de una hora en la televisora KOIN el 5 de Junio de 1980. Así y todo, decidieron cambiarse el nombre a Quarterflash, que era una expresión australiana despectiva hacia los inmigrantes que los Ross encontraron en un libro en la casa de un productor amigo. Fue así como los ahora Quarterflash ficharon con Geffen Records, sello con el cual grabaron su primer disco titulado de forma homónima...y para el cual volvieron a registrar Harden My Heart.
Para Junio de 1982, el disco ya había alcanzado status de Platino por sus ventas y, claro está, seguían siendo un fenómeno en las tierras del Noroeste de Estados Unidos; de hecho, habían grabado otro concierto de una hora para la TV titulado Quarterflash In Concert que fue grabado en Octubre de 1981 y emitido por dos televisoras de Portland. El futuro se veía promisorio...pero, como solía pasar en los 80´s, los sellos discográficos generaron expectativas desmedidas y las dos siguientes producciones de Quarterflash (Take Another Picture -1983- y Back Into Blue -1985-) no tuvieron el éxito esperado, por lo cual fueron despedidos. El haberse quedado sin sello discográfico devino en la separación de la banda.
Pero cinco años después, el grupo se reunió temporalmente y contrató a músicos de sesión como la bajista y vocalista Sandin Wilson, el baterista Greg Williams, el guitarrista Doug Fraser y al saxofonista y tecladista Mel Kubik; esa experiencia entre 1990 y 1991 sirvió para registrar el disco Girl in the Wind bajo Epic Records. Y como los Ross seguían siendo músicos muy respetados en Oregon, una institución pública les pidió formar The Trail Band, una banda que tocaría música de mediados del Siglo XIX, en los tiempos del famoso "Oregon Trail", ruta usada por los pioneros de esos años. Después de 17 años tras su última producción, Marv y Rindy Ross lanzaron un nuevo disco bajo el paraguas de Quarterflash titulado Goodbye Uncle Buzz.
Harden My Heart fue el primer sencillo y primer corte del disco debut de Quarterflash llamado, precisamente, Quarterflash (Geffen Records, 1981). Fue escrita por Marv Ross y producida por John Boylan aunque, como ya se dijo antes, tuvo una versión inicial en los tiempos de Seafood Mama que era un poco más dramática. Le fue bien en términos de ránking: 3° en el Billboard Hot 100 (y el tope del chart Mainstream Rock) en Estados Unidos más Top 20 en Francia y Alemania y un decente 49° puesto en el Reino Unido.
La canción fue incluida en el primer episodio de la serie de TV Knight Rider (El Auto Fantástico), usada en la película de 2001 Wet Hot American Summer (ambientada en 1981) y, como otros clásicos, aparece en el videojuego Grand Theft Auto: Vice City Stories, donde suena en la ficticia radioemisora Emotion 98.3 FM. Como si fuera poco, Mary J. Blige espera darle un refresco a esta canción al interpretarla para la película Rock of Ages, que sería estrenada a mediados del próximo año. Con unos solos de saxo que estremecen, DJ Candidato les deja con la letra y el videoclip de Harden My Heart...
Quarterflash - Harden My Heart (Lyrics)
Quarterflash - Harden My Heart (Video)
Con el placer cumplido de traerles ante Ustedes una nueva canción merecedora del reconocimiento por condensar todo el talento de un grupo de artistas y hacerlos pasar a cierta trascendencia, DJ Candidato se despide hasta una próxima ocasión no sin antes invitarles a que hagan sus comentarios y sugerencias en las decenas de canciones que han sido puestas en exhibición. La próxima semana, como es habitual, el relevo lo tomará DJ Empire para llevarnos a otro tiempo y lugar donde alguien hizo de las suyas con una canción digna de aparecer en El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y, como siempre recomiendo, lleven la música dentro de Ustedes. ¡Hasta la próxima!
En el amanecer de la década de los 80´s en Portland, Oregon (Estados Unidos), dos bandas de la zona se fusionan...o más bien, los integrantes de Pilot pasan a formar parte de Seafood Mama. Ellos eran la vocalista y saxofonista Rindy Ross, los guitarristas Marv Ross (esposo de Rindy) y Jack Charles, el bajista Rich Gooch, el percusionista Brian David Willis y el tecladista y encargado de los sintetizadores Rick DiGiallonardo. Bajo el nombre de Seafood Mama graban el sencillo Harden My Heart a comienzos de 1980 para el sello local Whitefire Records.
La canción fue un gran éxito en las radios locales de Portland llegando, incluso, a tener una presentación especial de una hora en la televisora KOIN el 5 de Junio de 1980. Así y todo, decidieron cambiarse el nombre a Quarterflash, que era una expresión australiana despectiva hacia los inmigrantes que los Ross encontraron en un libro en la casa de un productor amigo. Fue así como los ahora Quarterflash ficharon con Geffen Records, sello con el cual grabaron su primer disco titulado de forma homónima...y para el cual volvieron a registrar Harden My Heart.
Para Junio de 1982, el disco ya había alcanzado status de Platino por sus ventas y, claro está, seguían siendo un fenómeno en las tierras del Noroeste de Estados Unidos; de hecho, habían grabado otro concierto de una hora para la TV titulado Quarterflash In Concert que fue grabado en Octubre de 1981 y emitido por dos televisoras de Portland. El futuro se veía promisorio...pero, como solía pasar en los 80´s, los sellos discográficos generaron expectativas desmedidas y las dos siguientes producciones de Quarterflash (Take Another Picture -1983- y Back Into Blue -1985-) no tuvieron el éxito esperado, por lo cual fueron despedidos. El haberse quedado sin sello discográfico devino en la separación de la banda.
Pero cinco años después, el grupo se reunió temporalmente y contrató a músicos de sesión como la bajista y vocalista Sandin Wilson, el baterista Greg Williams, el guitarrista Doug Fraser y al saxofonista y tecladista Mel Kubik; esa experiencia entre 1990 y 1991 sirvió para registrar el disco Girl in the Wind bajo Epic Records. Y como los Ross seguían siendo músicos muy respetados en Oregon, una institución pública les pidió formar The Trail Band, una banda que tocaría música de mediados del Siglo XIX, en los tiempos del famoso "Oregon Trail", ruta usada por los pioneros de esos años. Después de 17 años tras su última producción, Marv y Rindy Ross lanzaron un nuevo disco bajo el paraguas de Quarterflash titulado Goodbye Uncle Buzz.
Harden My Heart fue el primer sencillo y primer corte del disco debut de Quarterflash llamado, precisamente, Quarterflash (Geffen Records, 1981). Fue escrita por Marv Ross y producida por John Boylan aunque, como ya se dijo antes, tuvo una versión inicial en los tiempos de Seafood Mama que era un poco más dramática. Le fue bien en términos de ránking: 3° en el Billboard Hot 100 (y el tope del chart Mainstream Rock) en Estados Unidos más Top 20 en Francia y Alemania y un decente 49° puesto en el Reino Unido.
La canción fue incluida en el primer episodio de la serie de TV Knight Rider (El Auto Fantástico), usada en la película de 2001 Wet Hot American Summer (ambientada en 1981) y, como otros clásicos, aparece en el videojuego Grand Theft Auto: Vice City Stories, donde suena en la ficticia radioemisora Emotion 98.3 FM. Como si fuera poco, Mary J. Blige espera darle un refresco a esta canción al interpretarla para la película Rock of Ages, que sería estrenada a mediados del próximo año. Con unos solos de saxo que estremecen, DJ Candidato les deja con la letra y el videoclip de Harden My Heart...
Quarterflash - Harden My Heart (Lyrics)
Quarterflash - Harden My Heart (Video)
Con el placer cumplido de traerles ante Ustedes una nueva canción merecedora del reconocimiento por condensar todo el talento de un grupo de artistas y hacerlos pasar a cierta trascendencia, DJ Candidato se despide hasta una próxima ocasión no sin antes invitarles a que hagan sus comentarios y sugerencias en las decenas de canciones que han sido puestas en exhibición. La próxima semana, como es habitual, el relevo lo tomará DJ Empire para llevarnos a otro tiempo y lugar donde alguien hizo de las suyas con una canción digna de aparecer en El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y, como siempre recomiendo, lleven la música dentro de Ustedes. ¡Hasta la próxima!
sábado, 24 de septiembre de 2011
Timbuk3 - The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades
Ya estamos cerrando Septiembre en El Museo del One Hit Wonder pero, así como el tiempo, nosotros hacemos los esfuerzos por no detenernos en la noble labor de presentar ante Ustedes esas canciones que fueron el punto fulgurante en la carrera de un artista y que forman la base y el contenido de El Museo del One Hit Wonder. Nuevamente, les acompaña DJ Candidato y, en estos días donde hemos estado pendientes de un satélite y se dicen cosas sobre un cometa que traería malos presagios, les traemos una canción que hacía eco de un supuesto apocalipsis. Desde Estados Unidos, el grupo Timbuk3 con la canción The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades.
En rigor, Timbuk3 se formó como un dúo de multi-instrumentistas y que, para más remate, eran marido y mujer. Pat MacDonald (nacido el 6 de Agosto de 1952) tocaba las guitarras, el bajo y la armónica además de cantar y programar la batería; mientras que su esposa Barbara Kooyman MacDonald (nacida el 4 de Octubre de 1958) también cantaba y tocaba guitarras eléctrica y acústica además de la mandolina y el violín y programar la batería rítmica. Ambos habían nacido en diferentes ciudades del estado de Wisconsin (Pat en Green Bay y Barbara en Wausau), pero fue en Madison donde idearon este proyecto en 1984.
Las puertas se le abrieron a Timbuk3 en 1986 luego de aparecer en un programa de MTV, lo cual les permitió ser fichados por IRS Records y, dentro del mismo año, lanzar su disco debut titulado Greetings from Timbuk3 que incluía el sencillo The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades, que tuvo casi vida propia en los años venideros al ser incluida en numerosas compilaciones y bandas de sonido para películas. Otra canción del disco debut, Shame on You, sirvió de apertura para la película de 1986 The Texas Chainsaw Massacre 2 y la banda fue nominada a un Grammy por Mejor Artista Nuevo en 1987 donde competía con Simply Red...pero al final el galardón se lo llevó Bruce Hornsby and The Range.
El futuro estaba esplendoroso para el dueto...pero a los MacDonald no les gustaba esta exposición mediática que estaban ganando y decidieron mantenerse lejos de las luminarias, trabajando con rigurosidad en sus posteriores producciones, que fueron bien recibidas por la crítica especializada aunque no tuvieron éxito en ventas ni en los charts. Cuando llevaban tres discos, en 1991 deciden sumar al percusionista Wally Ingram y la guitarrista Courtney Audain. La carrera de Timbuk3 llegó hasta 1995 y el disco A Hundred Lovers (octava producción), cuando los integrantes del grupo decidieron separarse y seguir caminos dentro de la música independiente.
Pat MacDonald, por ejemplo, se mudó a Barcelona (España) y grabó varios discos para el sello alemán Ulftone, incluyendo uno de 2003 con covers de la banda Depeche Mode llamado Strange Love: PM does DM; además, escribe canciones para artistas como Cher y Peter Frampton y fundó un Festival de compositores en su ciudad actual de Sturgeon Bay, Wisconsin. Barbara MacDonald pasó a llamarse Barbara K tras divorciarse de Pat y lanzó un par de discos, incluyendo Undercover, The Songs of Timbuk3 (2005), que son versiones acústicas de canciones de su anterior banda; además, cría al hijo concebido con su ex esposo y trabaja en un sello independiente de Austin (Texas) llamado Sparrow´s Wheel. En tanto, Wally Ingram sigue como baterista de sesión tanto en estudio como en conciertos y hace cuatro años superó un cáncer que se le había detectado.
The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades fue el primer sencillo y el track que abrió el disco debut de Timbuk3 llamado Greetings From Timbuk3 (IRS Records, 1986). Fue compuesto por Pat MacDonald (a sugerencia de una frase de su entonces esposa) y producido por Dennis Herring. No se comprendió en tiempos tan alegres como los 80´s, pero Pat MacDonald quería remarcar con el título de la canción lo "brillante" que sería el futuro ante un holocausto nuclear al cual se le temía aún por esos años. Alcanzó el 9° puesto en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y el 21° lugar en los charts británicos. Su videoclip era digno de los 80´s, con colores contrastantes y ciertas ideas poco comprensibles para el gran público...y eso llamaba la atención. Sin más ni más, DJ Candidato les deja con las letras y el video de este one hit wonder...
Timbuk3 - The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades (Lyrics)
Timbuk3 - The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades (Video)
Y es así como seguimos avanzando por las tierras fecundas de la música en donde algunos, si bien fueron flor de un día, permanecieron en la memoria de muchos que les recuerdan con cierta nostalgia y sin vergüenza alguna. Mi labor como DJ Candidato ha terminado por esta semana no sin antes, junto con invitarles a que comenten y sugieran otras canciones a considerar en este Museo, indicarles que DJ Empire tendrá el alto honor de abrir los fuegos el próximo mes de Octubre. Me despido hasta una próxima oportunidad en El Museo del One Hit Wonder y recuerden llevar la música dentro de Ustedes. ¡Hasta pronto!
En rigor, Timbuk3 se formó como un dúo de multi-instrumentistas y que, para más remate, eran marido y mujer. Pat MacDonald (nacido el 6 de Agosto de 1952) tocaba las guitarras, el bajo y la armónica además de cantar y programar la batería; mientras que su esposa Barbara Kooyman MacDonald (nacida el 4 de Octubre de 1958) también cantaba y tocaba guitarras eléctrica y acústica además de la mandolina y el violín y programar la batería rítmica. Ambos habían nacido en diferentes ciudades del estado de Wisconsin (Pat en Green Bay y Barbara en Wausau), pero fue en Madison donde idearon este proyecto en 1984.
Las puertas se le abrieron a Timbuk3 en 1986 luego de aparecer en un programa de MTV, lo cual les permitió ser fichados por IRS Records y, dentro del mismo año, lanzar su disco debut titulado Greetings from Timbuk3 que incluía el sencillo The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades, que tuvo casi vida propia en los años venideros al ser incluida en numerosas compilaciones y bandas de sonido para películas. Otra canción del disco debut, Shame on You, sirvió de apertura para la película de 1986 The Texas Chainsaw Massacre 2 y la banda fue nominada a un Grammy por Mejor Artista Nuevo en 1987 donde competía con Simply Red...pero al final el galardón se lo llevó Bruce Hornsby and The Range.
El futuro estaba esplendoroso para el dueto...pero a los MacDonald no les gustaba esta exposición mediática que estaban ganando y decidieron mantenerse lejos de las luminarias, trabajando con rigurosidad en sus posteriores producciones, que fueron bien recibidas por la crítica especializada aunque no tuvieron éxito en ventas ni en los charts. Cuando llevaban tres discos, en 1991 deciden sumar al percusionista Wally Ingram y la guitarrista Courtney Audain. La carrera de Timbuk3 llegó hasta 1995 y el disco A Hundred Lovers (octava producción), cuando los integrantes del grupo decidieron separarse y seguir caminos dentro de la música independiente.
Pat MacDonald, por ejemplo, se mudó a Barcelona (España) y grabó varios discos para el sello alemán Ulftone, incluyendo uno de 2003 con covers de la banda Depeche Mode llamado Strange Love: PM does DM; además, escribe canciones para artistas como Cher y Peter Frampton y fundó un Festival de compositores en su ciudad actual de Sturgeon Bay, Wisconsin. Barbara MacDonald pasó a llamarse Barbara K tras divorciarse de Pat y lanzó un par de discos, incluyendo Undercover, The Songs of Timbuk3 (2005), que son versiones acústicas de canciones de su anterior banda; además, cría al hijo concebido con su ex esposo y trabaja en un sello independiente de Austin (Texas) llamado Sparrow´s Wheel. En tanto, Wally Ingram sigue como baterista de sesión tanto en estudio como en conciertos y hace cuatro años superó un cáncer que se le había detectado.
The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades fue el primer sencillo y el track que abrió el disco debut de Timbuk3 llamado Greetings From Timbuk3 (IRS Records, 1986). Fue compuesto por Pat MacDonald (a sugerencia de una frase de su entonces esposa) y producido por Dennis Herring. No se comprendió en tiempos tan alegres como los 80´s, pero Pat MacDonald quería remarcar con el título de la canción lo "brillante" que sería el futuro ante un holocausto nuclear al cual se le temía aún por esos años. Alcanzó el 9° puesto en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y el 21° lugar en los charts británicos. Su videoclip era digno de los 80´s, con colores contrastantes y ciertas ideas poco comprensibles para el gran público...y eso llamaba la atención. Sin más ni más, DJ Candidato les deja con las letras y el video de este one hit wonder...
Timbuk3 - The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades (Lyrics)
Timbuk3 - The Future´s so Bright, I Gotta Wear Shades (Video)
Y es así como seguimos avanzando por las tierras fecundas de la música en donde algunos, si bien fueron flor de un día, permanecieron en la memoria de muchos que les recuerdan con cierta nostalgia y sin vergüenza alguna. Mi labor como DJ Candidato ha terminado por esta semana no sin antes, junto con invitarles a que comenten y sugieran otras canciones a considerar en este Museo, indicarles que DJ Empire tendrá el alto honor de abrir los fuegos el próximo mes de Octubre. Me despido hasta una próxima oportunidad en El Museo del One Hit Wonder y recuerden llevar la música dentro de Ustedes. ¡Hasta pronto!
sábado, 10 de septiembre de 2011
Wall of Voodoo - Mexican Radio
Una vez más, sean todos y cada uno de ustedes bienvenidos a El Museo del One Hit Wonder. Como cada dos semanas, me aparezco bajo la chapa de DJ Candidato y les traigo alguna canción olvidada en el tiempo pero que tuvo el mérito de ser la única melodía que dio a conocer a un grupo de artistas. Y, como es habitual en los últimos meses, sigo con mi recorrido por la estrafalaria década de los 80´s...una muestra de ese extraño mundo viene desde Estados Unidos con una banda que quiso homenajear a su manera la cultura de un país vecino. Las estrellas de esta semana son del grupo Wall of Voodoo y su canción Mexican Radio.
Todo comenzó en el año 1977 en Los Angeles (California) cuando Stan Ridgway (nacido el 5 de Abril de 1954) trabajaba en Acme Soundtracks, una empresa pequeña dedicada a realizar música incidental para películas. Al frente, había un sitio dedicado a la música punk llamado The Masque y fue allí donde Ridgway conoció a Marc Moreland (nacido el 8 de Enero de 1958), por entonces guitarrista de The Skulls; un poco de sesiones de improvisación y pasaron de hacer música de películas a una banda New Wave. Otros dos The Skulls se unieron: el bajista Bruce Moreland (hermano de Marc) y el tecladista Chas T. Gray; el último fichaje fue el baterista Oliver Joseph "Joe" Nanini y, con ello, nacía la banda Wall of Voodoo.
El nombre de la banda derivó de un comentario hecho por un amigo de Ridgway ante el comentario del vocalista de la banda de comparar el sonido con el "wall of sound" (muralla de sonido) del productor Phil Spector; Joe Berardi (amigo de Ridgway) dijo que más bien parecía un "wall of voodoo". Su primer trabajo se llamó, precisamente, Wall of Voodoo y fue un EP lanzado en 1980 que incluyó un cover bastante particular de una canción de Johnny Cash (Ring of Fire) a base de sintetizadores. Ese fue el paso previo al primer álbum larga duración del grupo, llamado Dark Continent y lanzado en 1981...lo cual se vio un poco opacado por la salida de Bruce Moreland, ante lo cual Chas T. Gray hizo de bajista y tecladista a la vez.
Con la formación de Ridgway, M. Moreland, Gray y Nanini el grupo grabó su tercera producción y la que, a la larga, le daría gran reconocimiento. La placa de 1983 Call of the West se vio favorecida por el sencillo Mexican Radio, inspirada por Ridgway y M. Moreland al escuchar radioemisoras mexicanas de alta potencia cuyas ondas traspasaban la frontera; además, gracias a su estilo, adquirió rápida rotación en MTV. Poco después de la salida de Call of the West, Bill Noland pasó a ocupar el puesto de tecladista y el caos comenzó a apoderarse de la dinámica del grupo por el constante abuso de drogas y problemas de comportamiento.
A finales de Mayo de 1983 y luego de un extenso concierto en el US Festival, tres miembros del grupo renunciaron (Ridgway, Nanini y Noland). Los miembros que quedaban (Marc Moreland y Chas T. Gray) decidieron seguir con el proyecto sumando el retorno de Bruce Moreland y ficharon al vocalista de Eye Protection (una banda new wave de San Francisco), Andy Prieboy, como nuevo front-man y al baterista Ned Leukhardt con un sonido que varió un poco respecto de lo hecho bajo la voz de Ridgway; en 1988, el grupo se separa definitivamente (su última placa fue de 1989 y se llamó The Ugly Americans in Australia) y tanto Prieboy como M. Moreland siguen carreras en solitario como lo había hecho ya Stan Ridgway.
En el 2006 y con dos integrantes de la banda ya fallecidos (Joe Nanini murió a finales del 2000 por una hemorragia cerebral y Marc Moreland falleció por fallas en riñón e hígado en Marzo de 2002), Wall of Voodoo se presentó como teloneros de una presentación de Cindy Lauper pero con la salvedad que el único miembro original era...Stan Ridgway quien, dicho sea de paso, al día de hoy ya lleva 11 discos grabados siendo Neon Mirage el más reciente (Agosto 2010). Bill Noland ha hecho carrera en solitario y compuesto música de películas mientras que Andy Prieboy ha incursionado en la literatura y en el teatro musical.
Mexican Radio fue el primer sencillo y el sexto surco del tercer disco de Wall of Voodoo, llamado Call of the West (IRS Records, 1983). El tema fue escrito por la banda completa y la producción estuvo a cargo de Richard Mazda, quien tuvo que lidiar con las dificultades de Joe Nanini para grabar la canción. La canción alcanzó decentes puestos en los charts: 21° en Nueva Zelandia, 33° en Australia y 58° tanto en Gran Bretaña como en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y fue cubierta por bandas tales como Kinky, Celtic Frost y Nouvelle Vague. El video es un espectáculo aparte, lleno de lugares comunes y de escenas bastante particulares así que, sin más demoras, DJ Candidato les deja con las letras y el clip de Mexican Radio...
Wall of Voodoo - Mexican Radio (Lyrics)
Wall of Voodoo - Mexican Radio (Video)
Casi sin querer queriendo (como diría El Chavo del Ocho), es un homenaje de El Museo del One Hit Wonder al pueblo mexicano que está por cumplir en estos días un nuevo aniversario patrio y que esperamos sea del gusto de todos, no sólo de los nacidos en México. Como siempre, les invitamos tanto a comentar en ésta como en las otras canciones exhibidas en este lugar (ya estamos cerca de los 200 temas) y hacernos sugerencias para futuras crónicas. Por mi parte, me despido no sin antes avisarles que será DJ Empire quien me relevará (como es costumbre) la próxima semana para una nueva y periódica entrega. Soy DJ Candidato y me despido recordándoles que lleven la música dentro de Ustedes.
Todo comenzó en el año 1977 en Los Angeles (California) cuando Stan Ridgway (nacido el 5 de Abril de 1954) trabajaba en Acme Soundtracks, una empresa pequeña dedicada a realizar música incidental para películas. Al frente, había un sitio dedicado a la música punk llamado The Masque y fue allí donde Ridgway conoció a Marc Moreland (nacido el 8 de Enero de 1958), por entonces guitarrista de The Skulls; un poco de sesiones de improvisación y pasaron de hacer música de películas a una banda New Wave. Otros dos The Skulls se unieron: el bajista Bruce Moreland (hermano de Marc) y el tecladista Chas T. Gray; el último fichaje fue el baterista Oliver Joseph "Joe" Nanini y, con ello, nacía la banda Wall of Voodoo.
El nombre de la banda derivó de un comentario hecho por un amigo de Ridgway ante el comentario del vocalista de la banda de comparar el sonido con el "wall of sound" (muralla de sonido) del productor Phil Spector; Joe Berardi (amigo de Ridgway) dijo que más bien parecía un "wall of voodoo". Su primer trabajo se llamó, precisamente, Wall of Voodoo y fue un EP lanzado en 1980 que incluyó un cover bastante particular de una canción de Johnny Cash (Ring of Fire) a base de sintetizadores. Ese fue el paso previo al primer álbum larga duración del grupo, llamado Dark Continent y lanzado en 1981...lo cual se vio un poco opacado por la salida de Bruce Moreland, ante lo cual Chas T. Gray hizo de bajista y tecladista a la vez.
Con la formación de Ridgway, M. Moreland, Gray y Nanini el grupo grabó su tercera producción y la que, a la larga, le daría gran reconocimiento. La placa de 1983 Call of the West se vio favorecida por el sencillo Mexican Radio, inspirada por Ridgway y M. Moreland al escuchar radioemisoras mexicanas de alta potencia cuyas ondas traspasaban la frontera; además, gracias a su estilo, adquirió rápida rotación en MTV. Poco después de la salida de Call of the West, Bill Noland pasó a ocupar el puesto de tecladista y el caos comenzó a apoderarse de la dinámica del grupo por el constante abuso de drogas y problemas de comportamiento.
A finales de Mayo de 1983 y luego de un extenso concierto en el US Festival, tres miembros del grupo renunciaron (Ridgway, Nanini y Noland). Los miembros que quedaban (Marc Moreland y Chas T. Gray) decidieron seguir con el proyecto sumando el retorno de Bruce Moreland y ficharon al vocalista de Eye Protection (una banda new wave de San Francisco), Andy Prieboy, como nuevo front-man y al baterista Ned Leukhardt con un sonido que varió un poco respecto de lo hecho bajo la voz de Ridgway; en 1988, el grupo se separa definitivamente (su última placa fue de 1989 y se llamó The Ugly Americans in Australia) y tanto Prieboy como M. Moreland siguen carreras en solitario como lo había hecho ya Stan Ridgway.
En el 2006 y con dos integrantes de la banda ya fallecidos (Joe Nanini murió a finales del 2000 por una hemorragia cerebral y Marc Moreland falleció por fallas en riñón e hígado en Marzo de 2002), Wall of Voodoo se presentó como teloneros de una presentación de Cindy Lauper pero con la salvedad que el único miembro original era...Stan Ridgway quien, dicho sea de paso, al día de hoy ya lleva 11 discos grabados siendo Neon Mirage el más reciente (Agosto 2010). Bill Noland ha hecho carrera en solitario y compuesto música de películas mientras que Andy Prieboy ha incursionado en la literatura y en el teatro musical.
Mexican Radio fue el primer sencillo y el sexto surco del tercer disco de Wall of Voodoo, llamado Call of the West (IRS Records, 1983). El tema fue escrito por la banda completa y la producción estuvo a cargo de Richard Mazda, quien tuvo que lidiar con las dificultades de Joe Nanini para grabar la canción. La canción alcanzó decentes puestos en los charts: 21° en Nueva Zelandia, 33° en Australia y 58° tanto en Gran Bretaña como en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y fue cubierta por bandas tales como Kinky, Celtic Frost y Nouvelle Vague. El video es un espectáculo aparte, lleno de lugares comunes y de escenas bastante particulares así que, sin más demoras, DJ Candidato les deja con las letras y el clip de Mexican Radio...
Wall of Voodoo - Mexican Radio (Lyrics)
Wall of Voodoo - Mexican Radio (Video)
Casi sin querer queriendo (como diría El Chavo del Ocho), es un homenaje de El Museo del One Hit Wonder al pueblo mexicano que está por cumplir en estos días un nuevo aniversario patrio y que esperamos sea del gusto de todos, no sólo de los nacidos en México. Como siempre, les invitamos tanto a comentar en ésta como en las otras canciones exhibidas en este lugar (ya estamos cerca de los 200 temas) y hacernos sugerencias para futuras crónicas. Por mi parte, me despido no sin antes avisarles que será DJ Empire quien me relevará (como es costumbre) la próxima semana para una nueva y periódica entrega. Soy DJ Candidato y me despido recordándoles que lleven la música dentro de Ustedes.
sábado, 27 de agosto de 2011
The Georgia Satellites - Keep Your Hands to Yourself
Sean nuevamente bienvenidos a una nueva entrega en El Museo del One Hit Wonder. Soy su anfitrión por esta semana, DJ Candidato, y sigo aquí atascado en la década de los 80´s trayéndoles éxitos olvidados por casi todo melómano que se precie de tal; pero para eso estamos...para hacer el digno rescate de quienes generaron furor. Y esta semana, vamos con una muestra inconfundible del rock proveniente del Sur de Estados Unidos, ese rock por el que no pasan los años y se entronca con otros estilos como el Country. Los invitados de esta semana son The Georgia Satellites y su éxito Keep Your Hands To Yourself.
Comenzaba 1980 cuando el vocalista Daniel "Dan" John Baird (nacido el 12 de Diciembre de 1953 en San Diego, California), el guitarrista Rick Richards, el bajista de The Brains Keith Christopher y el baterista David Michaelson formaron una banda en Atlanta (Georgia) llamada Keith and the Satellites; pasó un tiempo en que tocaron en bares de la zona y salen Christopher (quien pasa a tocar con Frank Marino & Mahogany Rush) con Michaelson entrando Dave Hewitt en bajo y Randy Delay en batería. Es con esa formación (Baird, Richards, Hewitt y Delay) que graban un demo de seis temas en Axis Studios y se cambian el nombre a The Georgia Satellites mientras tocan todos los Lunes en un bar de Buckhead (cerca de Atlanta).
Pero cuando tenían hasta el productor del disco debut (Jeff Glixman), la banda se separa a mediados de 1984; Randy Delay se va a tocar con grupos como The Tony Samo Band y Hell Hounds. Y pasó que el mánager inglés del grupo, Kevin Jennings, tomó el material del demo y lo llevó a un pequeño sello de Yorkshire llamado Making Waves, a cuyos ejecutivos les gustó el material y lo lanzaron en 1985 como un EP llamado Keep The Faith. Los positivos comentarios de la prensa encontraron a Baird tocando con Woodpeckers y Richards con los Hell Hounds (del cual ya se había marchado Delay); cuando Baird se unió a Richards, el batero Mauro Magellan y el bajista Rick Price, volvieron a bautizarse como The Georgia Satellites.
Ahora, Elektra Records fichaba a la banda y la reunió con Jeff Glixman para un trabajo que daría frutos: su disco Georgia Satellites lanzado en 1986 y grabado en Cheshire Sound Studios en Atlanta. Incluía la canción Keep Your Hands to Yourself, que se transformó en un hit que compitió palmo a palmo con los pesos pesados de la música en esos tiempos (Bon Jovi, por ejemplo). Luego de un disco en vivo en 1987 titulado Inspired By Jack Daniels: Live In Concert, al año siguiente la banda hizo su segundo disco de estudio titulado Open All Night que incluía un cover de Don´t Pass Me By (original de Ringo Starr). Aunque poco antes, sólo como sencillo, habían lanzado otro cover (esta vez, de The Swinging Blue Jeans´) llamado Hippy Hippy Shake y que salió en la película Cocktail.
No les fue bien en las ventas del Open All Night y, sin embargo, The Georgia Satellites lo intentó de nuevo en 1989 con el tercer disco de estudio, que se llamó In the Land of Salvation and Sin y que incluyó dos nuevas versiones de canciones incluídas en su EP de 1985; aunque la crítica fue buena con esa producción, comercialmente volvió a ser un fracaso y fue el momento para que Dan Baird dejara el grupo en pos de una carrera solista. Así, The Georgia Satellites dejaba de existir y hubo que esperar hasta 1993 para que se lanzara una compilación de éxito llamada Let it Rock: The Best of The Georgia Satellites y que incluyó material de un EP llamado Another Chance.
Ese mismo año, Rick Richards decide tomar las riendas y asumir como vocalista de The Georgia Satellites compartiendo el rol con el bajista Rick James; llaman al baterista Todd Johnston y al tecladista Kenny Head. En 1997 sacaron el que hasta la fecha es su última producción: Shaken Not Stirred que, en rigor, tiene temas nuevos junto con remezclas de sus primeras grabaciones. Aparte de su actividad en The Georgia Satellites, Rick Richards toca de cuando en cuando en The Ju Ju Hounds (grupo del ex Guns 'N' Roses Izzy Stradlin aparte de escribir y acompañar como músico a otros destacados artistas.
En lo que respecta a otros miembros de la banda, Dan Baird (quien, al revés de muchos rockeros, está felizmente casado y no bebe alcohol) siguió carrera en solitario y, después, formó la banda Homemade Sin donde actualmente toca con otros dos ex-The Georgia Satellites como Mauro Magellon y Keith Christopher; y a Baird no le fue tan mal luego de estar en la banda que le dio algo de fama...en 1991, alcanzó el lugar 26 de los charts estadounidenses con el tema I Love You Period. En tanto, el ex baterista Randy Delay falleció de cáncer en 1993.
Keep Your Hands to Yourself fue el primer sencillo y el track inicial del primer disco larga duración de The Georgia Satellites llamado Georgia Satellites (Elektra Records, 1986). La canción fue compuesta por Dan Baird y producida por Jeff Glixman. Alcanzó el 2° lugar en el Billboard Hot 100 (sólo fue taponeado por Livin´ on a Prayer de Bon Jovi) y el clip recibió un MTV Video Award por Mejor Dirección de Arte (responsabilidad de Mary Deacon). Para que se contagien del rock a la antigua, DJ Candidato les trae tanto las letras como el video de esta canción...
The Georgia Satellites - Keep Your Hands to Yourself (Lyrics)
The Georgia Satellites - Keep Your Hands to Yourself (Video)
Y es así como las puertas de El Museo del One Hit Wonder se abren una vez más para exhibir de modo permanente a otro éxito venido, esta vez, desde hace 25 años atrás...y qué mejor forma de homenajearlos en este cuarto de siglo que traerlos al presente. Una vez más, les invito a que nos hagan sugerencias de cualquier tiempo y lugar con el único requisito de que pasen el cedazo de ser un "one hit wonder"; la próxima semana, DJ Empire toma los controles y nos lleva a otro tiempo y espacio para ver quién más se suma a la galería de nuevos inmortales que es El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y me despido, recordándoles que lleven la música dentro de Ustedes.
Comenzaba 1980 cuando el vocalista Daniel "Dan" John Baird (nacido el 12 de Diciembre de 1953 en San Diego, California), el guitarrista Rick Richards, el bajista de The Brains Keith Christopher y el baterista David Michaelson formaron una banda en Atlanta (Georgia) llamada Keith and the Satellites; pasó un tiempo en que tocaron en bares de la zona y salen Christopher (quien pasa a tocar con Frank Marino & Mahogany Rush) con Michaelson entrando Dave Hewitt en bajo y Randy Delay en batería. Es con esa formación (Baird, Richards, Hewitt y Delay) que graban un demo de seis temas en Axis Studios y se cambian el nombre a The Georgia Satellites mientras tocan todos los Lunes en un bar de Buckhead (cerca de Atlanta).
Pero cuando tenían hasta el productor del disco debut (Jeff Glixman), la banda se separa a mediados de 1984; Randy Delay se va a tocar con grupos como The Tony Samo Band y Hell Hounds. Y pasó que el mánager inglés del grupo, Kevin Jennings, tomó el material del demo y lo llevó a un pequeño sello de Yorkshire llamado Making Waves, a cuyos ejecutivos les gustó el material y lo lanzaron en 1985 como un EP llamado Keep The Faith. Los positivos comentarios de la prensa encontraron a Baird tocando con Woodpeckers y Richards con los Hell Hounds (del cual ya se había marchado Delay); cuando Baird se unió a Richards, el batero Mauro Magellan y el bajista Rick Price, volvieron a bautizarse como The Georgia Satellites.
Ahora, Elektra Records fichaba a la banda y la reunió con Jeff Glixman para un trabajo que daría frutos: su disco Georgia Satellites lanzado en 1986 y grabado en Cheshire Sound Studios en Atlanta. Incluía la canción Keep Your Hands to Yourself, que se transformó en un hit que compitió palmo a palmo con los pesos pesados de la música en esos tiempos (Bon Jovi, por ejemplo). Luego de un disco en vivo en 1987 titulado Inspired By Jack Daniels: Live In Concert, al año siguiente la banda hizo su segundo disco de estudio titulado Open All Night que incluía un cover de Don´t Pass Me By (original de Ringo Starr). Aunque poco antes, sólo como sencillo, habían lanzado otro cover (esta vez, de The Swinging Blue Jeans´) llamado Hippy Hippy Shake y que salió en la película Cocktail.
No les fue bien en las ventas del Open All Night y, sin embargo, The Georgia Satellites lo intentó de nuevo en 1989 con el tercer disco de estudio, que se llamó In the Land of Salvation and Sin y que incluyó dos nuevas versiones de canciones incluídas en su EP de 1985; aunque la crítica fue buena con esa producción, comercialmente volvió a ser un fracaso y fue el momento para que Dan Baird dejara el grupo en pos de una carrera solista. Así, The Georgia Satellites dejaba de existir y hubo que esperar hasta 1993 para que se lanzara una compilación de éxito llamada Let it Rock: The Best of The Georgia Satellites y que incluyó material de un EP llamado Another Chance.
Ese mismo año, Rick Richards decide tomar las riendas y asumir como vocalista de The Georgia Satellites compartiendo el rol con el bajista Rick James; llaman al baterista Todd Johnston y al tecladista Kenny Head. En 1997 sacaron el que hasta la fecha es su última producción: Shaken Not Stirred que, en rigor, tiene temas nuevos junto con remezclas de sus primeras grabaciones. Aparte de su actividad en The Georgia Satellites, Rick Richards toca de cuando en cuando en The Ju Ju Hounds (grupo del ex Guns 'N' Roses Izzy Stradlin aparte de escribir y acompañar como músico a otros destacados artistas.
En lo que respecta a otros miembros de la banda, Dan Baird (quien, al revés de muchos rockeros, está felizmente casado y no bebe alcohol) siguió carrera en solitario y, después, formó la banda Homemade Sin donde actualmente toca con otros dos ex-The Georgia Satellites como Mauro Magellon y Keith Christopher; y a Baird no le fue tan mal luego de estar en la banda que le dio algo de fama...en 1991, alcanzó el lugar 26 de los charts estadounidenses con el tema I Love You Period. En tanto, el ex baterista Randy Delay falleció de cáncer en 1993.
Keep Your Hands to Yourself fue el primer sencillo y el track inicial del primer disco larga duración de The Georgia Satellites llamado Georgia Satellites (Elektra Records, 1986). La canción fue compuesta por Dan Baird y producida por Jeff Glixman. Alcanzó el 2° lugar en el Billboard Hot 100 (sólo fue taponeado por Livin´ on a Prayer de Bon Jovi) y el clip recibió un MTV Video Award por Mejor Dirección de Arte (responsabilidad de Mary Deacon). Para que se contagien del rock a la antigua, DJ Candidato les trae tanto las letras como el video de esta canción...
The Georgia Satellites - Keep Your Hands to Yourself (Lyrics)
The Georgia Satellites - Keep Your Hands to Yourself (Video)
Y es así como las puertas de El Museo del One Hit Wonder se abren una vez más para exhibir de modo permanente a otro éxito venido, esta vez, desde hace 25 años atrás...y qué mejor forma de homenajearlos en este cuarto de siglo que traerlos al presente. Una vez más, les invito a que nos hagan sugerencias de cualquier tiempo y lugar con el único requisito de que pasen el cedazo de ser un "one hit wonder"; la próxima semana, DJ Empire toma los controles y nos lleva a otro tiempo y espacio para ver quién más se suma a la galería de nuevos inmortales que es El Museo del One Hit Wonder. Soy DJ Candidato y me despido, recordándoles que lleven la música dentro de Ustedes.
domingo, 19 de junio de 2011
L. A. Guns - The Ballad of Jayne
Sean todos bienvenidos a una nueva edición de El Museo del One Hit Wonder, el lugar donde esos éxitos que dieron 15 minutos de fama a un artista o una banda son recordados y extendidos hasta el final de los tiempos. Soy su anfitrión por esta semana, DJ Candidato, y les agradezco que pasen por este lugar. Para esta semana, traigo ante Ustedes a una banda de California que podría considerarse como los desplazados de la fama y que, de un tiempo a esta parte, aunque siguen en actividad lo hacen de una forma bastante particular y polémica. Con ustedes, el grupo L. A. Guns y la canción The Ballad of Jayne.
Era 1983 en la ciudad de Los Angeles, California (Estados Unidos). Allí, el guitarrista Tracii Guns se juntó con el vocalista William Bailey, el bajista Ole Beich y el baterista Rob Gardner. En el ambiente musical de esos años, Guns le presentó a Bailey a los guitarristas Izzy Stradlin y Chris Weber; allí, Bailey dejó a los L. A. Guns y, junto a Stradlin y Weber formó el grupo Hollywood Rose (antecesor de los que serían conocidos como Guns 'N' Roses). Al poco tiempo, Guns (quien también había sido invitado a formar parte de Hollywood Rose) fue reemplazado por Slash y, ante eso, volvió a formar su banda original.
Con el cantante Paul Black más el bajista Mick Cripps y el baterista Nickey Alexander, L. A. Guns retoma su carrera, aunque llamándose Faster Pussycat y, con el tiempo, retomando el nombre original de L. A. Guns. Phil Lewis reemplazó a Black en las voces y se sumó a otro bajista como Kelly Nickels. Así fue como firmaron contrato con PolyGram Records y, recién en 1988, lograron sacar a la luz su primer disco titulado de forma homónima y con Steve Riley reemplazando a Alexander en la batería. Al año siguiente, lanzaron su segunda placa titulada Cocked & Loaded que contenía la canción The Ballad of Jayne y que fue su única aparición simultánea en los charts del Estados Unidos y el Reino Unido.
Después del tercer disco del grupo, comercializado en 1991 con el nombre de Hollywood Vampires, Steve Riley fue despedido de L. A. Guns. El fracaso del cuarto disco de la banda (Vicious Circle, 1995) motivó cirugía mayor con el regreso de Riley y la salida de Cripps, Lewis y Nickels; entraron el vocalista Chris Van Dahl y el bajista Johnny Crypt. Dejados de lado por PolyGram, se dejaron influenciar por Pantera para grabar con CMC International el disco de 1996 American Hardcore, pero también resultó ser un fracaso en ventas. Un nuevo álbum salió en 1999 con el título de Shrinking Violet y el vocalista Jizzy Pearl al mando.
Una reunión de la formación clásica de L. A. Guns duró muy poco y nuevos cambios se sucedieron. Al final, en 2002 y luego de una nueva caída discográfica, Tracii Guns deja la banda (aunque él afirma que nunca lo hizo) para irse en pos de un nuevo proyecto llamado Brides of Destruction junto con el bajista de Mötley Crüe Nikki Sixx. Ante la situación, es el cantante Phil Lewis quien se unió con el bajista Adam Hamilton, el baterista Steve Riley y el guitarrista Stacey Blades para seguir con L. A. Guns y fue esta formación la que, en 2004, lanzó un disco de covers llamado Rips The Covers Off.
Pero no contaban con que, en el 2006, Tracii Guns pusiera una pausa a Brides of Destruction y formara The Tracii Guns Band junto al cantante Paul Black, el baterista Nickey Alexander y el bajista Jeremy Guns; como los derechos aún estaban en manos de Guns, su banda retomó el nombre de L. A. Guns con lo que se da la paradoja de que hay dos grupos con el mismo nombre pero con diferentes formaciones. Los de Phil Lewis (voz) cuentan, en la actualidad, con Stacey Blades (guitarra), Scott Griffin (bajo) y Steve Riley (batería); los de Tracii Guns (en guitarra) están con Jizzy Pearl (voz), Jeremy Guns (bajo) y Doni Gray (batería). Hay que agregar que son los de Lewis los que lanzaron el último disco oficial de estudio en el 2005, llamado Tales from the Strip.
The Ballad of Jayne fue el séptimo track y primer sencillo del segundo disco de L. A. Guns titulado Cocked & Loaded (Vertigo Records/PolyGram Records, 1989). Fue producido por Duane Baron, John Purdell y Tom Werman y alcanzó en 1990 tanto el 33° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos como el 53° lugar en las listas británicas. La canción está inspirada en Jayne Mansfield, actriz y símbolo sexual del Hollywood de los 50´s y 60´s que falleció en un accidente automovilístico en 1967. La formación de L. A. Guns que grabó esta canción se compuso de: Phil Lewis (voz), Tracii Guns (guitarra principal), Mick Cripps (guitarra rítmica), Kelly Nickels (bajo) y Nickey Alexander (batería, aunque es Steve Riley quien aparece en los créditos). Sin más preámbulos, les presentamos tanto la letra como el clip de The Ballad of Jayne...
L. A. Guns - The Ballad of Jayne (Lyrics)
L. A. Guns - The Ballad of Jayne (Video)
Es una entrega más pausada aunque sin dejar de tener actitud rockera a la entrada del Invierno por estos lados. Esperamos que sea de vuestro agrado y que dejen tanto comentarios como sugerencias en esta entrada que no hace más que querer reivindicar un aspecto de la música que en varias ocasiones es menospreciado y hasta ninguneado por quienes creen saber más de música y que sólo las grandes carreras importan. La próxima semana, tendremos a DJ Empire de regreso para que ella nos muestre otra canción que merezca el reconocimiento debido por su aporte en algún instante (aunque ahora sea negado). DJ Candidato se despide de El Museo del One Hit Wonder hasta un par de semanas más y recuerden que siempre pueden llevar la música con ustedes. ¡Hasta la próxima!
Era 1983 en la ciudad de Los Angeles, California (Estados Unidos). Allí, el guitarrista Tracii Guns se juntó con el vocalista William Bailey, el bajista Ole Beich y el baterista Rob Gardner. En el ambiente musical de esos años, Guns le presentó a Bailey a los guitarristas Izzy Stradlin y Chris Weber; allí, Bailey dejó a los L. A. Guns y, junto a Stradlin y Weber formó el grupo Hollywood Rose (antecesor de los que serían conocidos como Guns 'N' Roses). Al poco tiempo, Guns (quien también había sido invitado a formar parte de Hollywood Rose) fue reemplazado por Slash y, ante eso, volvió a formar su banda original.
Con el cantante Paul Black más el bajista Mick Cripps y el baterista Nickey Alexander, L. A. Guns retoma su carrera, aunque llamándose Faster Pussycat y, con el tiempo, retomando el nombre original de L. A. Guns. Phil Lewis reemplazó a Black en las voces y se sumó a otro bajista como Kelly Nickels. Así fue como firmaron contrato con PolyGram Records y, recién en 1988, lograron sacar a la luz su primer disco titulado de forma homónima y con Steve Riley reemplazando a Alexander en la batería. Al año siguiente, lanzaron su segunda placa titulada Cocked & Loaded que contenía la canción The Ballad of Jayne y que fue su única aparición simultánea en los charts del Estados Unidos y el Reino Unido.
Después del tercer disco del grupo, comercializado en 1991 con el nombre de Hollywood Vampires, Steve Riley fue despedido de L. A. Guns. El fracaso del cuarto disco de la banda (Vicious Circle, 1995) motivó cirugía mayor con el regreso de Riley y la salida de Cripps, Lewis y Nickels; entraron el vocalista Chris Van Dahl y el bajista Johnny Crypt. Dejados de lado por PolyGram, se dejaron influenciar por Pantera para grabar con CMC International el disco de 1996 American Hardcore, pero también resultó ser un fracaso en ventas. Un nuevo álbum salió en 1999 con el título de Shrinking Violet y el vocalista Jizzy Pearl al mando.
Una reunión de la formación clásica de L. A. Guns duró muy poco y nuevos cambios se sucedieron. Al final, en 2002 y luego de una nueva caída discográfica, Tracii Guns deja la banda (aunque él afirma que nunca lo hizo) para irse en pos de un nuevo proyecto llamado Brides of Destruction junto con el bajista de Mötley Crüe Nikki Sixx. Ante la situación, es el cantante Phil Lewis quien se unió con el bajista Adam Hamilton, el baterista Steve Riley y el guitarrista Stacey Blades para seguir con L. A. Guns y fue esta formación la que, en 2004, lanzó un disco de covers llamado Rips The Covers Off.
Pero no contaban con que, en el 2006, Tracii Guns pusiera una pausa a Brides of Destruction y formara The Tracii Guns Band junto al cantante Paul Black, el baterista Nickey Alexander y el bajista Jeremy Guns; como los derechos aún estaban en manos de Guns, su banda retomó el nombre de L. A. Guns con lo que se da la paradoja de que hay dos grupos con el mismo nombre pero con diferentes formaciones. Los de Phil Lewis (voz) cuentan, en la actualidad, con Stacey Blades (guitarra), Scott Griffin (bajo) y Steve Riley (batería); los de Tracii Guns (en guitarra) están con Jizzy Pearl (voz), Jeremy Guns (bajo) y Doni Gray (batería). Hay que agregar que son los de Lewis los que lanzaron el último disco oficial de estudio en el 2005, llamado Tales from the Strip.
The Ballad of Jayne fue el séptimo track y primer sencillo del segundo disco de L. A. Guns titulado Cocked & Loaded (Vertigo Records/PolyGram Records, 1989). Fue producido por Duane Baron, John Purdell y Tom Werman y alcanzó en 1990 tanto el 33° lugar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos como el 53° lugar en las listas británicas. La canción está inspirada en Jayne Mansfield, actriz y símbolo sexual del Hollywood de los 50´s y 60´s que falleció en un accidente automovilístico en 1967. La formación de L. A. Guns que grabó esta canción se compuso de: Phil Lewis (voz), Tracii Guns (guitarra principal), Mick Cripps (guitarra rítmica), Kelly Nickels (bajo) y Nickey Alexander (batería, aunque es Steve Riley quien aparece en los créditos). Sin más preámbulos, les presentamos tanto la letra como el clip de The Ballad of Jayne...
L. A. Guns - The Ballad of Jayne (Lyrics)
L. A. Guns - The Ballad of Jayne (Video)
Es una entrega más pausada aunque sin dejar de tener actitud rockera a la entrada del Invierno por estos lados. Esperamos que sea de vuestro agrado y que dejen tanto comentarios como sugerencias en esta entrada que no hace más que querer reivindicar un aspecto de la música que en varias ocasiones es menospreciado y hasta ninguneado por quienes creen saber más de música y que sólo las grandes carreras importan. La próxima semana, tendremos a DJ Empire de regreso para que ella nos muestre otra canción que merezca el reconocimiento debido por su aporte en algún instante (aunque ahora sea negado). DJ Candidato se despide de El Museo del One Hit Wonder hasta un par de semanas más y recuerden que siempre pueden llevar la música con ustedes. ¡Hasta la próxima!
sábado, 7 de mayo de 2011
Michael Damian - Rock On
Bienvenidos, una vez más, a El Museo del One Hit Wonder: el espacio donde esos artistas olvidados por la mayoría tienen su refugio y pueden, incluso, ser elevados al Olimpo musical por su exclusivo aporte a la música (aunque éste no haya sido considerado como tal en su tiempo). Soy DJ Candidato y, siguiendo la huella dejada la semana pasada por mi colega DJ Empire, aunque vuelvo a los 80´s seguiremos con los hits interpretados por gente en principio ajena a la música, como los actores; esta canción, de hecho, fue parte de la banda sonora de una de las películas representativas de finales de los 80´s. Les presento a Michael Damian y la canción Rock On.
Michael Damian Weir nació en San Diego (California) el 26 de Abril de 1962. A los 18 años, hizo sus primeras armas en la actuación en un rol que le acompañaría por casi 20 años: el del cantante Danny Romalotti en la teleserie diurna The Young and The Restless. Tuvo también roles en algunas películas como Young Doctors in Love, una parodia médica en el estilo de comedias absurdas como ¿Y Dónde Está el Piloto? También estuvo dos temporadas en la serie Los Hechos de la Vida donde, oh sorpresa, encarnó a un cantante de rock.
Con tantos roles haciendo de cantante, Damian se dio cuenta que tenía aptitudes para, cuando menos, intentarlo en serio. Fue así como, en 1981, reinterpretó a modo de single She Did It, un cover de Eric Carmen que en su voz tuvo relativo éxito; no se quedó en ello y, tres años después, el primer álbum de Damian sale a la venta bajo el título de Love is a Mystery con el sello CBS Records Canada. Y en 1986, volvió a la carga con el disco que llevaría su nombre, esta vez con la matriz de CBS Records en Estados Unidos.
A finales de los 80´s, Michael Damian fue llamado a ser parte de la banda sonora de una película que se convertiría en referente para los jóvenes de esa época. Le pidieron (cómo no) hacer un cover de un tema que en voz de David Essex estuvo en el tope de las listas a mediados de los 70´s. La película (de 1989) era Dream a Little Dream, conocida en castellano como Sueña un Pequeño Sueño y que fue protagonizada por Corey Feldman y el hace poco fallecido Corey Haim, entre otros; el tema escogido se llamó Rock On y, a diferencia del original de Essex, fue más puro y menos distorsionado en las voces.
Con el éxito de la película en la taquilla, la canción también fue un hit quedando muy posicionada en los charts y motivando a Michael Damian a incluirla en su siguiente álbum de estudio, titulado Where Do We Go from Here y lanzado ese mismo año 1989, que también tuvo éxitos menores con los sencillo Was is Nothing at All? y Cover of Love. Otros discos fueron editados a comienzos de los 90´s como Dreams of Summer, Reach out to Me y Time of the Season, pero no volvieron a significar el mismo suceso para la carrera musical de Damian (quien grabó el jingle de la serie Saved by the Bell -Salvado por la Campana-) mientras que su carrera actoral seguía centrada en ser Danny Romalotti.
En 1998, Michael Damian deja su rol en The Young and the Restless para explorar nuevas oportunidades en el teatro musical de Broadway donde, por ejemplo, obtuvo el protagónico en la producción de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice titulada Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat que, de hecho, le concedió a Damian una nominación a los Grammy. No contento con el suceso que fue en el género del musical, en 2007 da un paso más en su realización como artista, dirigiendo y escribiendo películas independientes como Hot Tamale (2007) y Moondance Alexander (2009).
En cuanto a la música...bueno, Damian decidió reintentarlo después de un silencio de casi una década, interrumpido apenas por algunos sencillos y un EP. Junto a su familia realizó un disco navideño en 2003 y, en 2008 y 2009, lanzó dos nuevos EP´s bajo los respectivos títulos de Getting So Much Better y Rock On porque, claro está, regrabó el tema junto con otras canciones que habían sido un suceso hace veinte años atrás aunque sin llegar al revuelo que causó la edición original.
Rock On fue, respectivamente, el séptimo track de la banda de sonido de la película Dream a Little Dream y el primer surco del disco de Michael Damian Where Do We Go from Here, ambos editados en el año 1989, producidos por Cypress Records y comercializados por A&M Records. El sencillo alcanzó status de Disco de Oro (el único en la carrera de Damian) y el tope del Billboard Hot 100. Además, fue considerado en el 99° lugar dentro de Los 100 Más Grandiosos One Hit Wonders de los 80´s por el canal de TV Vh1. Para todos, en especial a quienes tengan algo de memoria de la citada película, van las letras y el video de esta canción...
Michael Damian - Rock On (Lyrics)
Michael Damian - Rock On (Video)
Y es así como seguimos adornando los galones de esta modesta pero digna institución musical que es El Museo del One Hit Wonder. Dentro de unos días más, será DJ Empire quien, ejerciendo sus potestades cono fundadora de este lugar, oficiará de guía para mostrarles una canción perdida en el tiempo y en algún lugar de nuestra memoria y la traerá de regreso para el solaz musical y emotivo de quienes pasen por este lugar al cual Ustedes también pueden hacer sus aportes, sugerencias y comentarios. Me despido, en lo personal, hasta dos semanas más. Soy DJ Candidato y les invito a mantener la música dentro de Ustedes. ¡Hasta la próxima!
Michael Damian Weir nació en San Diego (California) el 26 de Abril de 1962. A los 18 años, hizo sus primeras armas en la actuación en un rol que le acompañaría por casi 20 años: el del cantante Danny Romalotti en la teleserie diurna The Young and The Restless. Tuvo también roles en algunas películas como Young Doctors in Love, una parodia médica en el estilo de comedias absurdas como ¿Y Dónde Está el Piloto? También estuvo dos temporadas en la serie Los Hechos de la Vida donde, oh sorpresa, encarnó a un cantante de rock.
Con tantos roles haciendo de cantante, Damian se dio cuenta que tenía aptitudes para, cuando menos, intentarlo en serio. Fue así como, en 1981, reinterpretó a modo de single She Did It, un cover de Eric Carmen que en su voz tuvo relativo éxito; no se quedó en ello y, tres años después, el primer álbum de Damian sale a la venta bajo el título de Love is a Mystery con el sello CBS Records Canada. Y en 1986, volvió a la carga con el disco que llevaría su nombre, esta vez con la matriz de CBS Records en Estados Unidos.
A finales de los 80´s, Michael Damian fue llamado a ser parte de la banda sonora de una película que se convertiría en referente para los jóvenes de esa época. Le pidieron (cómo no) hacer un cover de un tema que en voz de David Essex estuvo en el tope de las listas a mediados de los 70´s. La película (de 1989) era Dream a Little Dream, conocida en castellano como Sueña un Pequeño Sueño y que fue protagonizada por Corey Feldman y el hace poco fallecido Corey Haim, entre otros; el tema escogido se llamó Rock On y, a diferencia del original de Essex, fue más puro y menos distorsionado en las voces.
Con el éxito de la película en la taquilla, la canción también fue un hit quedando muy posicionada en los charts y motivando a Michael Damian a incluirla en su siguiente álbum de estudio, titulado Where Do We Go from Here y lanzado ese mismo año 1989, que también tuvo éxitos menores con los sencillo Was is Nothing at All? y Cover of Love. Otros discos fueron editados a comienzos de los 90´s como Dreams of Summer, Reach out to Me y Time of the Season, pero no volvieron a significar el mismo suceso para la carrera musical de Damian (quien grabó el jingle de la serie Saved by the Bell -Salvado por la Campana-) mientras que su carrera actoral seguía centrada en ser Danny Romalotti.
En 1998, Michael Damian deja su rol en The Young and the Restless para explorar nuevas oportunidades en el teatro musical de Broadway donde, por ejemplo, obtuvo el protagónico en la producción de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice titulada Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat que, de hecho, le concedió a Damian una nominación a los Grammy. No contento con el suceso que fue en el género del musical, en 2007 da un paso más en su realización como artista, dirigiendo y escribiendo películas independientes como Hot Tamale (2007) y Moondance Alexander (2009).
En cuanto a la música...bueno, Damian decidió reintentarlo después de un silencio de casi una década, interrumpido apenas por algunos sencillos y un EP. Junto a su familia realizó un disco navideño en 2003 y, en 2008 y 2009, lanzó dos nuevos EP´s bajo los respectivos títulos de Getting So Much Better y Rock On porque, claro está, regrabó el tema junto con otras canciones que habían sido un suceso hace veinte años atrás aunque sin llegar al revuelo que causó la edición original.
Rock On fue, respectivamente, el séptimo track de la banda de sonido de la película Dream a Little Dream y el primer surco del disco de Michael Damian Where Do We Go from Here, ambos editados en el año 1989, producidos por Cypress Records y comercializados por A&M Records. El sencillo alcanzó status de Disco de Oro (el único en la carrera de Damian) y el tope del Billboard Hot 100. Además, fue considerado en el 99° lugar dentro de Los 100 Más Grandiosos One Hit Wonders de los 80´s por el canal de TV Vh1. Para todos, en especial a quienes tengan algo de memoria de la citada película, van las letras y el video de esta canción...
Michael Damian - Rock On (Lyrics)
Michael Damian - Rock On (Video)
Y es así como seguimos adornando los galones de esta modesta pero digna institución musical que es El Museo del One Hit Wonder. Dentro de unos días más, será DJ Empire quien, ejerciendo sus potestades cono fundadora de este lugar, oficiará de guía para mostrarles una canción perdida en el tiempo y en algún lugar de nuestra memoria y la traerá de regreso para el solaz musical y emotivo de quienes pasen por este lugar al cual Ustedes también pueden hacer sus aportes, sugerencias y comentarios. Me despido, en lo personal, hasta dos semanas más. Soy DJ Candidato y les invito a mantener la música dentro de Ustedes. ¡Hasta la próxima!
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
